El cine que no veremos en el cine….

Llega la navidad y con ello un cúmulo de estrenos cinematográficos que lamentablemente son ajenos para los copiapinos. Y a pesar de que la mayoría son películas para niños, hay otras opciones que también pasan de largo en la ciudad. Una lástima que esperemos se subsane pronto con la instalación de cines en la capital de Atacama, aunque de seguro tampoco subsanarán la ausencia de estrenos menos comerciales. Lo único que queda es esperar a que salgan en DVD.

The Host: Monstruo coreano
Fue la revelación de este año en cine extranjero. Un cinta de monstruos en apariencia convencional, pero que esconde todo una serie de criticas al sistema y a la globalización.
Un monstruo crece en un río que cruza la ciudad de Seúl en Corea del Sur y de pronto sale a la superficie a devorarse todo lo que se cruza. Es así como en uno de los ataques, la criatura rapta a una pequeña, por lo que toda su familia decide ir tras el monstruo para encontrar a la niña. Una familia disfuncional donde el padre es un perdedor despistado, el tío tiene problemas de alcohol, la tía es deportista con problemas de decisión y el abuelo es un patriarca que trata de mantener unida a la familia. Mientras tanto el gobierno cerca el lugar y Estados Unidos manda un ejército al lugar asegurando que la nación sufre de un virus.
Una película llena de un humor sarcástico, con una mezcla de géneros ya que la cinta deambula entre la comedia, el drama y el terror. Tiene momentos hilarantes (ojo con la escena del funeral) y otros simplemente aterradores. Una película que esconde una fuerte crítica al manejo de crisis de los gobiernos y a la fuerte intervención norteamericana en el mundo, pero que además sirve de ejercicio para conocer un poco el sobreexagerado histrionismo de los asiáticos.

En suma recomendable, aunque algo esquizofrénica película de monstruos. BUENA.

Título original: The host, 2005

Reparto: A-sung Ko, Doo-na Bae, Hae-il Park, Hee-bong Byun, Kang-ho Song

Dirección: Bong Joon-Ho
Calificación: Todo Espectador

Acuérdate de mí: Una familia de verdad disfuncional
Una cinta coral italiana que recuerda las mejores técnicas de engranaje y montaje para este tipo de películas. Una familia de clase media vive una crisis tras casi 20 años de matrimonio. Dos hijos, con problemas cada uno y una infidelidad que desencadena un drama y desnuda varias verdades sobre la convivencia.
Gabriel Muccino (director de la simple “El último beso”) afina su narración con esta compleja estructura que se deja llevar a cada instante por el tono desesperanzado de sus personajes. La mujer es una actriz con crisis de identidad que busca un papel que la revitalice, el marido está cansado de su matrimonio y encuentra en una amante (la espectacular Monica Belluci) toda la magia perdida, el hijo está enamorado y se siente un marginado de los jóvenes de su edad, la hija busca en la promiscuidad el camino para llegar a la televisión.
Son personajes definidos y estructurados que solo tiene algunos aires de los convencionalismos esperados, pero que arrastran motivaciones que son identificables en más de un caso. La fuerza de la cinta esta en eso y en su desarrollo, en el uso correcto de las técnicas que el cine ofrece para narrar. Secuencias como el debut de la hija en la televisión, están logradas al máximo. Quizás la narración pierde fluidez al tratar de encontrar un final para cada uno, siendo que a veces lo inconcluso es más atractivo. Aún así esta película italiana es un deleite narrativo y una película que tiene una extraña sensibilidad. MUY BUENA

Titulo Original: Ricordati di Me

Reparto: Fabrizio Bentivoglio, Monica Bellucci, Laura Morante, Silvio Muccino, Nicoletta Romanoff, Gabriele Lavia.

Pais y Año de Producción: Italia - Francia - Inglaterra. 2003

Director: Gabrieel Muccino.

Género: Drama Romántico

Duración: 125 minutos

Calificación: Mayores de 14

Resident Evil 3: Más muertos, con menos sesos
Es la tercera entrega de los muertos vivos salidos de Umbrela. Se repite el plano Milla Jovovich como la exquisita Alice, que extermina a los zombies y es la esperanza de la humanidad. Esta vez la plaga ha consumido al mundo y unos pocos sobrevivientes se refugian en el desierto y en los vestigios de las ciudades. Alice decide estar solo porque supone que ella provoca la muerte de quienes la rodean. Eso hasta que logra ayudar a un puñado de sobrevivientes del ataque de unos cuervos zombies y los ayuda a encontrar una esperanza.
Una cinta entretenida, donde los efectos especiales transforman a Las Vegas en un desierto y donde los muertos vivos son cada vez más horribles. La película más que apelar al horror conceptual (como lo hubiera hecho George Romero), se va por el camino de la acción trepidante, la violencia extrema y las muertes espectaculares. Si bien recupera el nivel tras la horripilante segunda parte (Resident Evil 2, la Aniquilación), pero aún así se siente falta de pasión y de ideas propias. No hay nada nuevo en esta lucha contra la corporación y los muertos vivos, sin embargo, la falta de creatividad se suple con la correcta vocación del director para entretener. Sin duda un deleite para los fanáticos. ENTRETENIDA.

Titulo Original: Resident Evil 3: La Extiction

Reparto: Milla Jovovich, Oded Fehr, Mike Epps, Ali Larter, Chris Egan, Ashanti, Iain Glen, Sienna Guillory, Jason O'Mara.

Pais y Año de Producción: USA. 2007

Director: Russell Mulcahy.

Género: Acción - Terror

Duración: 93 minutos

Calificación: Todo Espectador (+7) (ojo que es bastante violenta)

¿Hasta donde llega la estupidez?

Hay personas que legitimamente pueden expresar su opinión y es respetable en el contexto cuando esa opinión es lógica. Puede haber personas que por su oscura y retrograda formación moral sean incapaces de comprender las variantes del amor humano. Ese sentimiento tan amplio y general que puede servir para describir la aprehensión de una madre con su hijo, así como también para entender porque dos personas del mismo sexo se meten juntos a la cama y no precisamente para dormir. El amor tan difícil de definir, tan manoseado, tan adorado, tan incomprendido y tan estudiado. ¿Quiénes somos nosotros para juzgar al amor? o para darnos de catedráticos de las relaciones amorosas de las personas. Para entender el amor como concepto lo primero es tener la virtud de la tolerancia.

Hace días el almirante (R) Miguel Ángel Vergara, en el canal de todos, lazó una artillería de guerra en contra de los homosexuales, diciendo que su condición sexual era un impedimento para que tomarán las armas. Me pregunto si alguien le hubiera dicho eso a Gabriela Mistral, "Por tu condición no puedes escribr poemas de amor", quizás hoy no tendríamos a la nobel poetisa inscrita en los libros del mundo.

Es fácil querer opinar, es fácil construir muros de intolerancia. Pero es difícil comprender que a veces el amor es más complejo de lo que queremos.

Ahora me gustaría compartir una opinión, en tono sarcático, que hace Ricarte Soto, sobre lo expresado por el almirante (r). Entre líneas demuestra que a veces caemos en la más básica de las estupideces solo por la insana posición que nos deja la intolerancia.

La nación, domingo 4 de noviembre de 2007

D-GENERACIONES

Escrito por Ricarte Soto

Doctor Sexo La opinión del almirante (R) nos permitió descubrir que este lobo de mar tiene un gran futuro como consejero sexual. Sin rodeos asegura que la tendencia homosexual “es controlable mediante la abstinencia y el cultivo paciente, esforzado y hasta heroico de las virtudes de la templanza y la castidad”.mi entender, la injerencia de los militares en los asuntos de los civiles no es bienvenida. Con la misma lógica, me abstengo de opinar sobre los reglamentos que rigen la vida de los cuarteles.Por eso, cuando el almirante (R) Miguel Ángel Vergara manifiesta su rechazo absoluto a la presencia de homosexuales en las Fuerzas Armadas, concedo que un "paisano" como yo no tiene mucho que decir. En la trayectoria que lo empinó hasta la Comandancia en Jefe de la Armada debe haber estudiado y reflexionado más de una vez sobre el tema, para concluir que es inconcebible que los gays empuñen las armas. En su arenga no precisa si las lesbianas también deben ser desalojadas del mundo militar.El asunto cambia cuando su reflexión aborda la homosexualidad como una conducta desviada. Sin ánimo de revivir antiguas pesadillas, me parece que este marino tiene algunas lagunas, por no decir océanos, en su memoria. En los años 70 varios militares heterosexuales quizás también participaron bisexuales violaron y torturaron sexualmente a sus detenidas. En caso de que Vergara lo ignore, esto recibe el nombre de sadismo, porque el placer sexual se obtiene causando dolor y la humillación de la víctima. A lo mejor el almirante en retiro piensa que estas conductas de supuestos machos-recios no merecen mayores observaciones.Pero, en fin, dejemos de lado esa historia porque la opinión del almirante (R) publicada en un diario nos permitió descubrir que este lobo de mar tiene un gran futuro como consejero sexual. Sin rodeos asegura que la tendencia homosexual "es controlable mediante la abstinencia y el cultivo paciente, esforzado y hasta heroico de las virtudes de la templanza y la castidad".Traduzcamos a un lenguaje más vulgar los elegantes consejos del nuevo doctor del sexo, que además de ser válidos para los homosexuales, pueden ser puestos en práctica por bisexuales y heterosexuales.La abstinencia, por ejemplo, se puede lograr viendo ángeles en todas partes, porque éstos supuestamente no tienen sexo. En caso de fracaso hay que optar por la mano dura. Por ejemplo, colocar la ducha-teléfono entre las piernas, de manera que el chorro de agua fría golpee con fuerza hasta que la calentura desaparezca.Como dice Vergara, este es un asunto de de cultivo paciente, por lo tanto la operación se debe repetir cuantas veces sea necesario y a toda hora.En casos más graves no hay tiempo que perder. El método más recomendado es azotarse los genitales y el trasero con una varilla de coihue. Es obvio que se debe morder un pañuelo, para que los vecinos no escuchen los aullidos, aunque no hay que preocuparse por las lágrimas porque éstas no hacen ruido. Cuando se llega a esta instancia hay que sentirse un ser pleno, por haber alcanzado el clímax del heroísmo, como lo aconseja nuestro querido doctor.Todos estos ejercicios pueden parecer terribles e inhumanos, pero tienen su justa recompensa. En su receta de la abstinencia homosexual, Vergara explica que ese esfuerzo merece comprensión, porque sobreponerse a una atracción por el mismo sexo es una pesada cruz.Me han dicho que hay gran interés por conocer la fecha de publicación de los nuevos consejos del Doctor Sexo.

PD: A reflexionar y ampliar un poco nuestra posición...

Mistral lesbiana

Hay que leer este artículo sobre nuestra Gabriela Mistral. Escrito por Patricia Verdugo, es una reflexión sobre la vida privada de alguien y como ésta afecta su obra. ¿Los Chilenos podremos aceptar que Gabriela tenía una vida privada más allá de la que expresa en sus versos?

Ahi está el Articulo:

por Patricia Verdugo

"Cuando tú vuelvas, si es que vuelves, no te vayas enseguida. Yo quiero acabarme contigo y quiero morirme en tus brazos" (fragmento de carta de Gabriela Mistral a Doris Dana, diciembre de 1948).

La relación de amor entre Gabriela Mistral y Doris Dana comenzó el 1 de octubre de 1948. Y cuando celebraron el séptimo aniversario como pareja, la poetisa le comentó a su amada: "hay que cuidar esto, Doris, es una cosa delicada el amor".

La prueba de que cuidaron su relación está a la vista. Unidas estuvieron hasta la muerte de la gran Gabriela en 1957 y Doris fue su heredera universal. Gozaron de buen amor por ocho años hasta que –cumpliendo su deseo- Gabriela expiró en sus brazos en Nueva York.

Decir en círculos privados que nuestra gran Premio Nóbel fue lesbiana, hasta hace muy poco, era un escándalo. Unos lo rechazaban o callaban. Otros argumentaban que no había pruebas. Y los menos decían que el dato no era relevante para efectos de analizar su obra. La homofobia aparecía por doquier. En 2002, la académica portorriqueña Licia Fiol-Matta escribió el libro "Una madre homosexual para la nación: el Estado y Gabriela Mistral", libro que Chile escondió bajo la alfombra. Y cuando se planteó hacer una película ("La pasajera", Casas y Labarca) hilos invisibles se movieron en México y Chile para impedir el proyecto.

Hoy, gracias a la "desclasificación" de archivos, podemos finalmente tener las pruebas y dar pasos claves hacia la verdad. Y eso permitirá perfilar a nuestra Gabriela como la persona que realmente fue, muy distante de la imagen de tristeza y soledad insondables, imagen que moldeó en fierro el stablishment local para fijarla en la historia como madre literaria de Neruda y tantos otros poetas del siglo XX, como santa madre de la nación, mito asexuado y angelical incluso.

La mujer de carne y hueso eran tan profunda como sensible, amaba con alegría y odiaba con rencor. Fue una persona tan potente que, desde 1945 hasta hoy, detenta el único Nóbel para una mujer en habla castellana. Mérito que ganó por la fuerza de su obra, ya que no contó –como Neruda- con el global apoyo de los intelectuales de izquierda.

Feminista, la Mistral sostenía que la mujer era "prisionera de la ignorancia". Y resumió su vida en Chile diciendo que "viví aislada en una sociedad analfabeta cuyas hijas eduqué y que me despreciaba por mal vestida y mal peinada". Llegó a decir incluso que Chile "no tiene sesos, no tiene madurez".

¿Tienes una gabriela?, se dice popularmente en Chile, ya que su imagen circula en rojos billetes de cinco mil pesos. Su medalla Nóbel descansa en una triste vitrina del mal mantenido museo de la iglesia de San Francisco. Su museo en Vicuña es de una pobreza que busca reafirmar la falsa imagen, antípoda de la poetisa que se codeó con lo mejor de la cultura mundial y disfrutaba de una mansión en Estados Unidos.

Sólo su tumba en Montegrande emociona porque –pese al Chile mediocre y envidioso que no supo acogerla- fue su decisión ser enterrada en el seco suelo del norte que la vio nacer. "El valle lo mientan Elqui / y Montegrande, mi dueño".

¿Será capaz Chile de asumir a la nueva Gabriela? La esperanza dice ojalá y el realismo dice difícil, muy difícil…

PD: Esperemos que de una vez por todas, la condición sexual de una persona sea un simple detalle como lo es tener el pelo negro o los ojos azules. Que nadie sea criticado, juzgado, encasillado, condicionado o estigamtizado por su orientación sexual. Como dice Patricia Verdugo... difícil... difícil...

“Radio Corazón, la Película”: Retrato Sexual de una sociedad conservadora

* La segunda parte de “El chacotero Sentimental” está dirigida por el propio Rumpy y pasa la difícil y odiosa prueba de la comparación.
* Copiapó queda fuera de la locura que desató la película en la taquilla y todo por no tener un cine. Cuando se estrenan cintas con este nivel de impacto, todos aullamos por una sala comercial en la ciudad.

La estructura es la misma que su predecesora. Tres historias basadas en llamados realizados al popular programa “El Chacotero Sentimental” se entrelazan con las intervenciones de El Rumpy. “Radio Corazón” además es el debut de Roberto Artigoitía, el Rumpy, en la dirección, que en la primera parte estuvo a cargo de Cristián Galaz.
La primera historia, “La iniciación”, está protagonizada por la nueva musa del cine chileno, Manuela Martelli, además de Daniel Muñoz y Daniel Alcaíno. En ella una joven (la sólida Martelli) es la líder del “comando copi”, un grupo de adolescentes que tiene como pacto perder la virginidad antes de los 18 años, pero resulta que todas lo han logrado. Es así como ella empieza a urdir un plan para acostarse con un hombre mayor. En ese contexto su padrastro (Muñoz) conoce a “el dragón”, un cuento sexual que se supone da el mejor chiste de la película y que finalmente desencadena la trama. Aún así “La iniciación” es la historia que tiene el mayor espíritu de comedia en toda la película, con algunos gags que pueden resultar efectivos y unos chistes escatológicos no tan acertados. Si bien hay que reconocer ese elemento, el segmento es realista donde las y los adolescentes están retratados como seres sexualmente activos, lo que toma contingencia después de algunas “performances” protagonizadas por niñas de 12 años que han sido puestas en Internet y de las que hemos sido testigos. Más efectista que original, el segmento es el que presenta los mayores convencionalismos y quizás por eso es también la más divertida.
La segunda historia es “Mi Nuera”, con Claudia Di Girólamo, Nestor Cantillana y Juana Viale. En una ella una joven pareja comienza a organizar su matrimonio y para ello piden la ayuda de la suegra, la que comienza una entrañable y peligrosamente cercana relación con su futura nuera. Una historia marcada por la sutileza y la pulcritud del relato, el lesbianismo tocado con respeto y con la osadía visual necesaria en especial en la dirección de arte y que impacta por el avance sutil de una tragedia. El Rumpy apuesta por la ausencia de los juicios de valor, los que surgen de la fuerza del relato. Es la que quizás contiene las mejores actuaciones de toda la película y en la que apuesta por lo cinematográfico como elemento básico. Acá El Rumpy demuestra su capacidad y quizás el único elemento que faltó fue darle mayor protagonismo a los silencios y las expresiones. “La nuera” es una tragedia, con toques aislados de comedia (un personaje secundario que odia a las mujeres), que funciona, sobrecoge e impacta.
“Cuento de hadas” es la última historia y que es simplemente una historia de amor. Una nana en un mundo de fantasía. Una hacienda viñatera donde el lujo es casi parte del paisaje. Una familia muy acomodada que la acoge como un miembro más de la familia en la medida de lo conveniente, siempre marcando ese sutil límite entre las clases sociales. Tamara Acosta es Valeria, la niñera que cuida a la moribunda dueña de casa (Amparo Noguera), que sufre por la distancia que marca su esposo (Felipe Braun). Todo bien hasta que la dueña de casa le pide algo más que sólo cuidar a su familia. Una historia con tradición romántica, donde los personajes se encuentran, se enamoran y sufren un quiebre, en medio de fuertes diferencias sociales, es decir, una “cenicienta” nacional. Es políticamente correcta y de personajes cercanos al cliché pero que gracias a la sutil y siempre controlada dirección logran sobreponer una historia de lugares comunes, para transformarla en un intenso relato de amor.
En suma “Radio Corazón” pasa con creces la prueba y la siempre odiosa comparación. Si bien es menos divertida que su predecesora, es más osada en el uso del lenguaje cinematográfico como elemento estabilizador de las ideas. El Rumpy se la juega por sus personajes, sin importar si con ello tiene que sacrificar algún chiste o el exceso de risas y además es capaz de filmar quizás la primera historia abiertamente lésbica del cine chileno y lo hace con respeto (a pesar de lo fuerte de la situación) y con la convicción de que sus personajes se dejan llevar por los sentimientos y no por lo genitales. En “Radio Corazón” los personajes son un espejo traslúcido de su interior, lo que es un mérito total. Si bien hay algunos momentos en que se nota la falta de oficio en la dirección de actores, la cinta transcurre sin sobresaltos y con la convicción de ser fiel al programa que le dio origen. Es decir un espacio casi de desahogo, de redención de nuestros deseos sexuales y explosión de nuestra realidad muchas veces encubierta por la insana pacatería a la que estamos acostumbrados. Menos sexual, pero más explícita en los sentidos, “Radio Corazón” es contingente, acertada y una película que logra captar la esencia de los chilenos.

Ficha Técnica
Titulo original: Radio Corazón

Dirección: Roberto Artiagoitía

País: ChileAño: 2007

Género: Comedia/ Drama

Elenco: Daniel Muñoz (Manolo), Manuela Martelli (Nice), Daniel Alcaíno (Darwin), Claudia Di Girolamo (Sandra), Néstor Cantillana (Federico), Juana Viale (Manuela), Amparo Noguera (María Pilar), Tamara Acosta (Valeria), Felipe Braun (Cristian)

Guión: Pablo Illanes y Roberto Artiagoitía

Duración:115 minutos

Calificación: Mayores de 14 años (por algunas situaciones sexuales, nada muy explícito)
VALORACIÓN: MUY BUENA. Imperdible como retrato de nuestras actitudes sexuales.

Trailer: http://br.youtube.com/watch?v=iLqKTDQEgvE

“Exterminio 2”: Regresan los zombies corredores

* En el 2002, Danny Boyle (“Trainspootting”) reinventó a los zombies transformándolos en rápidos corredores en “Exterminio”. Ahora un director español trae de vuelta a los no muertos londinenses en una secuela que mantiene el nivel de la original.

“Exterminio” (28 Days later) de Danny Boyle y realizada en el 2002, es una de las mejores películas de terror de los últimos años. Su ambiente asfixiante y su destacada trama lograron el beneplácito de la crítica y también de los fanáticos del horror. Un día un joven despierta y descubre que su amado Londres esta desierto y sólo habitados por unos extraños seres que lo atacan. Son personas que se transforman en una especie de zombies tras ser infectados con un virus. Un puñado de protagonistas recorre Inglaterra buscando ayuda. La cinta original fue un ejercicio claustrofóbico (a pesar de que el encierro era toda Gran Bretaña), de relaciones humanas y su desgracia. Se transformó instantáneamente en una cinta de culto. De ahí que una secuela representara todo un desafío.
“Exterminio 2” nos adentra en un Londres devastado, 28 semanas más tarde de la cinta original (por eso su nombre en Inglés “28 weeks later”), donde el ejército de Estados Unidos (era que no) mantiene controlada la isla, sus acceso y donde los infectados fueron exterminados o simplemente murieron de hambre. Ahí comienza la repoblación muy controlada del país. Empiezan a ingresar los refugiados como regresando a un país devastado por una guerra. Todo va bien hasta que dos hermanos (Imagen Poots y Mackintosh Muggleton), que regresan a Gran Bretaña para reencontrarse con su padre (Robert Carlyle), salen fuera de las zonas de seguridad y encuentran a su madre sobreviviente (Catherine McCormak), la que supuestamente había muerto, pero sólo había sido abandonada por su esposo, quien la dejó para sobrevivir al ataque de los zombies. Lo que no saben es que ella tiene una característica genética que la hace inmune al virus, pero que mantiene la capacidad para infectar a otros. Entonces la devastación resurge entre los refugiados. Los niños deben sobrevivir a los ataques de los zombies y a los bombardeos de los militares que planean matar a todos quienes están en Londres.
El encargado de esta secuela es el español Juan Carlos Fresnadillo, quien pasó de dirigir una cinta inédita en Chile a ser autor y director de esta secuela y la verdad es que el resultado es más que satisfactorio. Si bien las comparaciones son odiosas, “Exterminio 2” carga con la presión de mantener al menos la sensación que provocó su antecesora. En ese sentido esta secuela es más relajada y la opresión se cambia por acción y quizás por elementos más convencionales en el género de horror. A diferencia de la primera parte donde los protagonistas se desarrollaban, crecían y morían, acá las personalidades están con líneas más brutas y más cercanas al estereotipo (la doctora humanitaria, el militar arrepentido, el hombre de color buena onda, la familia disfuncional), pero que son suprimidas con el ritmo y otros elementos como el uso de la luz, la cámara y la excelente banda sonora.
“Exterminio 2” es la respuesta propia de las secuelas de horror y en cierta medida recuerda a otra serie de terror clásico como “Alien”, donde la primera parte (“Alien, el Octavo Pasajero” de Ridley Scott) era un ejercicio de claustrofobia y miedo profundo y la segunda (“Aliens, el regreso” de James Cameron) era un carnaval de acción donde la parafernalia mandaba y resultaba igual de efectiva. Es decir, esta secuela, sostiene la historia y la amolda, la hace más rápida y logra una relectura propia de la cinta original. A pesar de sus superficialidades o convencionalismos, satisface a los fanáticos y lo que es mejor, no falta a la idea básica de la cinta original, aunque acá los zombies son mayores en cantidad, violencia y sangre. Todo coronado con secuencias donde el nivel de gore es extremo y el líquido rojo salta a raudales. En suma, entretenida, tensa, original, donde la velocidad de la historia la hace algo superflua, pero que en si responde con creces a lo habitual de una secuela. Es decir, una digna sucesora de un clásico.

Titulo: “Exterminio 2”.
TITULO ORIGINAL: 28 weeks later
GENERO: Terror
DIRECCION: Juan Carlos Fresnadillo
GUION: Juan Carlos Fresnadillo, Rowan Joffe
INTERPRETES: Robert Carlyle, Rose Byrne, Jeremy Renner, Harold Perrineau, Catherine McCormack
FOTOGRAFIA: Enrique Chediak
MUSICA: John Murphy
MONTAJE: Chris Gill
ORIGEN: Inglaterra (2007)
DURACION: 100 minutos CALIFICACIÓN: Mayores de 14 años (por la violencia extrema)
VALORACIÓN: BUENA (Superior a cualquier secuela y muy entretenida)

Trailer:
http://www.youtube.com/watch?v=DTgFhF_RGOY
http://www.youtube.com/watch?v=Y0oSdqQuzdU&mode=related&search=

“Los Simpson, la película”: la Familia disfuncional llega a la pantalla grande

La película lleva a la familia más disfuncional del mundo a la pantalla grande, donde se mantiene el tono irreverente de la serie original.

Es la familia americana más popular del momento y quizás la menos funcional. “Los Simpson” luego de 400 capítulos en la televisión saltan a la pantalla grande en una esperada película de 87 minutos, donde Homero, March, Bart y Lisa enfrentan una serie de aventuras. Todo comienza cuando las autoridades decretan estado de emergencia luego de que el lago de Springfield sufriera una grave contaminación. Prohíben lanzar cualquier basura al lago, prohibición que Homero no toma en cuenta, lo que provoca una hecatombe que obliga al gobierno a aislar al pueblo. Y tras averiguar la causa de la contaminación, Homero y su familia son perseguidos por sus antiguos vecinos.
“Los Simpson, la película” parte como cualquier capítulo de la serie e incluso Homero bromea sobre lo estúpido que es ir al cine, cuando puedes ver lo mismo en la televisión. Una primera broma que mucho tiene de real, ya que la película parece un capítulo larga duración de la serie, lo que no es totalmente malo, ya que quiere decir que mantiene el tono que ha hecho a “Los Simpson”, una serie particular y que ha permitido que miles de personas adoren las aventuras de sus integrantes. Pero esto también puede ser un punto en contra para quienes querían encontrar algo diferente. Incluso la irreverencia no esta desatada del todo y el tono de la cinta esta medido, incluso en la misma serie de televisión hay chistes más duros que en la película, donde destacan algunas alusiones al partido republicado, al matrimonio homosexual, a la política ambiental de Estados Unidos y a la posible candidatura presidencial de Hilary Clinton. Pero nada que moleste o sorprenda de sobremanera, aun así “Los Simpson, la Película” resulta entretenida para los fanáticos y una sorpresa para quienes tienen su primer acercamiento al mundo de Homero y su familia.
Una animación simple, en un guión complejo (fueron 15 guionistas encargados de la historia) y con algunos gags más logrados que otros, esta película sirve para dar un avance en la serie, pero que no pasa de ser una aventura más de la familia más disfuncional de la Televisión gringa. Una familia que se ríe de ellos mismos y de todo lo que tiene que ver con los estadounidenses y sus tonteras. Ojo con algunas sorpresas para los fanáticos, en especial los cameos de Tom Hanks y Green Day y el nuevo amigo de Lisa, la que sigue siendo el mejor personaje de la serie, aún si es en un capítulo larga duración en la pantalla grande.

“Los Simpson, la Película”
Dirección: David Silverman.

País: USA.Año: 2007.

Duración: 87 min.

Género: Animación, comedia.

Doblaje original: Dan Castellaneta (Homer Simpson), Julie Kavner (Marge Simpson), Nancy Cartwright (Bart Simpson), Yeardley Smith (Lisa Simpson), Harry Shearer (Sr. Burns), Hank Azaria (Moe), Marcia Wallace (Edna).

Guión: James L. Brooks, Matt Groening, Mike Reiss, George Meyer, Ian Maxtone-Graham, John Swartzwelder, Matt Selman, David Mirkin, Al Jean, Mike Scully y Jon Vitti; basado en los personajes creados por Matt Groening.

Producción: James L. Brooks, Matt Groening, Al Jean, Richard Sakai y Mike Scully.

Música: Hans Zimmer.

Dirección artística: Dima Malanitchev.
Calificación: Todo Espectador
Valoración: Buena (con reparos, pero recomendable)

Trailer en español: http://www.youtube.com/watch?v=b0RcZU1CTEc

http://www.youtube.com/watch?v=3ywroReM9rI

"Transformers": Pura nostalgia

* Está basada en la popular serie de los 80, donde seres robóticos luchan en la tierra luego de que su planeta fuera destruido.

Es la primera cinta con actores reales que se realiza basada en la popular serie de la década de los 80 y que se transformó en un clásico de los dibujos animados de la época. La película comienza desde el principio, casi idénticamente como lo hacía la serie, aunque por supuesto con matices.
Sam (Shia LeBeouf) es un joven que quiere que su padre le regale un auto nuevo, pero su progenitor solo accede a comprarle un viejo camaro. En eso conoce a la más sexy joven del barrio y que tiene un pasado reñido con la ley. Sin saber ellos quedan en medio de una batalla de proporciones extra galácticas, ya que el auto nuevo resulta ser “Bumblebee”, un robot miembro de los “Autobots” que vienen a la tierra a impedir que “Megatron”, el líder de los “Decepticons”, encuentre un prisma que es la clave de la vida en su extinto planeta. Suena un tanto exagerada, pero la premisa es la misma que dio origen a la serie, que hoy es de culto entre todos quienes vivieron en la década de los 80 su infancia y en ese sentido se agradece tal nivel de apego a la historia original, incluso hasta el protagonista recuerda mucho al despistado conductor “humano” en la serie original.
La cinta en sí no da respiro. En sus más de 150 minutos de duración es una seguidilla de secuencias de peleas, explosiones, batallas y persecuciones que incluso por momentos hasta marean de lo rápido que salta la cámara de un lado hacia otro. Todo esto gracias a la mano esquizofrénica de Michael Bay, que es responsable de lamentables producciones (“Pearl Harbor”, “Armagedón”), que en sí son un cúmulo de lugares comunes y mucha, pero mucha acción. “Transformer” no es la excepción, aún así la película tiene más fluidez y es la más coherente de todas las de este director. Y es que está conciente que está frente a un material en el que miles de jóvenes adultos tendrán puestos los ojos y a pesar de algunos cambios que pueden llegar a molestar (por ejemplo Bumblebee ya no es un escarabajo, sino que un “Camaro” y Megatrón ya no es una pistola, sino una nave extraterrestre), la cinta sale airosa de la estricta mirada de quienes alucinamos con las aventuras del líder Optimus Prime y de su lucha a favor de los humanos. El personaje sigue siendo tan complaciente (hasta mamón si se quiere), pero es un referente que no pensamos cambiar todos aquellos que soñábamos con ser parte del equipo “humano” de los autobots. El mayor reproche, que esperemos se solucione en la segura segunda parte, son las pocas escenas de transformaciones, aunque las que hay son espectaculares.
En suma, más que resistir un análisis cinematográfico, “Los Transformers” enfrenta un análisis de nostalgia y en ese sentido sale airosa y hasta se podría olvidar que está dirigida por un hombre que filma con la sensibilidad de una máquina. INTERESANTE.

Titulo Original: Transformers

Dirección: Michael Bay

Año: 2007

País: USA

Elenco: Shia LaBeouf (Sam Witwicky), Josh Duhamel (Capitán Lennox), Megan Fox (Mikaela Banes), Jon Voight (John Kéller), John Turturro (Agente Simmons), Tyrese Gibson (Sargento Epps), Rachel Taylor (Maggie Madsen)

Guión: Roberto Orci, Alex KUrtzman

Duración: 151 minutos

Calificación: Todo espectador (No recomendable menores de 7 años, la cinta tiene algo de violencia y un chiste sexual, nada grave en todo caso)

Trailers:

http://www.youtube.com/watch?v=iratX8KkY90

http://www.youtube.com/watch?v=pmB9EbyfM9o

“Mi vida sin mi”: Cosas que hacer antes de Morir

· A pesar de ser una película sobre la muerte, “Mi vida sin mí” es la mejor inyección de ánimo y vida. Aunque no es recomendable para depresivos. Una paradoja que se explica en la solidez de la cinta.

Ann (la excelente Sara Polley) tiene veintitrés años, dos hijas, un marido que pasa más tiempo cesante que trabajando, una madre que odia al mundo, un padre que lleva diez años en la cárcel, un trabajo como limpiadora nocturna en una universidad a la que nunca podrá asistir durante el día. Vive en un remolque en el jardín de la casa de su madre, a las afueras de Vancouver, Canadá. Cuando cree que nada podría ser peor, un reporte médico le anuncia que su vida miserable se extinguirá. Comienza un depresivo testimonio, donde se vuelca en dos semanas a hacer lo que nunca hizo en su vida y su prioridad es sentirse amada.
"Mi vida sin mi" es una cinta a prueba de depresivos, pero que gracias a la dirección de Isabel Coixet, no se cae en los excesos ni en el melodramatismo exagerado, pero que logra emocionar con simples momentos llenos de una sensibilidad especial. Son especialmente logrados el encuentro en la casa vacía con su amante o cuando friega pisos queriendo estar estudiando o cuando se da cuenta que el amor es más que un revolcón desapasionado en un colchón hediondo.
Esta película es un profundo viaje al valor de lo que tenemos. Es vida, es depresión, es como a veces nos sentimos, es como a veces queremos que todo acabe. Cinematográficamente posee una fotografía oscura, plagada de colores azules casi tanto como en interior de la protagonista y las actuaciones merecen reconocimiento a parte, en especial Sarah Polley (“El amanecer de los muertos”, donde también estuvo excepcional), que construye un personaje potente y lleno de gestos y expresiones únicas. "Mi vida Sin Mi" es una película hermosa, llena de poesía, sensibilidad y honestidad. Ideal para los que creen en la perspectiva de géneros, en especial en los que se refiere a que morir no distingue nada y más aun para quienes ven la vida con dolor y desesperanza. Excelente, aunque si anda sensible quizás no es la mejor inyección ánimo, pero si es un canto a vivir la vida de la mejor manera.

Ficha:
Dirección: Isabel Coixet.

Países: España y Canadá.

Año: 2002.

Duración: 100 min.

Interpretación: Sarah Polley (Ann), Amanda Plummer (Laurie), Scott Speedman (Don), Leonor Watling (Vecina), Deborah Harry (Madre), Mark Ruffalo (Lee), Sonja Bennett (Sarah), Alfred Molina (Padre), Jessica Amlee (Penny), Kenya Jo Kennedy (Patsy), María de Medeiros, Deanne Henry.

Guión: Isabel Coixet; basado en el relato 'Pretending the bed is a raft' de Nanci Kincaid.

Producción: Esther García y Gordon McLennan.

Música: Alfonso de Vilallonga.

Fotografía: Jean-Claude Larrieu.

Montaje: Lisa Jane Robinson.

Diseño de producción: Carol Lavallee.

Dirección artística: Shelley Bolton.

Vestuario: Katia Sano.

Calificación: Todo Espectador (No recomendable menores de 7 años)

Trailers:

http://www.youtube.com/watch?v=muNv7P9cyC8

http://www.youtube.com/watch?v=Z0ZDYejqdnk

“Cell”: Cuando el terror te llama directo al celular

* Es la penúltima novela del escritor Stephen King que en Estados Unidos desbancó las listas de los más vendidos. Un libro entretenido, a ratos excesivo, pero que confirma que Sthephen King es el rey de los libros de “matiné”.

El maestro del horror moderno, como lo llaman sus fans, apareció en las librerías chilenas hace unos meses con una historia dedicada a George A. Romero, considerado el padre de los “muertos vivos”. Y es que “Cell”, (que puede ser traducida como “Celular”) su novela publicada en el 2006 en Estados Unidos y a comienzos de año en Chile, toma prestada claras referencias a la cinta que en 1968 dirigió George A. Romero y que es considerada hasta hoy una pieza de culto y la primera que dio origen a los zombies como hoy los concebimos, es decir, seres sedientos de carne humana fresca.
“Cell” comienza tan vigorosamente que sus primeras 40 páginas parecen transcurrir sin pausa, entre sangre a raudales y acción trepidante. Y su historia es simple. Una tarde Clayton Riddell, un dibujante de comics que busca desesperadamente una oportunidad, está en Boston por una entrevista de trabajo. Allí en medio de la pasividad de un primero de octubre ve como una mujer que compra helados ataca al heladero y le desgarra la garganta con los dientes y de pronto todo el mundo a su alrededor se transforma en un caos. Todos parecen transformarse en seres sedientos de violencia y donde la sangre no se demora en cubrir las calles de toda la ciudad. El culpable de tal caos parece ser la señal que emanan los celulares. Entonces se refugia junto a un grupo de sobrevivientes, entre los que se encuentra un gay con agallas, una chica sensible y niño con su abuelo adoptivo. Clayton tiene una sola cosa en mente, llegar hasta donde su hijo y su esposa pero a cada instante no puede olvidar que alguna vez le regaló a su hijo un celular rojo.
“Cell” desde el comienzo se lee como “cine en letras”, no en vano las novelas de Stephen King son adaptadas a la pantalla grande casi en forma inmediata (de hecho Eli Roth, director de las sangrientas “Hostal”, ya anunció que prepara la adaptación de este libro) y sus primeras páginas parecen ser parte de una larga secuencia de acción y sangre que está escrita para ser llevada al cine. Es que Stephen King posee un innegable talento y oficio para las descripciones y es capaz de imprimir rapidez a las letras cuando se lo propone. Igualmente sus personajes son creíbles y por momentos hasta logran crear alguna empatía con el lector, en especial Alice y Tom, que son los compinches inseparables de Clayton. Tom es gay (aunque no se hace mucha referencia a eso) y se nota que siente una fuerte atracción por Clayton, quien llega a estimarlo de sobremanera. Alice es casi como una niña huérfana que sólo quiere estar acompañada. Es un trío que lucha contra esta especie de “zombies” que matan a todo lo que se cruza por su camino, luego de ser “reprogramados” por el “El pulso”, como llaman al fenómeno que se propagó gracias a los teléfonos celulares.
Llena de referencias a las películas de zombies de George Romero (de ahí la dedicatoria), en especial en lo que respecta a como los “humanos” a veces nos transformamos en zombies gracias al consumismo (Romero hizo esa referencia en la cinta “El Amanecer de los Muertos” de 1978, la que tuvo un excelente Remake en el 2004). Aunque King agrega algunos puntos importantes en la historia reciente de Estados Unidos, como el hecho de la psicosis terrorista generada luego de los atentados a “Las Torres Gemelas” y la elección de Bush (incluso los personajes no lo nombran, pero hacen referencia a su gobierno diciendo. “el infierno en Estados Unidos llegó hace bastante antes que llegara El Pulso”).
El problema de “Cell” es que su historia ya no suena original. Los “rayados” como llaman a los zombies tecnológicos se parecen a los contaminados que ya salieron en cintas como “Exterminio” (28 days Later) y en varias novelas con referencias a virus exterminadores. Además a medio camino la novela pisa el freno para dedicarse a entender a los “rayados” y es ahí donde los personajes se estacan y la novela toma ribetes innecesarios, oníricos que se alejan del tono original donde lo más sabroso era leer como los personajes trataban de no ser masacrados por los zombies. El viaje al norte aun lugar que no se sabe si es una salvación o una condena, tampoco está del todo logrado y sólo se entiende la motivación de Clayton de ver a su familia.
“Cell” es entretenida gracias a que Stephen King tiene el oficio para crear historias de “matine” sangriento, con momentos rápidos y personajes bien delineados, pero en su desarrollo estructural es donde “Cell” decae. Aún así los fanáticos no quedarán decepcionados y seguramente esta novela se transformará en una sangrienta película de zombies que tendrá solo la mitad de la historia y la mitad de los personajes, aunque esperamos que Tom y Alice sobrevivan a la adaptación cinematográfica.

Ratatouille: Pixar lo hizo de nuevo

* La nueva película Disney, bajo el alero de Pixar, presenta el que podría ser uno de sus más entrañables personajes animados. Remy, la rata que quiere ser cocinero.

Remy es una rata de alcantarilla que posee un súper desarrollado olfato, por lo que se niega a comer cualquier porquería sacada de la basura, como lo hacen sus parientes y amigos. Por eso que prefiere hurguetear en las cocinas de los humanos para conocer los misterios de la alta cocina. Es así como tras un pequeño incidente termina viviendo en uno de los restaurantes más respetado de Paris. Ahí conoce a Linguini, el recién llegado lavaplatos que tiene cero sentido del gusto, pero que gracias a la ayuda de Remy, puede cambiar su suerte.
“Ratatouille”, que toma su nombre de un tradicional plato francés que es usado sólo como acompañamiento, es una película extraña en la tradición de Disney, dónde el gran protagonista es un ratón (parlachín con ganas de ser Chef y que se siente fuera de lugar en su mundo), que más encima logra interactuar con los humanos. Un reto para la credibilidad de la cinta que mezcla dos mundos, pero que más allá de las licencias que se puedan aceptar en las películas animadas, sale bastante airosa. Y eso gracias a que Remy, el pequeño protagonista, logra un nivel de llegada haciéndose cada vez más entrañable en el espectador, el que es capaz de entender su dinámica y su cruce de experiencia con los “humanos”.
Remy como personaje es un triunfo, totalmente adorable y que provoca empatía y una extraña complicidad en el público. Remy encarna a quienes con esfuerzo logran sus objetivos por más descabellados que suenen.
El mérito de esta nueva aventura de Disney está precisamente en eso, en sus personajes. Donde cada uno es capaz de tener motivaciones propias sin importar si son ratones o humanos. Linguini sólo quiere trabajar, Colette (la ayudante de cocina) sólo quiere subsistir en un “mundo de hombres” como ella llama a la alta cocina y Skinner (el malvado) sólo quiere apoderarse del restaurante.
Una película entretenida que viene de la mano de los creadores de “Los Increíbles” y que demuestra que la animación no se deja engolosinar sólo por el virtuosismo de las técnicas de creación, si no que pone énfasis también en sus personajes.
Brad Bird, el director, crea un producto sobresaliente que simplemente logra sorprender, incluso más allá que sus predecesoras y que entrega un mensaje potentísimo, con una doble lectura deliciosa sobre la tolerancia y el poder de la perseverancia. Ideal para quienes piensan que el cine para niños sólo es diversión, ya que acá la entretención da paso a la reflexión y en ese sentido “Ratatouille” es una delicia.
Además es potente en las imágenes, lo que queda demostrado en la secuencia donde Remy escapa por los recovecos de un edificio en Paris, para luego contemplar la ciudad luz desde lo alto de un tejado. Simplemente una secuencia magistral en el campo de la animación.
Es decir, “Ratatouille” conjuga todos los elementos cinematográficos a la perfección y se transforma en la película ideal para la familia y en una de las más logradas cintas de animación de los últimos años. Entretenida, irónica, deliciosa como sus platos y hermosa. IMPERDIBLE ESTRENO INFANTIL.

FICHA TÉCNICA
TITULO: Ratatouille

TITULO ORIGINAL: Ratatouille

GENERO: Animación computarizada

DIRECCION: Brad Bird

GUION: Brad Bird

VOCES ORIGINALES DE LA VERSION SUBTITULADA: Patton Oswalt, Ian Holm, Lou Romano, Brian Dennehy, Peter Sohn, Peter O`Toole

MUSICA: Michael Giacchino

MONTAJE: Darren Holmes

ORIGEN: Estados Unidos (2007)

DURACION: 110 minutos

CALIFICACION: Todo Espectador

RECOMENDACIÓN: EXCELENTE. MAXIMA RECOMENDACIÓN

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=YyrhfVspN3Y

Trailer en Español: http://www.youtube.com/watch?v=KcKOG2MjEsk&NR=1

Trailer en Español2: http://www.youtube.com/watch?v=hS8d4d429Ok&mode=related&search=

Pamela Jiles: ¿Quién odia a la rubia de la lengua voraz?

* Es la lengua más poderosa de la actual farándula chilena. Sus comentarios son sabrosos, mordaces y llenos de un humor que se lo quisiera Coco Legrand… además de eso tiene un rostro que se lo envidia cualquier modelo… es decir, Pamela Jiles es una delicia en todo sentido… ¿Quién podría atreverse a odiarla?

Son los ojos más hermosos y expresivos que alguna vez haya visto la farándula chilena. Son los gestos y las expresiones más intensas que tenga un espacio en la televisión. Todo unido a una inteligencia que, a veces a uno lo hace sentir un ser limítrofe, incapaz de racionalizar con la claridad que ella lo hace. Es Pamela Jiles la conjunción perfecta entre inteligencia y belleza.
Hablar de su trayectoria es gastar letras, porque “la Jiles” es de esas que uno terminaría páginas y aún así no alcanzaría a enumerar todo sus aciertos o sus características. Yo la primera imagen que tengo de ella es en un reportaje de “Informe Especial”, es tan potente su imagen que casi me cuesta recordar claramente de que se trataba el reportaje (sumando que yo aún era un niño que a esa hora veía televisión entre bostezos), pero ahí estaba ella inundando la pantalla y trasmitiendo su voz profunda a través del aire para adentrarse a mis oídos.
Es ella, esa figura que uno escucha (sé que hay algunos que no gustan de sus comentarios), que seduce con las palabras y que al fin y al cabo provoca reacciones. Desde la época de la dictadura, Pamela Jiles se ha dado el lujo de decir las cosas casi sin freno aparente, sin medida y con una certeza admirable o mejor dicho, con una concordancia en sus ideas con las mías. Pero nada de eso sería tan potente a no ser por lo atrayente de su personalidad. Pamela Jiles es todo, es pensamiento, cuerpo y palabras.

Cuerpo: Mujer que haces para mantenerte así. Capaz de ser la imagen que tienen los adolescentes cuando se masturban. Capaz de ser la fantasía sexual de un niño de 12 años, hasta la de un abuelo de 90. Imagino que es caliente a morir, que no tiene reparos para envolverse como una serpiente en los cuerpos afortunados que te acompañan. Cuerpo hecho a mano, escultural por donde se le miré y aunque Italo Pasalacqua le diga cada vez que pueda que es una “veterana”, ella se mantiene como quiere. Miles de modelos, las que ella misma critica desde su tribuna de SQP, desearían su figura o mejor aún, de seguro no se verán ni un tercio de lo bien de lo que se ve Pamela Jiles a su edad. Punto. Es rica y nadie puede negarlo.

Pensamiento consecuente (una consecuencia que uno siente desde dentro. Se puede ser de Izquierda, pero se puede ser burgués, pero ella es ambos y en ambos se siente consecuente… ¿como lo hace? Ni idea), ideales profundos y correctos, sólo me falta escuchar sobre temas valóricos, aunque a juzgar por sus libros (que reconozco comencé a leer hace poco, pero que desde hoy serán mis libros de cabecera) ella debe ser liberal (así lo espero).

Palabras: Que lengua más mordaz, pero llena de una ironía que en realidad provoca envidia. Sus estruendos y versos que salen de esa boca caliente se elevan por entre las voces inmundas de la farándula chilena para caer sigilosas en los oídos y para retumbar en los cinco sentidos. Pamela Jiles habla y muchos se ponen como toros a punto de empalarse unos a otros, como caballos con el falo duro. Para mi Pamela Jiles es esperar una sonrisa espontánea… Pamela Jiles es un afrodisíaco para el humor inteligente.
¿Quién podría odiar tal perfección? Un envidioso simplemente. Qué importa si a veces raya en la crueldad… ella es auténtica. VIVA Pamela Jiles. No te mueras nunca.

Me gusta la farándula ¿y qué?

* Que la “cote” López le puso los cuernos o no al Mago Jiménez, que si Marlen vuelve con Roberto Dueñas o si la princesa de la farándula “Kena” triunfa en Perú, son temas que por supuesto no cambiarán el curso del país, pero son sabrosos, fomentan el morbo y me encanta… reconozco que adoraría ser panelista de “SQP”, “MQH”, “IETV” y cuanto programa se dedique a hablar de los demás….



Farándula es, según la RAE, la “profesión y ambiente de los actores” o el “mundillo de la vida nocturna formado por figuras de los negocios, el deporte, la política y el espectáculo”. Una acepción que llama la atención, la RAE considera a la farándula como “mundillo”, un término despectivo si se quiere, o relativo a la “vida nocturna”, con todo lo que ello puede significar. Lo cierto es que hoy la farándula se tomó las luces y no sólo las de neón, si no la de las cámaras de TV y la del día. Está en todas partes, en todos los canales, en cada rincón. Se comenta en el almuerzo, en la oficina y en la calle.

La farándula es más popular de lo que uno cree y es simple… son pocos los que se resisten a esta fuerza que se basa en el “otro”. Ya no es la típica vecina que conoce la vida privada del barrio… ahora son los periodistas y opinólogos quienes se dedican a husmear en la vida de las celebridades y de “seudo” famosillos. Y de ello no faltan las que ven (y LOS que ven) la oportunidad de ganar unos cuantos milloncitos en programas para contar sus aventuras románticas, sexuales y poco le importa si son personas casadas o solteras.


Cahuineo de barrio pero llevado a la Tv y a los diarios. Y hay algo que reconocer, todos sentimos el morbo (en poca o gran medida) de conocer los oscuros detalles de la vida de los otros… que si la vecina se acostó con el vecino de al lado… que si a la vecina de enfrente le gustan las copas de más, que si al hijo del vecino del fondo le gustan los hombres, que si el dueño del negocio se acuesta con la clientas… y cuanto otro sórdido cahuín de barrio que se esparce como virus en el aire… y todo alimentado por el interés de las personas. Si la gente no se interesara en esos detalles… no se esparciría… entonces, la farándula es una situación necesaria… necesaria por una cuestión social y que queda demostrada en el simple hecho de que todos en alguna medida, prestamos oídos para conocer un poco de la vida de los otros.

Yo lo reconozco… gozo con la farándula. Así que “SQP”, acá estoy para hablar de los demás…

Saltando diferencias

Dónde dejamos el placer escondido,
Dónde ocultamos los valores acordados.
Son los sollozos dolientes que recuerdan lo vivido
Son las formas en que todos me han mirado.
Déjame en paz con mis ojos,
No me aprietes el rostro con tu voz.
No me entierres en la penumbra de tu odio.
Somos dos.
Del mismo cáliz. Del mismo amor.
Dime que estas entre las carpas del campo minado,
O que estoy en la filas de los enemigos,
Sólo por mi dolor… por mi pasado.
Por mi sangre y por mí.
Púdrete en tus malolientes deseos
En tu insana capacidad para despreciar…
Hermano, hermano ¿Dónde estás?
Sacúdete el pasado y entra en la vida
Aviéntame con tus palabras, recupérame con tus actos.
Perdónate del interior
De no sentir como me enseñaron
De no gozar como tú quieres.
Hermano, perdóname por lo diferente que soy.

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En un país donde ser diferente es condenable, siempre es bueno recordar que la tolerancia es un valor. Mirar al lado y reconocer nuestras diferencias, partiendo por el género, pero ver que somos iguales en el fondo. Iguales derechos, Iguales condiciones, pero reconociendo lo rico de la diversidad.

Una sociedad homogenea es una sociedad involutiva. Una sociedad heterogénea nos da la capacidad de ser mejores. No importa las diferencias de raza, color, tamaño, condición social o sexual... Somos "Humanos", Hombres y Mujeres... somos todos. Viva la diferencia... viva lo diverso y miremos al lado sin escandalizarnos y siendo capaces de entendernos unos a otros.... sólo así seremos mejores seres humanos y una mejor sociedad.

La Ruta de mis películas favoritas...

A través de nuestros gustos, podemos conocer un poco a las personas. Sentir su interior... vivir sus momentos... Ahí van algunos de mis "momentos".Advertencia: Ni por mucho son las mejores películas que he visto (hay varias que pueden ser incluso discutibles), pero representan un momento, un lugar, un estado... Y bueno representan casí una línea de vida... es cine... es sentimiento. Son Películas que simplemente me gustaron... nada más...Empezaré con mi película favorita:

"Los Puentes de Madison": Un amor infiel, pero eterno

* Clint Eastwood dirigió en 1995 este verdadero canto al amor. Una cinta llena de sensibilidad que demuestra porqué el cine es considerado un arte.

La cinta es "Los Puente de Madison", su titulo original es "The BRIDGES of Madison County" y está protagonizada por Meryl Streep (una heroína romántica que demostró que esta actriz es un verdadero prodigio) y Clint Eastwood, quien además dirigió la película por allá por 1995 y que se transformó en un clásico romántico instantáneo, que fue reconocido más en el mundo que en su país de origen (sólo fue nominada al Oscar Mejor Actriz, pero ganó una serie de premios internacionales entre los que se cuenta la nominación al César francés como mejor Película extranjera, lo mismo que en japón y otros países).

La Historia es simple, un fotógrafo de la National Goegraphic, Robert Kindkaid, va al condado de Madison a retratar los puentes techados. Allí conoce a Francesa, una italiana que lleva años viviendo en el lugar y que se quedó sola luego de que su familia fuera a una feria de rodeo. Entre ellos nace un amor intenso, maduro y sutilmente erótico, donde sus sentidos se exaltan más allá de la pasión. Son sólo cuatro días, pero que para ellos es toda una vida... Y es que el amor que nace entre ambos es tan intenso y doloroso que los hace replantearse toda su vida. ¿Es legítimo dejar todo por amor?.

Una cinta que exuda sentimiento, destreza y pulcritud narrativa. Me pregunto si los señores que nominan al oscar vieron más sensibilidad en la horrenda "Corazón valiente" (BraveHeart), hoy considerado uno de los más grandes BLUFFF del Oscar. Una sola secuencia de Los Puentes de Madison es más que toda esa película junta. La escena de la camioneta es un ejemplo. Esa secuencia tiene más sensibilidad que todos los gritos sobreactuados de Mel Gibson).

"Los Puentes de Madison" es un triunfo por donde se miré, basta ver la escena de la camioneta que es cine en su máxima expresión, casi sin dialogos, pero que demuestran la escencia del séptimo arte y que nos hace entender porqué el cine es considerado una expresión artistica, que impulsa a los sentidos y que logra emocionar. Eatwood con esta película se transformó en un referente y "Los Puentes de Madison" es sinónimo de cómo hacer una película romántica. Imperdible para quienes aún tienen un poco de sangre en las venas y de latidos en el corazón.

Trailer:
http://www.starpulse.com/Movies/Bridges_of_Madison_County,_The/Trailers/

Retomando el Blog...

Lo mantuve en silencio... mezcla de flojera... mezcla de degano. Esta de regreso, quizás no tendré actualizaciones diarias... pero si una regularidad al menos semanal. Eso como compromiso. Como siempre habrá de todo... y para muestra un nuevo Seudopoema... ahí va.

Torturas

Mientras el pelo les roza las rodillas
El alma le suplica que no siga
El dolor se controla con recuerdos,
La pasión con sosiego.

Las manos apretadas ya no tiemblan
Ante el golpe del verdugo prisionero.
Quiero hablar con tus palabras, aplicar tus inflexiones,
Si con eso perdonas, no creer en tus versiones.

Suelta el látigo un centímetro, siento el grito de mis cercanos,
Casi corto la conciencia de querer a mi pasado
Cuanto vale el recuerdo de mis palabras que he pronunciado,
Si ahora siento que cierro los ojos sin provocar ni un pecado.

Toman los cuerpos mutilados y los lanzan como un torrente
Donde fluyen las palabras, la verborrea de los que sienten.
Hoy están acallados, bajo el lodo de su nueva verdad.
Mientras ahora hay quienes dicen que ya nunca más.

Comentario de cine: "El Laberinto del Fauno", cuando la realidad convive con la Magia

*Ambientada durante la dictadura de Franco en España, esta cinta de Guillermo del Toro revitaliza la inocencia y lo mezcla con un entorno de crueldad.

Ofelia (la sorprendente Ivana Baquero) es una niña que devora libros de duendes y encantos. Se traslada junto a su madre (Ariadna Gil) a vivir al campo donde el General Vidal (Sergi López), nuevo esposo de su madre, controla a los insurrectos que se oponen al Gobierno de Franco. Es la España del 1944, una época donde la polarización esta marcada y queda reflejada en el trato que el general tiene con los lugareños y con sus empleados. Ofelia al llegar al lugar y aborrece a su padrastro, estrecha sus lazos con su enferma madre que soporta un complicado y avanzado estado de gravidez y conoce a Mercedes (la sólida Maribel Verdú), una ama de casa que esconde más de un secreto. En ese mundo donde el ambiente de guerra se respira, Ofelia descubre un laberinto, donde conoce a hadas y a un extraño Fauno (Doug Jones) que le asegura que su vida no es tan simple como ella creía.
“El laberinto del fauno” es una película que cuenta dos planos diferentes. Es como dos películas en una y que funcionan a la perfección en su reflejo de los mundos a los que está destinado. Por un lado esta Ofelia y su mágica visión donde las hadas, faunos y demonios salen para obligarla a cumplir una misión, mientras que en el mundo de los adultos están los guerrilleros que se enfrentan a la tiranía de Vidal y a su crueldad.
Guillermo del Toro regresa a la fantasía, su género favorito, donde destaca con títulos tan variados como la excelente “Cronos” y la incomprendida, pero efectiva, “Mimic”. Del toro con esta cinta se acerca al trabajo que realizó en “El Espinazo del Diablo”, donde también mezclo la inocencia con la Guerra Civil Española.
“El laberinto del Fauno” a juzgar por sus seis nominaciones al Oscar (aunque haya obtenido solo tres y haya perdido en Mejor Película Extranjera), demuestra que cumplió con su objetivo de retratar y mezclar la fantasía y la realidad, apoyándose en una efectiva dirección de arte, un maquillaje espectacular y un ritmo trepidante, donde los únicos estancamientos corren por parte de algunos personajes y situaciones, pero que en el fondo integran la narración sin dar opción al espectador a abandonar el estado que logra en cada una de las fases de la película.
Una cinta hermosa, fantástica y que logra adentrarnos en el corazón de sus personajes. Una joya donde la inocencia está marcada por la belleza. (Ya se quisiera Roberto Benigni en su horrorosa película “La Vida es Bella”, una pizca de la honestidad que demuestra “El Laberinto del Fauno”, donde ambas solo comparten el hecho de tener como protagonista a un niño en medio de un conflicto bélico). EXCELENTE E IMPERDIBLE.

“El laberinto del Fauno”. Dir: Guillermo del Toro. Prot: Ivana Baquero, Maribel Verdú, Sergi López, Ariadna Gil, Doug Jones, Alex Angulo. Mayores de 14 años (básicamente por la violencia, aunque niños pueden verla junto a sus padres). Vea el Trailer de "El laberinto del Fauno"

Iglesia y estado: ¿Cuándo se separan o divorcian?

• Con sus recientes opiniones la iglesia católica ya parece más un partido político que una religión.

Eutanasia, aborto, matrimonio homosexual, píldora del día después, uso del condón, campaña VIH SIDA, son sólo algunos de los puntos en que el estado parece cada vez más lejos de la Iglesia, al menos en temas y percepciones, pero que hace que la institución se aleje cada vez más de los ámbitos que le compete directamente: Sus fieles y la Fe, y se adentre en aspectos políticos. ¿Es la Iglesia Católica omnipresente como lo es el mismo Dios que reza en su fe? ¿Son tan imponentes que sobrepasan sus límites e imposiciones para llegar hasta el más secular del habitante del planeta? Buena fe, buena honra… todo matizado con desafortunadas opiniones vistiendo los ropajes de la fe. Antes de decir “conviene la alternancia”, habría que decirle al Cardenal Francisco Javier Errázuriz que se saque los ropajes y el escudo que supone su cargo ECLESIASTICO (no se olvide de eso) y que definitivamente se inscriba en un partido político y desde allí haga sus extensas declaraciones a favor de una alternativa de gobierno. No es que opinar sea imposible, pero es ético y de acuerdo a la FE abanderar una alternativa más allá de sus conceptos morales. ¿Es un error no reconocido? ¿O es simplemente que la Iglesia por fin esta desenmascarando sus líderes?
Podemos el resto de lo ciudadanos de este país tener visiones propias de la vida más allá de la religión… al parecer a Don Francisco Javier no le interesa la opinión ni la libertad de los demás y remite sus “declaraciones” como conceptos obligados de aprobación y conducta. Molesta su postura… nadie le dice a la Iglesia que hay gente que no tiene sus mismas convicciones y que puede pensar diferente… por su DIOS, practiquen la tolerancia no sólo de palabra, si no de hechos, acciones y pensamientos. Y emitan opinión pero no cohesión ni amenazas… Una sociedad libre estamos todos, quienes quieren vivir sus códigos morales y quienes creemos en otras formas de llevar la moral. Una sociedad donde ni el estado, ni la iglesia, ni la política impongan a quien amar y con quien compartir tu vida… una sociedad donde el color, el origen y la condición sexual no sean más que meras características que nos hacen ricamente diversos. Amar sin importar… dejar fluir, dejar avanzar sin que eso signifique la condena. La iglesia se olvida a veces de eso… y me gustaría que lo recuerden.