Soy Periodista de Copiapó. Este blog nació como un espacio para publicar algunos cuentos perdidos en diskettes y cds... Quizás despues crezca a otras instancias.
· Es una de las películas de terror mejor evaluadas del año, en un año donde el horror es bastante prolijo y recupera la tradición donde los niños son encarnaciones del mal y fuentes de horror (basta recordar "El Excorcista", "La profecía", "Ojos del mal" o la reciente e interesante "Los niños" (The Children))
La familia Coleman tiene una vida tranquila y ordenada, eso después de sortear algunos problemas. Tienen un hijo y una hija, que sufre de discapacidad auditiva, pero sufren de una marca imborrable, ella tuvo un aborto espontáneo y doloroso. En ese contexto deciden iniciar el proceso de adopción, por lo que visitan hogares infantiles, donde conocer a Esther, una huérfana bastante particular que entra en sintonía directa con ellos. En esa nueva vida, Esther ingresa a una idílica familia, dibujada por el dolor, la pertinencia y la unidad, donde superaron de todo para mantenerse juntos. La película tiene varios méritos que la hacen una buena referencia a la hora de ver el cine de terror actual. Su constante aire de realismo es contrapuesto con el personaje de Esther, que más bien parece una muñeca en medio del mundo actual, pero que logra sostenerse gracias a la actuación de la niña Isabelle Fuhrman, que impregna sentido al rol y que logra traspasar los estados cambiantes de la huérfana. Es una actuación que hay que tener en cuenta.
“La huérfana” además, tiene el mérito de querer a sus personajes, de delinearlos perfectamente al comienzo y de darle un espacio a su desarrollo, es decir, se da tiempo de presentarnos sus problemáticas, sus emociones y sus miedos más íntimos, lo que hace que el final más adrenalínico tenga más sentido y se disfrute más. El desarrollo narrativo hace que las acciones se vayan tornando más rápidas y que nos enfrentemos a vertiginoso final con una vuelta de tuerca bastante interesante y original. También hay espacios para los amantes de las emociones porque la cinta logra mantener el suspenso y hay momentos en los que apela a la tensión sin dejar de lado una dosis importante de sangre, que equilibra la cinta al horror. Ojo que hay algunas situaciones que provocan incomodidad, pero que son indispensables para generar y enrolar una historia con giros atractivos. A pesar de sus aciertos, la cinta tiene algunos momentos innecesarios y por momentos algunas situaciones son previsibles. En suma, una película correcta, con buenas actuaciones (en especial de la niña y de Vera Farmiga, su madre adoptiva), momentos de tensión, pero no integrará el círculo de oro del cine de horror. En todo caso hay que poner atención al director español Jaume Collet-Serra, ya que demuestra que tiene oficio para asustar a sus espectadores. BUENA.
* Y en Halloween que mejor que quedarse en casa y recurrir a la tradición y asustarse
El cine de horror tiene cientos de exponentes y vive un boom impresionante en los últimos años. A parte de las películas orientales y sus respectivos remakes, hay otras que están en cartelera o próximas a estrenarse como “Diabólica Tentación”, “La Huérfana”, “Arrástrame al Infierno”, etc. Pero hay cintas que se ganan un espacio y aunque no pretende ser una lista definitiva, al menos acá hay algunas imperdibles y también algunos directores para mantener en la mira.
Noche de Brujas (Halloween), USA, 1978, Dir: John Carpenter Y sería pecado no comenzar este recuento con el clásico de John Carpenter que reinventó las películas de sicópatas, se trata de “Noche de Brujas”. Michale Myers hizo su aparición en una película efectiva y que ahora puede resultar ingenua, pero que destacó por su música, dirección y por lanzar al estrellato a Jaime Lee Curtis como la reina del grito. John Carpenter es además un director de culto y es imposible no ver “Príncipe de las tinieblas”, “La Cosa”, “Al borde de la locura”, entre otras.
Halloween, USA, 2007, Dir: Rob Zombie En el 2007, Rob Zombie hizo una nueva versión del clásico de John Carpenter que le quedó bastante decente y con harto ritmo. Esta nueva versión se centro en los orígenes de Michel Myers y desbordó con sangre y atrocidades en una película entretenida y muy movida. Hay que recordar que Halloween en su versión orginal tiene varias secuelas, algunas de dudosa calidad, por lo que mejor siempre es ver la original y en este caso la última nueva adaptación. Rob Zombie se perfila como un director importante en el cine de horror y es conveniente echarle un vistazo a “Renegados del Diablo” y “La Casa de los 100 cadáveres” (que revive la tradición de las cintas de familias sicópatas).Ahora hay que esperar a ver qué tal le quedó “Halloween 2”.
Pesadilla, en lo profundo de la noche (Nightmare on Elm Street), USA, 1984, Dir: Wes Craven Con “Pesadilla”, Freddy Krugger saltó a la fama, algunos lo consideran un odioso y otros un producto desechable. Como sea, el sicópata capaz de asesinar adolescentes mientras dormían es un clásico imparable. La primera película sigue siendo la mejor y más efectiva porque lograr combinar el horror más sanguinario con un humor negro. Las secuelas tienen calidad diferente y para el próximo año está anunciada una nueva versión. Wes Craven, du director, es también un referente importante y conviene revisar algunas cintas como “La última casa a la izquierda” (que viene con una versión nueva), “La Colina de los Ojos Malditos” (otra que tuvo una muy decente versión nueva) y “Scream” (que revivió el horror cuando estaba agonizando en la década de los 90).
Martes 13 (Friday 13th), USA, 1980, Dir: Sean Cunninghan Otra clásico un tanto menor, pero más efectista que los anteriores. De trazos gruesos, gracias a “Martes 13”, Jason Vorgees es una estrella en el mundo del horror. La primera película de la serie es interesante con buenos momentos, pero algo torpe. Sus secuelas poco aportes hacen y la nueva versión realizada en el 2008 es para lamentarse. Mejor ver la original. Es la pariente pobre de los clásicos.
“La Matanza de Texas” (Texas Chainsaw Massacre), 1973, Dir: Tobe Hopper Es otro clásico imperdible para una noche de horror. Esta película narra la historia supuestamente real de un grupo de adolescentes que se pierda en Texas y queda a merced de una familia de caníbales, lideradas por “Cara de Cuero”. Sangrienta para su época, dura y corrosiva aún hoy es difícil de digerir. Tobe Hopper además logró hacerse un espacio en cine de horror con cintas como “La Casa divertida” y “Terror en Salem slot” (miniserie para la TV) y es responsable de otro clásico imperdible “Poltergeist” (1982), que dicen las malas lenguas fue más dirigido por Steve Spielbierg, como sea la cinta funciona en sus dos niveles, en el más parafernálico y en el más íntimo.
“La Matanza de Texas” (Texas Chainsaw Massacre), 2003, Dir: Marcus Nispel Se han hecho varias versiones de muy mala calidad de la cinta de Tobe Hopper y sólo en el 2003 se realizó una nueva versión con aires juveniles, pero sin dejar de lado el sadismo, por lo que se acercó en calidad al clásico de 1973. Fue entretenida e hizo que se pudieran los ojos en el joven director, aunque no pudo repetir la hazaña, ya que su versión nueva de “Martes 13” (“Viernes 13”), simplemente daba pena y risa, pero no miedo.
“La Noche de los muertos vivos” (The Night of the living dead), 1968, Dir: George A. Romero Otros monstruos que no pueden faltar son los zombies. En 1968 George Romero reinventó el terror con “La Noche de los muertos vivos” de 1968 (The night of living dead) en donde los zombies en blanco y negro transformaron al horror en algo más sádico, considerada una de la primeras películas “gore” de la historia es un clásico imperdible, lo mismo las secuelas de 1979 y 1981 donde el color hizo que la sangre y los desmembramientos fueron aun más impactantes. Algo parecido sucedió con la nueva versión de 1991 que dirigió el mago del maquillaje, Tom Savini.
El Amanecer de los muertos (Dawn of the Dead) 2004, Dir: Jack Snyder “El dia de los muertos” de 1981 es la mejor películas de muertos vivos, mientras que “El Amanecer de los muertos” de 1978 tuvo una nueva versión en el 2004 dirigida por Jack Snyder y que fue una refrescante nueva mirada al tema en una película potente y estremecedora. Los zombies de George Romero, sus secuelas y nuevas versiones son simplemente una escuela del horror. Los zombies en general gozan actualmente de buena salud gracias a estas películas y a otras como “Exterminio” (24 days later), Zombieland y “Planet terror”, que hacen olvidar un poco lo manoseados que fueron los muertos vivos en la década de los 80.
Cine para asustarse Estas son solo algunas y no podríamos dejar fuera de este recuento a cintas como “El Exorcista” de 1973 y dirigida por William Friedklin, que aun aterra en cualquiera de sus versiones y que trata sobre una niña poseída por el demonio. Para no ver solo y que puso de moda al diablo en el cine. Pero hay otras películas más modernas que bien tienen su lugar en esta lista como la francesa “Al interior”, que juega con la sangre y una guaga no nacida. Lo mismo que “Alta Tensión” de Alexander Ajá que tiene a un sicópata sanguinario y una extraña poesía del horror. “El despertar del diablo” o “La colina de los ojos malditos” en su versión del 2000 es una digna representante del horror y demostró que hay que tener en cuenta a este director francés que en su última película no le fue tan bien; “Espejos Malditos” quedó en deuda, pero aún hay que tenerle fe al joven exponente. No olvidar otras cintas que no pueden faltar, hay tantas y de tantas variantes que sólo las nombraré. “Dracula” de Francis Ford Coppola es la mejor película del conde que se haya hecho hasta ahora. “Scanners” y “La Mosca” de David Cronnenbeg, un nombre indispensable para el género. “Suspiria” y “Rojo Profundo” de Dario Argento, poesía y sangre por el igual en cine italiano de horror. “Sexto Sentido” de M. Night Shimalan, fantasmas y ternura. “Freaks” de 1932, horror del pasado. “Puerta al Infierno” (Hellraiser, 1987), buena mezcla de sangre y sustos, aunque tuvo secuelas innecesarias. “El descenso” del 2005 es una cinta de horror feminista. Ahora no queda más que acomodarse y disfrutar del miedo con este puñado de películas.
· “Up, Una aventura de altura” es la nueva apuesta Disney-pixar que arrasó con la taquilla y es una demostración que el cine comercial puede también regalar joyas imperdibles como ésta y se estrena este jueves en el cine Star de Copiapó
“Up...” cuenta la historia de Carl Fredricksen, es un vendedor de globos que finalmente consigue llevar a cabo el sueño de su vida al enganchar miles de globos a su casa y salir volando rumbo a América del Sur, pero descubre demasiado tarde que la mayor de sus pesadillas se ha embarcado también en el viaje: un Explorador o boyscout llamado Russell, que tiene ocho años y un optimismo a prueba de bomba, que pone en peligro su sueño, que es cumplir el deseo de su difunta esposa. Lo que parecía imposible, Pixar y Disney, lo logran otra vez y es entregar una película diferente y que se transforma en un placer para niños y adultos. Un viejo gruñón hace lo que un robot hizo el año pasado (“Wall-e” que parecía insuperable”) y que es entregar un personaje hermoso, intenso y profundo. Es que esta cinta, la humanidad es un rasgo primordial, que hace de Carl, un ser entrañable, que logra emocionar y también entretener. Es notable como “Up”, nos logra aterrizar y reflexionar sobre temas como la edad, los sueños y por sobre todo el amor. Es que el guión de esta película es tan efectivo que logra en una sola secuencia profundizar sobre Carl y su vida. En pocos minutos recorrimos los 78 años de este personaje, desde su profundo amor por Elie, su matrimonio, su imposibilidad para tener hijos y la dolorosa muerte de su amada, que en sí es quizás, una de las secuencias más logradas que nos haya regalado la animación en los últimos años. Una sola secuencia que por sí sola es capaz de estremecer, reflexionar y emocionar. Lo que parecen ser temas muy adultos, como la muerte y la imposibilidad de tener hijos, son tratados de tal forma que funcionan en el contexto de una película para niños y niñas, sin sacrificar la profundidad. Aunque hay que reconocer que en esta cinta en tan sólo unos minutos se desborda la emoción. Tanta realidad y tanta dureza, se contrapone con el sentido lúdico que da la trama y es que rellenar cientos de globos con helio para elevar la casa, es una fantasía que logra equilibrar lo duro del personaje y lo duro que se desarrolla esta comedia animada con tintes de drama romántico. Es esa contraparte la que sostiene a “Up” y que lejos de transformarse en una incongruencia, la potencia. El viaje fantástico e imposible, en el que Carl es acompañado por un niño boy scout, que también arrastra sus propias carencias, se transforma en un símbolo ineludible del escape de una sociedad donde los adultos mayores y los niños o niñas con familias diferentes (Rusell, el niño explorador es hijo de una familia divorciada y de un padre ausente) tienen una cabida menor. Elevarse en globos para viajar a un lugar desconocido y paradisíaco, es salir de una sociedad discriminadora e irrespetuosa. Y es en este viaje donde “Up” se encarrila directamente a la acción sin frenos, a los chistes inteligentes y por supuesto a reflotar con humor la profunda humanidad de sus personajes. La fantasía se acrecienta cuando conocen a “Dug”, un perro parlanchín y a “Kevin”, un ave bastante extraña. Ahí en ese contexto de la fantasía más profunda, “Up” explora otras aristas como es el amor, el recuerdo y la lealtad como valores casi ausentes en la actualidad. “Up” es una cinta maravillosa. Un placer para grandes y chicos que golpea en el corazón y que estremece hasta en sus partes más fantasiosas. Una verdadera obra maestra del nuevo cine de animación dirigido a los niños y niñas, donde los temas cada vez se profundizan, pero que tampoco dejan de lado el espacio para la fantasía y por sobre todo, el espacio para soñar. “Up” es una película imperdible e ideal para toda la familia. Ojo con dos secuencias que son capaces de arrancar más de una lágrima y con un final esperanzador y donde la realidad convive con la fantasía. En suma, “Up” es un clásico instantáneo y entretenido.
• La Capital de Atacama cuenta con dos salas que en sus primeras semanas demostraron que lo suyo es el cine comercial
Desde octubre del 2005, Copiapó vivió una oscuridad cinéfila en cuanto a salas comerciales. Con el cierre del cine Alhambra, también cerró la opción de ver cine en una sala comercial y tuvieron que pasar casi cuatro años para que terminara esa oscuridad. El cine Star de Copiapó, tal como su nombre, brilló en el firmamento del cine comercial y regaló dos salas, que hoy parecen sacadas de un sueño si se comparan con el antiguo, pero nostálgico, cine Alhambra. Tecnología de punta, que va desde sonido Dolby Stereo Sourround hasta la proyección en Cinema Scope, un sistema único que entrega nitidez y amplitud en una pantalla gigante, es la que trajo este nuevo recinto que luego de varios meses de dudas, por fin vio la luz con tres películas que quedarán en la retina de los cinéfilos locales, la olvidable “Dragon Ball, Evolution” , la entretenida y animada “Monstruos versus Aliens” y la innecesaria “Wolverine, X-men 4”. Fueron películas comerciales y que por hoy parecen ser la mejor marca del cine local y que ha seguido la tónica en los estrenos siguientes. “Rapido y Furioso 4” (entretenida y vacía), “Una noche en el museo 2” (solo entretenida) y “Star Trek” (Interesante y un descubrimiento). Quizás no hay espacio para un cine más alternativo, pero sin duda, el cine comercial también tiene mucho que decir. “Star Trek”, por ejemplo, es una cinta interesante y es que hoy el cine arte puede ser un templo de calidad, pero hay cintas comerciales que también pueden entregar frescura y calidad. Además ya tuvimos estrenos mundiales como “Harry Potter” (algo lenta y sólo para fanáticos) y la “La Era del Hielo 3” (delirante, pero repetitiva). No queda más que ir y ver al cine comercial con los ojos que se merece… los ojos de la entretención y de repente puede salir más de alguna sorpresa….
* Un homenaje en especial para mi mamá y a las que debutan en las lides de la crianza (Naty en especial)
Madre hay una sola. Y lo sé porque mi madre es única en toda su dimensión y de verdad no he conocido a otra como ella. Y es que cada uno tiene una figura maternal que nos llena aunque no sea la madre biológica, aunque no sea desde donde estuviste recalado nueve meses… La madre es fundacional, para ti como persona y para todo lo que sigue y no es cliché decir que madre hay una sola… porque lo es… y en el cine también lo es… acá algunas películas que muestran el poder del amor maternal por sobre todo…
“Todo sobre mi madre” (1999)
Imposible no comenzar con esta película. Fundamental para entender el tratamiento de la madre y mujer en el cine. Imprescindible para entender la obra de Pedro Almodóvar. Manuela idolatra a su hijo, que comienza a demostrar su talento como escritor y precisamente lo hace con una oda a su madre. Esteban la adora y Manuela trata de proteger al joven ocultándole la identidad del padre, pero todo se ve truncado por el destino y que hace que Manuela inicie un viaje de redención con su pasado y en especial con su rol de madre. Es una película intensa y hermosa en todos los sentidos. Almodóvar no dejó atrás su particular mundo (inundado de travestis, transexuales, homosexuales, lesbianas, monjas ninfómanas, etc), pero sin duda en esta ocasión se centro en el profundo lazo familiar que se crea más allá de la sangre. Una película que deber ser vista para entender que una madre es capaz de cualquier cosa por su hijo y que el dolor es el redentor más fuerte que hay. Es una Obra Maestra del cine español y quizás la mejor película de Almodóvar. Imperdible y repetible hasta el cansancio. (Mayores de 18 años, pero niños/as de 14 la pueden ver sin ningún problema. Sólo tiene una escena sexual suave, algunas referencias a la sexualidad de los personajes, un desnudo y elementos temáticos adultos). IMPERDIBLE
“Las Horas” (2002)
Stephen Daldry dirigió esta particular visión de la vida de Viginia Woolf (interpretada magistralmente por Nicole Kidman), pero que tiene sus claves no solo en el universo femenino esencial si no también en la profunda importancia de la maternidad en la vida de las mujeres y de cómo esta puede transportar y voltear su mundo. Tres mujeres unidas por un relato central (“La Señora Dolloway” de Virginia Woolf) intentan comprender el intrincado mundo en el que les correspondió vivir, como la dura sociedad de la décadas de los 50 donde una mujer interpretada por Julianne Moore siente terror al embarazo y a la crianza de su hijo. En el fondo es un torbellino para entender sus propias carencias y sabe que ser madre es postergar su sexualidad, sus sueños y muchas veces sus sueños. Todas las mujeres en el relato sienten que ser mujer es un proceso fuerte y donde la sexualidad es una intrincada marca en sus existencias. Hecha con mucha poesía, esta película es importante para pensar que quizás nuestras madres debieron postergar muchas cosas por nosotros. Más allá de la sexualidad de los personajes, “Las Horas” es un relato hermoso y digno de apreciar y comentar. (14 años, niño/as en compañías de sus padres por algunas temáticas adultas como el suicidio y el SIDA). HERMOSA.
“Terminator y Terminator 2” (1984 y 2001)
Ambas son clásicos de la ciencia ficción. La primera hacía gala de un guión inteligente más que de efectos especiales y
la segunda agrega a su mérito unos efectos especiales revolucionarios para la época y que aún funcionan muy bien. Sarah CONNOR, la gran protagonista de la saga (interpretada por Linda Hamilton, en el rol de su vida y porque no decirlo en un personaje que tiene su estampa y su registro es difícil imaginarse a una Sara CONNOR diferente y
quizás eso pasa con la serie “Las Crónicas de Sara CONNOR” y su poco despegue), es una madre que hace de todo para proteger a su hijo y de ahí ara proteger a la humanidad. Porque para una madre no es nada pasar de la inocencia a la lucha armada, pasar de la candidez a la rudeza casi masculina y todo para proteger a John. ¿Qué otra madre haría eso?, sin duda que todas. Decir que la saga Terminator es lograda en sus dos partes no es menor y es que ambas se sustentan en el amor, la entrega, la incondicionalidad de una madre para cuidar a su hijo más allá de cualquier futuro posible. (Ambas mayores de 14 años, por la violencia y la primera por unos desnudos. Niño/as la pueden ver sin dramas con sus padres). AMBAS EXCELENTES.
“Psicosis” (1960)
Es un clásico del terror dirigido por Alfred Hitchock. No hay mucho que decir, solo que así como buena madre marca a las personas, uno muy buena, puede marcarte más allá de la muerte. Es una película que hoy no funciona tan bien como en su época, pero la sola escena de la ducha es un prodigio en montaje y música. Ojo con la secuencia cuando Norman visita a su madre. Madre al límite, pero no tan positivo. (Mayores 14 años, por un poco de violencia. Niños/as la pueden ver sin drama). ACADÈMICA.
“Forres Gump” (1994)
En su año arrasó con los premios y si bien para muchos el personaje de Forrest marcaba un hito, también lo es el personaje de su madre. Sin esa persona hermosa, incondicional y amorosa, Forrest no hubiera llegado a ningún lado. Interpretado por Sally Field, aca tenemos a una muestra más de la incondicionalidad de una madre, de su ilimitada capacidad para hacer cualquier cosa por que su hijo viva lo más normal posible, aunque tenga serios problemas intelectuales. Forrest es un poco lento, un poco torpe, enfermizo, pero eso no importa, porque ella logra que sea un gran hombre. Vivan las madres y premio especial para la madre de Forrest. (Mayores de 14 años, por algunas temáticas adultas como uso de drogas y algunas insinuaciones sexuales. Niños/as la pueden ver sin drama).
“Dulce Amistad” (1996)
“Beautiful thing” es su título original. Acá una madre soltera trata de educar a su hijo en un barrio de clase baja en la Inglaterra de los 80. Extrovertida y hasta castradora, esta madre demuestra que su hijo es todo. “Yo he sido capaz de robar por darle de comer”, le dice a su novio bastante años menor. La historia es de descubrimiento sexual entre dos adolescentes, uno que vive solo con su padre y hermano, y su vecino, que vive con su madre. Ambos explosionan en una sinfonía de amor desbordante que supera cualquier cosa, incluido los prejuicios, sus miedos. Acá la madre da todo otra vez, primero desde la trinchera de la comprensión (trata de entender la homosexualidad de su hijo) y después desde la trinchera del apoyo (ojo con la escena donde ella sale a bailar con una mujer, la mejor amiga de los chicos, sólo para demostrar que ama a su hijo). HERMOSA y con una madre combativa e imitable. (Mayores de 14 años por elementos temáticos, aunque niños/as la pueden ver sin problemas).
“Sexto Sentido” (1999)
Un clásico del terror psicológico en la que un niño literalmente “ve gente muerta”. Un psicólogo trata de ayudarlo y también lo hace su madre, que no entiende que pasa por la aproblemada cabeza de su retoño, pero a pesar de todo hace lo posible por entregarle lo mejor, desde la educación hasta el apoyo en sus momentos más duros. Una madre que nuevamente demuestra que una mamá puede estar en todos los momentos, en los mejores, en los peores, aunque esto incluya codearte con cadáveres ambulantes. Excelente como experiencia cinematográfica y hermosa como relato madre-hijo. (Todo Espectador, puede resultar demasiado terrorífica para niños/as muy pequeños/as). IMPERDIBLE.
“El curioso caso de Benjamín Button” (2008).
Una madre adoptiva que demuestra que a veces la sangre no crea los lazos más intensos. Una película larga, algo floja por pasajes y con un par de secuencias memorables, pero que en sus mejores pasajes está precisamente en el amor que entrega una mujer afroamericana a un hijo que “encuentra” en la puerta del asilo para ancianos donde trabaja. Quizás no tan desarrollada, la relación entre este hijo y esta madre es similar a lo que ocurre en “Forrest Gump”, pero con la diferencia que acá la madre es adoptiva. INTERESANTE por pasajes y una madre que otra vez está en “aquellos” momentos”. (Todo Espectador).
“El sustituto” (2008)
Angelina Jolie es una madre que busca desesperada a su hijo. No hay peor dolor que la pérdida, que la incertidumbre de no saber que pasó. Un buen día unos policías le traen de vuelta a un niño que aseguran es su hijo perdido, pero ella intuye que no es. Y reanuda la busqueda. “Una madre nunca dejará de buscar”, dice. Y es que acá el dolor se mezcla con la intriga en una cinta que demuestra porque madre hay una sola. Dirigida por Clint Eastwood es una joya que demuestra porque Eastwood es un director como pocos y que ahora utiliza la intuición de madre como sustento. (Todo Espectador)
“Bailarina en la Oscuridad” (2000)
La película de Bjork, aunque en rigor ella es la protagonista en una actuación que deslumbra y sobrecoge. Dirigida por Lars Von Traer, es un canto a la vida, al amor maternal en toda su dimensión. Selma es una obrera que trabaja cada día duro para conseguir el dinero que permita a su pequeño hijo ser operado y que no corra su misma suerte, ella esta quedando ciega debido a una enfermedad genética. Su mundo de tornillos y máquinas es matizado por su imaginación que transforma todo en un escenario como aquellos musicales de los 50 que tanto adora. Y es que la música la transporta, la lleva más allá de los problemas y hace que ella pueda sobrevivir a este cruel mundo. Pero la tragedia llegará y del lado que más duele: Su hijo. “Bailarina en la oscuridad” es un golpe directo a los sentidos, al dolor, es como meter en dedo en la llaga. Una madre hace todo por su hijo, sin duda. Una película dura, intensa y emocional. HERMOSA, RUDA y EXCELENTE: (Mayores de 14 años, por un poco de violencia, niños/as con sus padres sin rollos).
“Solas” (1999)
Es una película española que funciona en todos los niveles de análisis, como cine feminista, como cine maternal y como cine a secas. Es una película cargada de emoción y es que se centra en la relación madre-hija-hija. María queda embarazada, está sola y su madre se ve obligada a irse a la ciudad porque su esposo está gravemente enfermo. Ambas comparten una soledad que va más allá de la compañía masculina, si no que una soledad que las recorre desde que puntos diferentes se incomprendieron mutuamente. Es el momento de saldar deudas, de unirse, de llorar y apoyarse. “Solas” es un relato lineal y emocional que hace querer comprender el intrincado mundo de las mujeres y de las madres. EXCELENTE.
Hay muchas más sin duda, pero lo importante es saber que MADRE en el cine es siempre única…. BESOS A TODAS LAS MADRES DEL MUNDO… pero en especial a la mía.
• Ya quedaron atrás las historias típicas ahora las teleseries se atreven a todo (y literalmente lo hacen) y no le hacen el quite a ningún tema. Un género casi representativo de Sudamérica y que no está lejos de la polémica.
• “En el nombre del amor” se llama una producción que ha sufrido cortes en su exhibición en Chile, a través de las pantallas de Mega, por una cuestión tan simple: la debilidad del ser humano.
Las teleseries han evolucionado enormemente y se han convertido en un género que si bien es considerado por algunos como una oleada de mal gustos y clichés, también es cierto que nadie puede decir que es un género estático. Atrás quedaron las tramas que hicieron famosas a estas producciones como los hijos/as perdidos/as, la heroína ciega, el joven bueno que es engañado, embarazos inexistentes, etc. Si bien muchos temas se mantienen, han variado a otras problemáticas que incluyen literalmente casi de todo, desde incesto, homosexualidad, lesbianismo, tráfico de órganos hasta abusos sexuales y mucho más. Ahora después de almuerzo o en cualquier horario, la teleseries pueden esconder más de una sorpresa. Además, tampoco hay que negar que su evolución no sólo está en su trama, si no también en la calidad de sus imágenes (TVN por ejemplo se jacta de transmitir en Alta definición, con lo que pretende compensar la trama un tanto floja de su teleserie los exitosos Pells). Hay teleseries que se olvidaron de la cámara estática, de los diálogos en plano medio o acartonados y apuestan por más, sin dejar de lado o traicionar el género. Hay secuencias hermosas por su carga y por su osadía (basta recordar Pampa Ilusión de TVN que tiene una de las secuencias mejor filmadas en el género en Chile, aquella donde Mister Clark (Héctor Noguera), es sacado de su casa sin moverlo de la cama). Hoy en día la teleseries provienen de varios países, aunque en Chile siguen predominando las Mexicanas, Venezolanas, Brasileñas y las híbridos (teleseries hechas en Estados Unidos con reparto multinacional) y son sin duda un referente porque si se suma su sintonía uno podría dimensionar lo que significan como industria y como impacto social, de ahí que su evolución sea innegable, aunque en Chile esta evolución se ha dado casi exclusivamente en las llamadas Teleseries Nocturnas de TVN y en las pocas que ha hecho Chilevisión, porque a mi gusto, las teleseries de las 20 horas sufren una crisis creativa impresionante. Podemos encontrar en las pantallas de Chile Teleseries como “Doña Bárbara”, basada en la novela clásica de Romulo Gallegos y que tiene escenas que impresionan por la violencia y por su sensualidad y que Chilevisión transmite sin problemas a las 14.30 horas. La teleserie partió excelente pero ha tenido un flojo avance, a pesar de eso es destacable que se atrevan a tocas temas como las dictaduras latinas, una violación múltiple, el abuso de poder y la promiscuidad. Lo mismo ocurre con “El Rostro de Analía” que trasmite también Chilevisión y en donde hay desde guaguas pérdidas, hasta una heroína que perdió la memoria, pero ojo, que esta teleserie debe ser una de las más innovadoras de su género y la razón es simple, la forma en que está grabada y la forma en como tratan su trama. El tratamiento es primordial porque acá se olvidaron de las cámaras espías y utilizan travellings, movimientos de cámaras fuertes, picados, contrapicados y muchas otras variantes del lenguaje audiovisual que anteriormente eran poco utilizados por el género. Además, su trama es muy compleja (incluye un cambio de rostro) y también roza algunos temas interesantes como la diferencia social en Estados Unidos, el estigma de los latinos, el exitismo y como broche de oro, está la prostitución, además de un personaje lésbico que se aleja un tanto del estereotipo. Como todo tiene sus reparos en algunos elementos estereotipados (como la mala y la buena), pero es quizás un ejemplo de cómo la Teleserie de ayer no es ni parecida a la de hoy. En Chile nos quedamos pegados en cuanto a las teleseries de las 20 horas y es que TVN parece atravesar una crisis creativa en ese horario y atrás quedaron verdaderas Obras Maestras de género como la ya nombrada “Pampa Ilusión” o la extraña “Destinos Cruzados”. Lo mismo en el canal 13 (o TVUC) que a pesar de sus restricciones editoriales (que a veces ni se notan para ser sinceros) realizó un híbrido con historias que uno puede jugar a identificar de donde la sacaron o de que película es (por ej. Juno o Quedate a mi Lado (“Stepmon”, por nombrar algunas). Habrá que esperar a ver que sucede con la producción de Chilevisión, que en los años anteriores logró refrescar el género de las 20 horas con “Mala Conducta” y “Vivir con 10”. Lo raro de esto es que a las 22 horas, las teleseries de TVN parecen ser de otro mundo. No parece que fuera el mismo canal y uno puede entender que hay más libertad para tocar ciertos temas (los Pells se atreve con la homosexualidad, aunque hay que decir que con personajes que son caricatura y que a veces dan vergüenza ajena, aún así parece una teleserie infantil) o de tener más posibilidades de jugar con el lenguaje, pero son tan diferentes. Basta recordar hitos como “Alguien te mira”, una verdadera Joya en su género no sólo por su trama totalmente diferente si no también por su tratamiento. Las Teleseries tienen de todo y nadie lo puede negar o basta preguntarle a MEGAVISION y su censurada teleserie de las 14 horas. “En nombre del amor”, donde un cura tiene que decidirse por el amor de tres hermanas. Bueno aunque en Chile no se entiende nada de nada, porque sacaron todas las escenas que pueden “ofender” a la iglesia. ¿No habría sido más honesto NO transmitir la Teleserie? Me imagino que pensarán los sacerdotes del cura karateca de “El Rostro de Analia”, menos mal que esa teleserie no la transmite MEGA, porque ahí si que dan 5 minutos por capítulo (desde las balaceras, los intentos de violación, los desnudos, la prostitución, el consumo de drogas, el lesbianismo y el cura karateca)… en fin es una demostración que las teleseries de hoy en día han evolucionado hacia varios temas y también lo han hecho en su estética y lo que es mejor en su lenguaje audiovisual. Hoy ya no es vergüenza ver teleseries, hasta en cierta medida es un buen acercamiento a un género considerado menor, pero que por hoy es uno de los reyes de los canales de TV.
* Si buscan una lista de películas tradicionales esta no es su lista. Aca les regalo una selección de cintas que en algún lado tocan el tema de la Fe, la religión o Dios desde varios prismas...
La Fe mueve montañas y también rollos de cine. Desde el nacimiento del cine, la religión y la fe han sido importante de la creación de películas lo mismo que la vida de cristo, santos y hasta el mismo demonio ha desfilado en innumerables películas. Acá una lista con algunas contemporáneas, algunas con una vuelta de tuerca al tema y otras que han movido el piso de los más dogmáticos... lo cierto es que la Fe y Dios, siempre han estado presente en el cine.
Aca esta la lista:
“Azul, Blue” (1993)
La redención, el perdón y el amor en una historia profundamente cristiana sobre la capacidad de perdonar. Julienne Binoche interpreta a una mujer que pierde a su esposo durante un accidente y descubre que él la había engañado por años con otra mujer. Una escena hermosa y trascendental es cuando varios personajes reencuentran su redención al son de las prominencias del amor (I Cor. Capítulo 13) el pasaje más real de la Biblia y el más hermoso. Esta es la primera parte de la serie “Tres colores” de Krystof Kiewlowsky el director polaco más importante de la década de los 90 y que con esta cinta logró la perfección narrativa y emocional. Imperdible e ideal para quienes tienen rollos con el perdón. 14 años (aunque véanla con sus hijos, es un poco lenta pero hermosa). EXCELENTE.
“El Exorcista” (1973)
Más de alguno puede pensar que es una locura ver esta película en Semana Santa o una herejía. Bueno puede ser lo uno y lo otro, pero lo cierto es que “El Exorcista” es una pieza fundamental del cine religioso, aunque en este caso en clave de horror. Una niña comienza a sufrir graves trastornos cuando asegura estar poseída por el mismísimo demonio. Dos curas son encargados de realizarle un exorcismo. Una practica antigua y no aprobada por la iglesia católica. Es sin duda un clásico del terror y para muchos la película más aterradora de todos los tiempos, pero que se nutre de la religión y de la fe para crear toda su atmósfera delirante e inquietante. No hay mal sin bien, ni viceversa y no hay bien que no derrote al Mal. Acá la inocencia es corrompida por el demonio a través de un juego, donde la base está en el quiebre de la fe perdida y lo vulnerable de aquellas personas que no la poseen. Al menos eso ocurre en la cinta y después es la misma Fe la que permite redimir a la inocente y recuperarla del mal. ¿No es eso lo que todas las religiones plantean? Y más aún acá se logra utilizando pasajes de la Biblia. Hay que verla con criterio y acompañados, porque aún después de años logra atemorizar en cualquiera de sus versiones (recuerden que el 2000 salió una versión con escenas nuevas). Como cine es un logro de William Friedklin y además creó toda una escuela en cuanto a cine de terror se trata. Indispensable para los amantes del horror y recomendable para los que buscan religión en las películas. 14 años (un par de escenas violentas y lenguaje alusivo a la sexualidad). TRIUNFAL y EXCELENTE.
“La Pasion de Cristo” (2004)
Quizás una típica de Semana Santa y que en 20 años será como “Jesús de Nazareth” (que no es mala, al contrario), es decir programación obligada. Bueno lo cierto es que esta película tiene un valor especial por varias cosas. Es cruda como ella sola. No deja pie a la nada y se ensaña con un cristo que a veces los vemos demasiado humano en su sufrimiento. No hay divinidad en su arrastre y en sus pellejos esparcidos cuando es azotado. Además no tiene pelos en la lengua
para fraguar una postura antisemita (Mel Gibson, el director, culpa a los judíos de la muerte de cristo, que en el fondo es como culpar a los Alemanes del Holocausto. Es decir utiliza la culpa y el castigo como redención, algo no muy cristiano ¿o me equivoco?). Las 12 horas finales de Cristo están relatadas con misticismo, poesía y dolor (su más grande valor) y con secuencias surrealistas muy bien logradas (sueños oníricos con el demonio, con la flagelación y con su madre). Similar a “C
orazón Valiente”, pero más honesta, menos gritona y menos sobreactuada. Ideal como relato “histórico” y para realzar la figura central del cristianismo. Como cine es un relato interesante, que se acerca al horror, dramay al cine épico religioso. MUY BUENA. 14 años (violencia extrema)
“La última tentación de Cristo” (1988)
La película maldita. ¿Por qué no? Bueno es ideal para Semana Santa por dos razones. La primera es porque toma la figura central del cristianismo y recrea situaciones que no están escritas, pero que se interpretan a la reacción de un Cristo humano, alejado de lo divino, sublevado por la carne, la tentación y el sexo. Pero que en el fondo, renuncia a todo lo humano que se le presenta para retomar su papel de redentor de la humanidad. Lo segundo está en la tolerancia, hay que recordar que estuvo prohibida “gracias” a los católicos más conservadores y a unos tipos que se creen la Liga de la Justicia de los valores (pobrecitos, me dan pena). Esta cinta demuestra cómo el cristianismo reacciona frente a una “recreación” a una interpretación o invención de hechos que nacen de la mente de un escritor y adaptadas por un director de cine. Dem
uestra que el cristianismo tiene su talón de Aquiles en la tolerancia. Acá Cristo sufre constantes pesadillas, alucinaciones y sueños en los que se ve tentado por el deseo sexual. Hay escenas que pueden incomodar a los cristianos más puritanos, como la orgía interracial que presencia Jesús y que despierta su carnalidad frente a Maria Magdalena. Aún así, hay que decir que esta película es profundamente dogmática en sus resoluciones más básicas y tremendamente cristiana frente a la figura de un cristo (que ellos mismos aclaran es ficticio) versus el cristo intachable que se presenta en la escrituras. Como cine es intensa, valórica y un ejercicio visual potente como todo lo de Martin Scorserse. Injustamente perseguida es una bofetada a aquellos cristianos acérrimos e intolerantes. 18 años (algunos desnudos, una escena de sexo, nada grave la pueden ver mayores de 14 junto a sus padres). MUYBUENA.
“El ocaso de un amor” (1999)
Dirigida por Neil Jordan ("El Juego de las lágrimas"). La cinta narra el romance prohibido entre una mujer casada y un escritor durante la segunda Guerra M
undial. Ralph Fiennes (quien venía de ser un héroe romántico en "El paciente Inglés") y Julianne Moore (nominada al Oscar, por esta excelente actuación), son los amantes que juegan, entre bombas, a tener un amor que esta lejos de la moral y que se acerca a una pasión desbordada que se impone por sobre la amistad y la fe. Pero este amor tan intenso sufre un final y el escritor se niega a dejar pasar a quien era el amor de su vida y trata por todos los medios de averiguar porque ella lo dejó. Un secreto que sorprende y que hace comprender que el amor está más allá de la razón. Un secreto que además demuestra una profunda religiosidad (no quiero revelar el secreto para no perder la magia) y que hace plantear el poder de la FE y los “intrincados caminos de DIOS para hacerse conocer”.
En una de las escenas ella le dice: "El Amor no se termina solo porque no te vea" (una frase que secundó en mi MSN por muchos años), y le replica que hay gente que ama a Dios, a pesar de que nunca lo ha visto... ¿El amor puede sobrevivir más allá de estar con alguien?... Hay gente que ama por años a quien dejan de ver y que usa la FE para amar... Eso plantea esta película junto con un juego sobre la fe y los milagros. Neil Jordan (director de "El Juego de las lágrimas") nos estre
mece con una fotografía deslumbrante, con una música potente y un guión hermoso. Una película intensa que emociona y que sirve para comprender que el cine es una turbina de emociones que no necesita de efecticismo para cumplir su efecto. Es una película muy romántica, pero profundamente religiosa y que usa a DIOS de una forma diferente y que conviene analizar (mayores de 18 años por un par de moderadas escenas sexuales, Aunque mayores de 14 la pueden ver sin problemas). EXCELENTE.
“Sacerdote, un hombre de fe” (Priest)
Esta película de Antonia Bird es un fiel reflejo de la intolerancia de la iglesia y de cómo se aboga el poder absoluto del perdón, la fe y como se apropia de Dios. La historia se centra en un joven sacerdote que tiene una doble vida donde recorre lugares en busca de romances homosexuales. Todo bien mientras el asunto no se hiciera público, pero un encuentro en una plaza hace que quede detenido y provoca que toda la comunidad lo relegue. La iglesia lo traslada y lo oculta.
Mientras su mentor y compañero de parroquia inicia una lucha para que el joven cura regrese y haga valer su derecho al perdón, todo en medio del cuestionamiento del celibato y de cómo la institución se apropia de DIOS a través de dogmas que castran, condenan y llegan incluso a anular. Una película que puede herir sensibilidades, pero que demuestra que el verdadero valor del cristianismo también se refleja en la capacidad de perdonar y de amar sin condiciones. (18 años, aunque puede ser vista por mayores de 14 años, ya que tiene sólo referencias sexuales). MUY BUENA.
“El Crimen del Padre Amaro” (2002)
Dirigida por Carlos Carrera y protagonizada por Gael García Bernal. Esta cinta se centra en la vida de un sacerdote que mantiene un romance con un cándida joven, la que queda embarazada pero el sacerdote para evitar el escándalo la obliga a abortar. Suena terrible y lo es, ya que la película sin tapujos desnuda una realidad de la iglesia sobre el celibato y de cómo se usa a Dios como un elemento castrador y castigador. Aunque acá el malo es el Padre Amaro, que se nutre de los vicios de una institución corrupta y que es capaz de taparse los ojos con tal de mantener el estatus (al menos eso muestra la cinta). Acá la fe queda en segundo plano y DIOS relegado a las iglesias. Hay escenas muy polémicas como cuando el cura utiliza la túnica de la virgen de Guadalupe para hacerle el amor a la joven. Su valor sólo está en l polémica y en como la fe en algunas personas es solo un concepto, sin importar si son sacerdotes o no. (Mayores de 14 años, niños/as con reserva por un par de desnudos y una escena de sexo). REGULAR.
“En el nombre de Dios” (2002)
De Meter Mullan. Otra vez
la moral y DIOS es instrumentalizado para expresar intolerancia y castigo y lo peor es que está película esta basada en hechos de la vida real. Un grupo de muchachas era enviada a rigurosos conventos por sus propias famil
ias debido a que “pecaban”. Algunas habían sido madres solteras, otra sufrieron violaciones lo que supone la pérdida de la inocencia y otras simplemente demostraban demasiado coquetería. En el convento sufrían una serie de vejaciones y malos tratos en “nombre de DIOS” y como una forma extraña de purgar sus pecados. Ideal para
entender que la fe, el castigo y perdón no son virtudes de algunas instituciones que se dicen “templos de DIOS”. Dura, pero necesaria cinta para esta semana santa. (Mayores de 14 años, por desnudos y una escena sexual que involucra a un sacerdote y a una joven con discapacidad mental. Niños/as con reserva). MUY BUENA.
“Jesús de Montreal” (1989)
Denys Arcand dirige una cinta que causó polémica, pero que a la vez se transformó en un referente sobre la fe. Cuando en la Basílica de Montreal se dan cuenta que la obra de teatro de “la Pasión de Cristo” necesita actualizar su guión, contratan a un joven actor para realizar una nueva versión de la obra, quien decide además interpretar a Jesús en la misma. A medida que empieza a crear la nueva obra se empieza a generar un paralelismo entre el actor y la vida de Jesús, alrededor del cual suceden ciertos hechos, y desde donde los cuales se hace una crítica a la sociedad urbana, a los valores de la misma, el sexismo, la fama, los medios, el legado espiritual de Cristo, la iglesia, los falsos ídolos y sobre todo de la banalizaciónde FE en la sociedad moderna. Más allá de algunas polémicas, Jesús de Montreal es profundamente reflexiva y con momentos que invitan a reflexionar. (18 años, pero ahora puede ser vista por niños/as en compañía de sus padres por dos desnudos). BUENA
Contra viento y marea o Rompiendo las Olas (1996)
Von traer dirigió una película dura, terrible y áspera que se convirtió en un verdadero canto al amor y la Fe en DIOS. Emily Watson además entrega una actuación memorable y demoledora. Es también una cinta femenina, pero ruda de esas que nos dejan con la sensación de haber sido testigos de algo horrible de lo que no podemos hablar. La historia se centra en una mujer profundamente religiosa que mantiene conversaciones con DIOS y que se casa con un obrero de las petroleras. Su vida relentizada y anulada se ve sostenida por la FE, hasta que una tragedia pone a prueba su amor y su vida, su marido se pierde y Dios se lo devuelve, pero paralítico. Si pensaron que era todo ¡No!, una vez más su fe y amor se pone a prueba cuando su esposo le exige que se acueste con otros hombres para el poder mirar y explorar la sexualidad. Ella siente eso como la entrega mayor, como un regalo a DIOS de fe y sacrificio por su esposo y accede esperando que Él cure a su marido. Esta demás decir que esta película es una oda a la entrega absoluta, pero donde la Fe es primordial, lo mismo que la religión expresada en las conversaciones con DIOS y en que ella mantiene su candidez a pesar de los encuentros sexuales con extraños. Ojo con el final que es de antología. Ideal para pacientes y dogmáticos, pero también para transgresores. Una advertencia, es una película que se da su tiempo y que puede resultar cansadora, pero que es arte puro (18 años. Tiene escenas sexuales que resultan fuertes por la forma en que son presentadas. Mayores de 14 podrían verla con criterio y reserva de sus padres). EXCELENTE.
A esta lista se pueden agregar:
* Jesús de Nazareth (1978). La clásica que la dan una y otra vez por TV. Ideal para dogmáticos, aunque es una buena realización. (T/E). INTERESANTE.
* El Bebé de Rosemary (1968). Terror para semana santa con claras referencias al cristianismo y a la Biblia. MUY BUENA.
* Jesucristo Superestrella. Clásica. Irreverente en su momento, hoy dogmática. (14 años, aunque niños/as la pueden ver sin drama)
* El código Da Vinci (2006). Sólo entretención con atisbos de religión mezclado con ficción. Polémica barata. 14. REGULAR (solo entretención sin valor)
* Ben Hur (1959) Clásico entretenido. Ideal para dogmáticos. (T/E)
*El Nacimiento.(2006) Jesús viene al mundo y el mundo encuentra un salvador. Para dogmáticos. Buena producción, pero algo plana. (T/E)
* El evangelio según san Mateo (Piero Paolo Passolini). Una de las mejores adaptaciones de la vida de cristo. Dogmática total. (T/E)
* Marcelino pan y vino, en cualquiera de sus versiones sigue siendo “linda”. (T/E)
* Decálogo de Kiewslosky (bueno hay solo dos que se buscan por separado, son difíciles de encontrar pero no imposible. Se trata de “No amarás”, sobre el adulterio y “No matarás”, ambas son excepcionales.
• La gran ganadora del Oscar es una cinta que apela a la amor fraternal y romántico para sustentar una historia que desnuda las miserias de la India actual y que sirve como un efectivo ejercicio cinematográfico bien engranado.
Jamal Malik es un joven pobre y analfabeto de los suburbios de Dharavi, en Mumbay (ex Bombay), que participa en un concurso televisivo de preguntas y respuestas (del conocido formato televisivo ¿Quién quiere ser millonario?, el mismo que acá animó un tiempo Don Francisco). El joven contra todo pronóstico llega a la final lo que desata las sospechas de fraude y es detenido, después de ser torturado, Jamal explica cómo todas y cada una de las preguntas hechas están relacionadas con algo sucedido en su vida, alternándose escenas del concurso con las historias que le hacen recordar la respuesta, entre ellas su dfícil infancia, la relación su hermano mayor y en especial con Latika, el gran amor de su vida y la gran motivación para ingresar al concurso. La película está dirigida por el británico Danny Boyle (“Trainspotting”, “Exterminio”, etc) y está basada en una aclamada novela India de Vikas Swarup. Slumdog Millionaire (perro callejero millonario) es un ejercicio cinematográfico que tiene prestadas varias ideas o referencias y que se nutre de elementos de probada efectividad (como por ejemplo el montaje alternado de presente-pasado, el trabajo de niños, además de otros elementos técnicos), pero que sin duda dan un aire fresco básicamente gracias a la excelente dirección de Danny Boyle, que a pesar de manejar las similitudes y de saber sus referencias, logra matizar y denostar cualquier aire de copia. Es verdad que hay escenas que recuerdan a “Cuenta Conmigo” y otras que traen a la menoria a una de sus películas anteriores, “Dinero” para ser específico. Aún así esta especie de Drama Social-Romántico es un relato engranado con hilos de riesgo, pero que logra salir airosa y más aún logra transformarse en un referente visual y narrativo. Más allá de su historia, donde la marginalidad es la dominante y donde India se muestra como alguna vez la vimos en “Salaam Bombay”, lejos del misticismos y más cerca de crudeza (en cierto sentido está emparentada con la brasileña “Ciudad de Dios”, aunque menos violenta y más social). “Slumdog Millionaire” es una cinta lograda de un relato hermoso y enternecedor, que esconde una postal desagradable de un país no desarrollado y en el que se demuestra que la marginalidad es un elemento que no quita humanidad, al contrario, que resalta ciertos valores, entre los que la solidaridad y el amor van a la cabeza. Como cine es un ejercicio intenso y bien logrado. Como narración es una cinta hermosa, plagada de sentimientos y de crudeza. La mezcla de ambos hace que Slumdog Millionaire resulte una experiencia intensa, inmejorable y entretenida. Hay escenas hermosas, otras cómicas, algunas violentas, pero lo cierto es que en su total es un ejercicio excelente y que hace imaginar a Danny Boyle como artesano del cine capaz de manejarse en todos los géneros, ya lo hizo muy bien con el terror en la excelente “Exterminio”, con el drama juvenil en la excesiva pero buena “Transpoiting”, con la acción en la regular, pero lograda “Sunshine”. Quizás donde no le ha ido bien es en la aventura “La playa” es su única película con poco que aportar. Sin duda “Slumdog Millionaire” es el reflejo de su capacidad para ver el cine como fanático del cine y eso se nota. Boyle hace películas como las que el quisiera ver y eso se agradece. EXCELENTE. (ojo con los créditos finales y ese baile que hace que todo sea más lúdico). “Slumdog Millionaire”. Director: Danny Boyle. Guion: Danny Boyle. Reparto: Dev Patel, Madhur Mittal, Freida Pinto, Anil Kapoor, Irrfan Khan. Todo Espectador (No recomendable menores de 7 años, por alguna violencia y por cierta crudeza social, nada grave). EXCELENTE Trailer en español: http://www.youtube.com/watch?v=QygldUZhhO8 Trailer con subtitulos: http://www.youtube.com/watch?v=rzH4EabxxAc
Chile sorprendió con el caso de un padre gay que recibió la tuición de sus dos hijos, una niña de 10 años y un joven de 17, a pesar de vivir con su pareja
No puedo dejar de volver a opinar sobre temas que me sorprenden y este es uno de ellos. La justicia en un fallo histórico entregó la tuición de una niña de 10 años y de un joven de 17 a su padre, que reconoció su homosexualidad y más aún su convivencia con otro hombre. En una instancia única, el tribunal determinó que los hijos estarían mejor con el padre que con la madre, luego que ésta no concurriera a un procedimiento.
Este caso recuerda lo sucedido con la Jueza Karen Atala, quien sufrió todo lo contrario, ya que un tribunal determinó que su condición de lesbiana era impedimento para que fuera buena madre, como si la maternidad se llevara en los genitales.
Es un avance importante el dado por el Juzgado de Familia de Puente Alto y vengan mis felicitaciones a ese juez que tomó una decisión que sin duda sabía traería polémica y debate.
Y está más que claro que creo que las parejas homosexuales tienen tanta o más capacidad de criar a sus hijos/as (o hijos/as adoptados/as) que cualquiera pareja heterosexual. Sé que muchos/as de mis amigos/as piensan lo contrario, pero creo que más daño le hace a un niño/a la sociedad discriminadora que tener un padre o una madre gay. Acá el estigmatizante es el vecino/a intolerante, es el profesor/a ignorante, es la apoderada o apoderado imbécil, que traspasa sus propias trancas a sus hijos/as. Acá el que daña el desarrollo sicosocial de los niños/as es quien tiene en la cabeza el uso de los genitales y que le importa más la actividad sexual de los padres en la cama o la privacidad que lo que realmente debe importar y que son los valores y el cuidado, la protección, el abrigo y el amor.
Karen Atala demostró que adoraba a sus niñitas y que su condición de lesbiana era un detalle privado que nada tenía que ver con el nivel de cuidado que le daría a sus hijas. Ojalá comprendamos que el ser humano es amplio y de una vez por todas terminemos con la ignorancia. Hay estudios y re estudios que determinan que el daño o potencial daño a un niño/a que vive con una pareja homosexual, lo da el entorno en si, es decir la sociedad. Mejor dicho TU, TU y TÚ, que valoras a las personas por lo que hacen con sus genitales y no por el amor que le pueden entregar a sus hijos/as. Rabia me da pensar que sigue habiendo gente así en este mundo y más rabia me da pensar que mucha de esa gente es mi amiga y le tengo cariño… pero para que vean… Yo al menos soy tolerante.
Si hay algo que mueve masas y a las personas, es el amor. Y el cine no ha estado exento de ello, desde los grande clásicos como "Lo que el viento se llevó" o "Casablanca", hasta cintas más modernas, el amor no está ausente. Acá una listas con algunas de mis películas de amor preferidas. Algunas ideales para pasar la velada abrazados y con hartos pañuelos en la mano. Hey, chicos, arrienden algunas de estas películas y de seguro quedarán como reyes del romanticismo. Ahi van.
1º.- "Los Puente de Madison" (1995)
Protagonizada por Meryl Streep (una heroína romántica que demostró que esta actriz es un verdadero prodigio) y Clint Eastwood, quien además dirigió la película por allá por 1995 y que se transformó en un clásico romántico instantáneo, que fue reconocido más en el mundo que en su país de origen (sólo fue nominada al Oscar Mejor Actriz, pero ganó una serie de premios internacionales entre los que se cuenta la nominación al César francés como mejor Película extranjera, lo mismo que en japón y otros países).
La Historia es simple, un fotógrafo de la National Goegraphic va al condado de Madison a retratar los puentes techados. Allí conoce a Francesa, una italiana que lleva años viviendo en el lugar y que se quedó sola luego de que su familia fuera a una feria de rodeo. Entre ellos nace un amor intenso, maduro y sutilmente erótico, donde sus sentidos se exaltan más allá de la pasión. Son sólo cuatro días, pero que para ellos es toda una vida... Y es que el amor que nace entre ambos es tan intenso y doloroso que los hace replantearse toda su vida. ¿Es legítimo dejar todo por amor?. En la sola escena de la camioneta hay más amor que en una tonelada de las comedias románticas dulzonas que andan circulando. Esa secuencia tiene más sensibilidad que todos los gritos sobreactuados de Mel Gibson en "Corazón Valiente", que fue la que ganó el oscar ese año. "Los Puentes de Madison" es un triunfo por donde se miré, basta ver la escena de la camioneta que es cine en su máxima expresión, casi sin dialogos, pero que demuestran la escencia del séptimo arte y que nos hace entender porqué el cine es considerado una expresión artistica, que impulsa a los sentidos y que logra emocionar. Eatwood con esta película se transformó en un referente y para mi "Los Puentes de Madison" es sinónimo de cómo hacer una película romántica. Imperdible para quienes aún tienen un poco de sangre en el corazón. Es mi película de amor favorita. (Todo espectador, mayores 7 años)http://www.starpulse.com/Movies/Bridges_of_Madison_County,_The/Trailers/
2º "El Ocaso de un amor" (The End of the affair) (1999)
Dirigida por Neil Jordan ("El Juego de las lágrimas"). La cinta narra el romance prohibido entre una mujer casada y un escritor durante la segunda Guerra Mundial. Ralph Fiennes (quien venía de ser un héroe romántico en "El paciente Inglés") y Julianne Moore (nominada al Oscar, por esta excelente actuación), son los amantes que juegan, entre bombas, a tener un amor que esta lejos de la moral y que se acerca a una pasión desbordada que se impone por sobre la amistad y la fe. Pero este amor tan intenso sufre un final y el escritor se niega a dejar pasar a quien era el amor de su vida y trata por todos los medios de averiguar porque ella lo dejó. Un secreto que sorprende y que hace comprender que el amor está más allá de la razón. En una de las escenas ella le dice: "El Amor no se termina solo porque no te vea" (una frase que secundó en mi MSN por muchos años), y le replica que hay gente que ama a Dios, a pesar de que nunca lo ha visto... ¿El amor puede sobrevivir más allá de estar con alguien?... Hay gente que ama por años a quien dejan de ver... Eso plantea esta película junto con un juego sobre la fe y los milagros. Neil Jordan (director de "El Juego de las lágrimas") nos estremece con una fotografía deslumbrante, con una música potente y un guión hermoso. Una película intensa que emociona y que sirve para comprender que el cine es una turbina de emociones que no necesita de efecticismo para cumplir su efecto. Es otra de mis películas favoritas románticas imperdibles. (mayores de 18 años. Aunque mayores de 14 la pueden ver sin problemas)
Así se conocío en Chile a la película Beatiful Thing (Una cosa hermosa), de Hattie Macdonald y que data de 1996. En ella se cuenta el naciente romance de dos vecinos de Londres. Jaime es retraído y Ste sufre de violencia intrafamiliar. Una noche tras una golpiza, la madre de Jaime le ofrece quedarse en la casa, el problema es que deben compartir la cama. Los jóvenes de 17 años conocen de esa forma una variante de la sexualidad e inician un tierno romance. Es una película esperanzadora, hermosa, que hace creer en la simpleza de los sentimientos y que deja de lado los genitales para centrarse en el corazón de los protagonistas. Un canto al amor sin importar la condición sexual. Dos hombres se pueden amar... más que una película gay, "Dulce Amistad" es una película de amor. SI no la han visto... tienen que hacerlo para comprender que AMAR es aún posible... sin convencionalismos y como muchos profesan "el amor todo lo puede". (mayores de 14 años, aunque en rigor debió ser Todo Espectador)
Del 2004 y de Michael Gondry, el guión pertenece a Charlie Kauffmann. Es una historia compleja, una comedia romántica filosófica. Una clínica se dedica a borrar los recuerdos de las personas y en especial el recuerdo de aquellas personas que no queremos seguir extrañando. Jim Carrey (al fin una película decente, sí lo se, muchos lo odian, pero por favor denle la oportunidad en esta película) descubre que su ex novia (Kate Winslet, siempre tan adorable) ha decidido eliminarlo de sus recuerdos y el tambíen quiere hacer lo mismo, pero en medio del proceso se arrepiente y ambos tratan de rescartar lo mejor de la relación, pero todo en la mente del protagonista. Se niegan a eliminar ese pasado, a dejar atrás los recuerdos y por sobre todo se niegan a eliminar esa parte de vida.
Una película que puede resultar un tanto compleja, pero que esconde todo un tratado filosófico sobre el amor, el dolor, el olvido y los recuerdos. Se podrá borrar la memoria, pero los sentimientos se abren paso en medio de una mente en blanco, siempre se llega a quien se ama. Plagada de un virtuosismo visual que a muchos sedujo, esta cinta es un canto al amor para siempre, ese amor que supera todo, incluso el desamor, el olvido, el dolor, la muerte y la separación. Hay ocasiones en que simplemente se ama para siempre. Personajes como el de Kirsten Dunst así lo demuestran. En suma una película que no es para todos, pero que entrega un romanticismo intenso, pero inteligente, donde más que extrañar, demuestra que olvidar es imposible en toda su extensión. (Todo Espectador, mayores de 7 años)
De Julio Medem y que cuenta la historia y tragedia de amor de dos seres unidos por sus nombres palindromos (palabras que se leen al revés o al derecho). Otto y Ana se conocen cuando niños y de ahí surge una atracción que camina lento por el tiempo y que se refuerza cuando se convierten en hermanastros. Son 25 años de un amor imposible, con ciclos, con aventuras, con intensidad, pero que marca a sus protagonistas por siempre. Otto nunca deja de amar a Ana aunque ella este con otra persona, aunque no la vea hace años, ella esta guardada en lo más profundo de su corazón, lista para renacer y emprender de nuevo ese camino que dejaron truncado por un parentesis obligado. Ana siempre recuerda a Otto, aunque a veces piense que ya lo olvidó y que se siente tranquila con otro hombre, él está ahí escondido en un espacio de su corazón. Es que cuando el amor es tan grande, nunca se apaga por completo. Son ciclos, tiempo atrás, adelante, tiempo y solo tiempo. Tiempo y casualidades, encuentros desafortunados, miradas equivocadas.... espacios comunes. La película está narrada desde ambos puntos de vista y gracias a su excelente montaje nos hace sentir y reconocer como ambos sienten (también gracias a sus largos monólogos en off) y sus colores depresivos nos insertan en la dinámica de un amor que por inconcluso no es feliz. El circulo polar es más que ese lugar donde el SOL no se esconde una vez al año, es el lugar que nos recuerda que todo gira. Lo hace el sol, la tierra y también nuestras vidas.... (Mayores de 14 años)
De Anthony Mighella (que falleció el año pasado). Un hombre desfigurado, en plena Segunda Guerra Mundial, está al borde de la muerte. Está al cuidado de una enfermera inglesa que no sabe nada sobre su pasado, el que se va reconstruyendo gracias a sonidos y situaciones. Es así como recuerda que amaba a una mujer casada, con la que tiene un intenso romance sumido en medio de la tensión previa al conflicto armado. Viajan al desierto de Sahara y en medio de ese paisaje inhóspito su amor llega a la tragedia. Y desde ese momento él sobrevive de memorias, pero que siente cada vez que la deformidad de su cara no es más que el reflejo de su corazón deformado por el dolor. Es la comprobación que a veces no es necesario dejar de respirar para sentirse muerto y seco por dentro.
Una película dolorosa, intensa y romántica a morir, pero que es compleja en su construcción y en su narrativa, lo que la hace no recomendable para quienes gustan de las comedias románticas livianas. Es un ejercicio de narrativa y de un guión que funciona como piezas de un engranaje. Juliete Binoche está sublime como la enfermera que sufre por amor y Ralph Fiennes y Kristen Scott Thomas hacen una pareja que sobrepasa y duele. La cinta ganó 9 oscar en 1997, incluyendo Mejor Película. Hermosa fotografía, bellos paisajes y dolorosas secuencias hacen de esta película un templo al amor eterno, que hace que a veces seamos Zombies si no tenemos a la persona que amamos... (mayores de 14 años)
De Nick Cassavetes. Primero que todo hay que advertir que esta cinta es un templo a los clishes y los lugares comunes, pero con la clara intención de evocar una epopeya romántica y vaya que lo logra. La película cuenta la historias de Noah, un joven obrero humilde que se enamora perdidamente de Alli, una muchacha de alta sociedad (primer clishe). Obviamente la familia de la joven se opone a tan desigual romance, pero la fuerza de ese amor sobrepasa todas las barreras, el dolor, las maldades y las distancias.
Sí suena clishe y lo es, pero es una gozada en todo sentido, es casi una novela rosa llevada al cine y sin dejar de lado ninguno de sus convencionalismos y es que el director sabe que esta frente a eso y goza instalando colores rojos, atardeceres pasteles y sufridas escenas de separación y llanto y junto con eso nos hace sufrir a nosotros como espectadores. En suma es una película hermosisíma, que hay que ver sabiendo que veremos un carnaval de lugares comunes (cartas perdidas, madres malvadas, amantes intensos), pero que en si no es más que una montaña rusa de emociones varias. Es una muestra más de como el amor nos vuelve seres comunes, caricaturas, signos parecidos... y cliches... confesarlo no tiene nada de malo. Acá el amor sobrepasa las barreras del tiempo, la separación, porque podemos volver a sentir cosas por otras personas, pero ese AMOR VERDADERO, durará por siempre... y en algún momento volverá... el amor VERDADERO no se separa... al menos así nos hace creer esta película. (Todo Espectador)
Trailer en español (tienen que tener el Real Player)
De Ang Lee. Ennis del Mar (Heath Ledger), un granjero rudo, pobre y huérfano, es contratado para cuidar a un rebaño de ovejas junto a Jack Twist (Jake Gyllenhaal), un campeón de montura en torneos de ganado. Ambos deben subir hasta la montaña Brokeback y custodiar a los animales. En medio de la soledad, las malas comidas y las inclemencias del tiempo surge un sentimiento que de a poco avanza más allá de la amistad, para transformarse en un fortuito, rápido y olvidable encuentro sexual. Un encuentro que cuatro años mas tarde se transforma en un amor imposible, intenso, desgarrador.
En suma, “Secreto en la Montaña” (“Brokeback Mountain”) es un triunfo por donde se le mire, desde su guión hasta su hermosa fotografía, pasando por la desgarradora Banda Sonora. Una cinta que quedara por mucho tiempo instalada en la memoria colectiva, tanto por la polémica del tema gay como por su valor cinematografico. Cuenta con excelentes actuaciones de todo el elenco. Heath Ledger y su Ennis del Mar es quizás el icono romántico del último tiempo, logrando crear un personaje que traspasa, hiere y clava en el corazón. Silencioso y tímido, el actor australiano simplemente juega con su mirada, con su voz y su acento, para entregar una actuación memorable. Lo mismo que Jake Gallynhaal y su Jack Twist, una especie de héroe romántico que esta dispuesto a pasar por sobre todos por amor.
Dolorosa, seca, esta película es un llamado de atención a quienes no se arriesgan por amor, sin importar la razón, el género o la pasión. (mayores de 14 años)
De Joe Wright y con Kiera Knigtley. Hay varias de estas cintas que son románticas y que pueden parecer iguales, pero esta sobresale por dos razones. Su ambientación y por una dirección sólida basado en el guión que busca el perdón y la expiación, a través de la concreción de un amor truncado por un error. Hay momentos simplemente hermosos (la separación y la confesión de amor) y otros que demuestran una eficiencia cinematográfica única (la secuencia de la llegaba a un campo de batalla). Todo se suma a una sensibilidad casi clishe, pero que es capaz de traspasar y dejar una huella. En quizás una cinta hermanada con "El Paciente Inglés" (ambas tuvieron muchas nominaciones al OScar), pero que además ofrece un complemento a la simple anécdota de amor. Hermosa y a ratos dura, pero imperdible por su belleza y honestidad. Además de su perfección narrativa. Ese año tuvo una dura competencia por el Oscar, pero a mi gusto ésta película es levemente superior a la de los Hermanos Cohen que ese año se llevó el premio a la Mejor película. (mayores de 14 años) http://www.youtube.com/watch?v=L97YUm9ZzaU (trailer)
10.- El Lado Oscuro del Corazón (1992)
De Eliseo Subiela. Esta es cinta es un largo poema hecho narración donde destacan sus momentos oníricos y su notable capacidad para insertar poemas de Benedetti como parte del Guión. Una cinta hermosa donde un hombre busca un amor imposible, una mujer que sepa volar (en el sentido literal) y la encuentra en una prostitua porteña, mientras trata de conquistarla más allá del dinero. Donde también firtea con la muerte, encarnada en una mujer que lo sigue por todos lados y que se transforma en su verdadera amiga. Es un canto al romanticismo, al amor desenfrenado que nubla los sentidos y que deja abierta la puerta a la sensibilidad. Una cinta llena de magia y de sentimientos, puede resultar algo rara, pero es un triunfo como experiencia cinematografica. (Mayores 18 años)
11.- Moulin Rouge! (2001)
De Baz Luhrman. Es un musical, sí. Esta Nicole Kidman, sí. Es un tanto sobrecargada, sí. Pero a pesar de todo eso es una cinta espectacular. Un canto a la diercción de arte, a las coreografías y también al amor como motor de vida. Un escritor llega hasta Moulin Rouge y conoce a Satine, al estrella y se enamora de ella hasta el punto de convencerla de hacer un musical que la aleje de la prostitución. Sus primeros 15 minutos pueden resultar un tanto mareadores y hasta confusos, pero la cinta cuando se centra en los amantes se revela como un golpe de amor, plagado de canciones y diálogos románticos. Es recomendable para los que gozan con los espectaculos y los numeros musicales, pero también para quienes sueñan con los amores improbables. Ojos con las canciones que son adaptaciones de clásicos de los 80, como "Like a virgen", "Roxanne", etc.
12.- Nueces para el amor (2000)
De Alberto Lecchi. Cinta argentina que recorre el amor y desencuentro de una pareja a través de los años de la tribulada Argentina de los 80. La Guerra de las Malvinas, la dictadura, sirven de escenario de fondo para un amor que siempre tiene que tener sus pausas, pero que a través de la figura del tiempo se niega a marchitarse. Una película hermosa, simple y que usa el tiempo como elemento básico, de hecho a medida que pasan los años y que el amor entre ellos no se concreta, la protagonista va perdiendo la razón y nosotros como espectadores vamos perdiendo el color. Es como si todo se volviera gris, para ella y literalmente para nosotros, gracias a una fotografia astuta. En suma, romántica a raudales. (Mayores 14 años)
13.- Una relación particular (1999)
De Frédéric Fonteyne. Una cinta francesa que explora el nacimiento del amor. Una pareja se conoce por intermet (o por los contactos de una revista, dependiendo de la versión de cada uno) y la idea es juntarse cada martes sólo a tener sexo. Pero lo que en principio solo era una "Relación Pornográfica" (título original de la película), se transforma en un romance y un amor contenido y negado a aflorar. Ambos estan atados a las promesas iniciales (no darse nombres, no darse direcciones y no involucrar el corazón), tanto que dejan atrás el sentimiento que nace y que crece a cada instante. Una película romántica, dolorosa y que invita a reflexionar sobre el origen del amor y los caminos que elegimos cada uno para perderlo o ganarlo. (Mayores 14 años)
14.- Cuando Cae la Noche (1995)
De Patricia Rozema. Una profesora de religión conoce a una trapecista e inicia un intenso romance que le lleva a cuestionarse sus creencias y sus convencionalismo. Una cinta que explora el amor lésbico, pero que sirve de ejemplo como a veces la idiosincrasia es una barrera para concretar el amor. Esta cinta tiene su valor en las hermosas escenas sexuales, donde la piel es un elemento único, que se asemeja a un juego donde se exaltan los sentidos pero por sobre todo explota el amor en todas sus variantes. Una películas hermosa, honesta y que demuestra una vez más que el amor es más que convenciones, el amor es un camino diferente. Una senda por la que todos caminamos en formas diferentes. (Mayores 18 años)
Sí, una película chilena en esta lista de cintas para el amor. Y la verdad que podría perfectamente estar en los primeros lugares. La última cinta de Matias Bize es un ejercicio no sólo de buen cine, si no además un torbellino de emociones. Blanca Lewin y Santiago Cabrera (ambos cotenidos y excelentes en sus roles) son unos ex pololos que se reencuentran después de años, dónde mantienen una historia inconclusa y dolorosa. La cinta trancurre en un escenario y donde las luces, miradas y roces dicen más que incluso los diálogos. Llena de personajes secundarios interesantes, esta cinta se alza no sólo como un triunfo para el cine chileno, si no también un triunfo para los sentimientos y la emoción. La música incidental es simplemente sublime.Una película muy romántica, hermosa y llena de guiños y matices. Una de las mejores opciones para una noche de amor. Ojo con la escena de la escalera que es un ejercicio de oficio, cine y emoción. Excelente. Todo espectador.
Julia Roberts retoma su mejor rol como heroína romántica. Una película hecha con cierta formúla pero suda encanto en casi todas sus secuencias. Los secundarios deben estar entre los más carismáticos de las comedias románticas. Con aires un poco más elaborados que sus similares, "Nothing Hill" valora sus personajes y los quiere. La historia es como la cenicienta al revés. Un vendedor de libros en Inglaterra se topa con la actriz más importante del momento y fortuitamente nace un romance. Un placer ni tan culpable. Buena. (T/E)
17.-500 días sin ella (2009)
Es una comedia, pero funciona perfecto como un cuento romántico trágico. Tom es un joven con alma de perdedor y que no ha tenido mucha suerte con las chicas. Conoce a Summer y se enamora perdidamente, pero pronto las cosas no serán tan idílicas. 500 dias con Summer (como es el título original) es una película deliciosa en todos los sentido y una refrescante vuelta de tuerca a las comedias románticas gringas que parecen salir con molde. Hay momentos delirantes (como la secuencia de recuerdos de novios de Summer) y otros dolorosos (ojo con una secuencia en dibujos animados). Plagada de buenas actuaciones (la hermana de Tom se roba las escenas) y una dirección sólida y un guión imaginativo, esta película es un referente a cómo hacer una comedia romántica creativa. Mayores de 14 años. http://www.youtube.com/watch?v=gLNKRrIQnqs
Otras para elegir:
- "La Bella y la bestia" (1991)
Sí es de dibujos animados, pero es hermosa y debe ser una de las mejores de Disney. La única cinta de animación Nominada al Oscar Mejor Película. Ojo que se reestrena en el 2012 en versión 3D. Imperdible.(T/E)
- "El cielo Dividido" (2007)
Difícil de encontrar, pero si la ven por ahí no se la pierdan. Casi no tiene diálogos y se sustenta solo en la narración de una historia de amor y separación ambientada en la cudad de méxico y con dos jóvenes como protagonistas. (14 años)
- "La Ventana del Frente" (2003)
Italiana. Una historia de amor prohibido en paralelismo. Recuerdos, deseos y dolor en una película hermosa. (T/E)
- "Lolila" (1997)
Quizás no es la mejor película para el día de los enamorados, pero la versión moderna de lolita se centra en el dolor y lo prohibido. Una cinta dolorosa, pero también hermosa. (18 años)
- "El amante" (1997)
Escandalizó a todos por sus escenas sexuales y que hoy no asustan a nadie. En el fondo es una experiencia donde el amor se conjuga con las tradiciones. Interesante y con un final hermoso. (18 años)
- "Lejos de ella" (2006)
Puede ser demasiado melodramática, pero gracias a la su directora se transforma en una eficiente cinta sobre el poder de hacer todo por amor. Una mujer sifre de alzaimer y su esposo la deja en una clínica, donde conoce a otro enfermo y se enamora. (T/E)
- "Lejos del Cielo" (2002)
Julianne Moore es una mujer que debe luchar contra la sociedad de la decada de los 50, donde descubre un romance prohibido y extramarital de su esposo y entabla una amistad cada vez más cercana con su jardinero afroamericano. Hermosa.
- "Antes que termine el día" (2004)
Mamona, con aires de telefilm, pero efectiva y romántica. Además de un par de secuencias muy logradas en una historia que mezcla romance y fantasía. (T/E)
-"Love Story" (1970)
Hizo llorar a una generación en la década del 70. Romántica, sufrida y clishé, pero un gran clásico romántico contemporaneo. (T/E)
- "Te Amaré por siempre" (2010)
La esposa de un viajero en el tiempo. Una trama complicada que tiene como base la relación de una pareja que le cuesta estar juntos porque él tiene un extraño mal que lo hace viajar por el tiempo sin voluntad. Buen guión y una buena historia. Muy romántica. (T/E)
- "Ghost" (1991)
Sí es demasiado convencional. Sí es sobreactuada. Sí no es la mejor película, pero encantó a millones. A mi no me gusta mucho, pero reconozco la cursilería que si logra algunos buenos momentos. (T/E)
- "Mujer Bonita"(1990)
El mismo caso de "Ghost", una película irregular, pero muy efectiva. Con escenas románticas y la historia de una fantasía tipo cenicienta. (14 años)
- "La boda de mi mejor amigo"
Otra que puede resultar para algunos un placer culpable. Buenos personajes secundarios y una historia de un amor no concretado. (T/E)
- "Siempre el mismo día"
Anne Hattaway en una cinta irregular, pero con momentos efectivos y románticos. (T/E)
- "El lado bueno de las cosas" (2013)
Dos locos unidos por el amor. Interesante, bien hecha y con grandes actuaciones. Buenos momentos romanticos.
- "Blue Valantine"
Michelle Williams en una interesante anti historia de amor.
Seguramente hay muchas más... pero por el momento esas son algunas que evocan el amor como principio claro. Hay mejores películas y algunas más clásicas, pero estas son quizás las que mejor han logrado entusiasmarme en el sentido romántico. Espero que las disfruten.
s una de las películas de terror mejor evaluadas del año, en un año donde el horror es bastante prolijo y recupera la tradición donde los niños son encarnaciones del mal y fuentes de horror (basta recordar "El Excorcista", "La profecía", "Ojos del mal" o la reciente e interesante "Los niños" (The Children))
alismo es contrapuesto con el personaje de Esther, que más bien parece una muñeca en medio del mundo actual, pero que logra sostenerse gracias a la actuación de la niña Isabelle Fuhrman, que impregna sentido al rol y que logra traspasar los estados cambiantes de la huérfana. Es una actuación que hay que tener en cuenta. 
alismo es contrapuesto con el personaje de Esther, que más bien parece una muñeca en medio del mundo actual, pero que logra sostenerse gracias a la actuación de la niña Isabelle Fuhrman, que impregna sentido al rol y que logra traspasar los estados cambiantes de la huérfana. Es una actuación que hay que tener en cuenta. 
emáticas, sus emociones y sus miedos más íntimos, lo que hace que el final más adrenalínico tenga más sentido y se disfrute más. El desarrollo narrativo hace que las acciones se vayan tornando más rápidas y que nos enfrentemos a vertiginoso final con una vuelta de tuerca bastante interesante y original.
idad, pero que son indispensables para generar y enrolar una historia con giros atractivos. A pesar de sus aciertos, la cinta tiene algunos momentos innecesarios y por momentos algunas situaciones son previsibles.
para asustar a sus espectadores. BUENA.
emáticas, sus emociones y sus miedos más íntimos, lo que hace que el final más adrenalínico tenga más sentido y se disfrute más. El desarrollo narrativo hace que las acciones se vayan tornando más rápidas y que nos enfrentemos a vertiginoso final con una vuelta de tuerca bastante interesante y original.
idad, pero que son indispensables para generar y enrolar una historia con giros atractivos. A pesar de sus aciertos, la cinta tiene algunos momentos innecesarios y por momentos algunas situaciones son previsibles.
para asustar a sus espectadores. BUENA.
