“UP: Una aventura de Altura”: Una animación de calidad

· “Up, Una aventura de altura” es la nueva apuesta Disney-pixar que arrasó con la taquilla y es una demostración que el cine comercial puede también regalar joyas imperdibles como ésta y se estrena este jueves en el cine Star de Copiapó

“Up...” cuenta la historia de Carl Fredricksen, es un vendedor de globos que finalmente consigue llevar a cabo el sueño de su vida al enganchar miles de globos a su casa y salir volando rumbo a América del Sur, pero descubre demasiado tarde que la mayor de sus pesadillas se ha embarcado también en el viaje: un Explorador o boyscout llamado Russell, que tiene ocho años y un optimismo a prueba de bomba, que pone en peligro su sueño, que es cumplir el deseo de su difunta esposa.
Lo que parecía imposible, Pixar y Disney, lo logran otra vez y es entregar una película diferente y que se transforma en un placer para niños y adultos. Un viejo gruñón hace lo que un robot hizo el año pasado (“Wall-e” que parecía insuperable”) y que es entregar un personaje hermoso, intenso y profundo. Es que esta cinta, la humanidad es un rasgo primordial, que hace de Carl, un ser entrañable, que logra emocionar y también entretener. Es notable como “Up”, nos logra aterrizar y reflexionar sobre temas como la edad, los sueños y por sobre todo el amor. Es que el guión de esta película es tan efectivo que logra en una sola secuencia profundizar sobre Carl y su vida. En pocos minutos recorrimos los 78 años de este personaje, desde su profundo amor por Elie, su matrimonio, su imposibilidad para tener hijos y la dolorosa muerte de su amada, que en sí es quizás, una de las secuencias más logradas que nos haya regalado la animación en los últimos años. Una sola secuencia que por sí sola es capaz de estremecer, reflexionar y emocionar.
Lo que parecen ser temas muy adultos, como la muerte y la imposibilidad de tener hijos, son tratados de tal forma que funcionan en el contexto de una película para niños y niñas, sin sacrificar la profundidad. Aunque hay que reconocer que en esta cinta en tan sólo unos minutos se desborda la emoción. Tanta realidad y tanta dureza, se contrapone con el sentido lúdico que da la trama y es que rellenar cientos de globos con helio para elevar la casa, es una fantasía que logra equilibrar lo duro del personaje y lo duro que se desarrolla esta comedia animada con tintes de drama romántico.
Es esa contraparte la que sostiene a “Up” y que lejos de transformarse en una incongruencia, la potencia. El viaje fantástico e imposible, en el que Carl es acompañado por un niño boy scout, que también arrastra sus propias carencias, se transforma en un símbolo ineludible del escape de una sociedad donde los adultos mayores y los niños o niñas con familias diferentes (Rusell, el niño explorador es hijo de una familia divorciada y de un padre ausente) tienen una cabida menor. Elevarse en globos para viajar a un lugar desconocido y paradisíaco, es salir de una sociedad discriminadora e irrespetuosa. Y es en este viaje donde “Up” se encarrila directamente a la acción sin frenos, a los chistes inteligentes y por supuesto a reflotar con humor la profunda humanidad de sus personajes. La fantasía se acrecienta cuando conocen a “Dug”, un perro parlanchín y a “Kevin”, un ave bastante extraña. Ahí en ese contexto de la fantasía más profunda, “Up” explora otras aristas como es el amor, el recuerdo y la lealtad como valores casi ausentes en la actualidad.
“Up” es una cinta maravillosa. Un placer para grandes y chicos que golpea en el corazón y que estremece hasta en sus partes más fantasiosas. Una verdadera obra maestra del nuevo cine de animación dirigido a los niños y niñas, donde los temas cada vez se profundizan, pero que tampoco dejan de lado el espacio para la fantasía y por sobre todo, el espacio para soñar. “Up” es una película imperdible e ideal para toda la familia.
Ojo con dos secuencias que son capaces de arrancar más de una lágrima y con un final esperanzador y donde la realidad convive con la fantasía. En suma, “Up” es un clásico instantáneo y entretenido.

Cine en Copiapó: Gracias por el favor concebido…

• La Capital de Atacama cuenta con dos salas que en sus primeras semanas demostraron que lo suyo es el cine comercial

Desde octubre del 2005, Copiapó vivió una oscuridad cinéfila en cuanto a salas comerciales. Con el cierre del cine Alhambra, también cerró la opción de ver cine en una sala comercial y tuvieron que pasar casi cuatro años para que terminara esa oscuridad. El cine Star de Copiapó, tal como su nombre, brilló en el firmamento del cine comercial y regaló dos salas, que hoy parecen sacadas de un sueño si se comparan con el antiguo, pero nostálgico, cine Alhambra.
Tecnología de punta, que va desde sonido Dolby Stereo Sourround hasta la proyección en Cinema Scope, un sistema único que entrega nitidez y amplitud en una pantalla gigante, es la que trajo este nuevo recinto que luego de varios meses de dudas, por fin vio la luz con tres películas que quedarán en la retina de los cinéfilos locales, la olvidable “Dragon Ball, Evolution” , la entretenida y animada “Monstruos versus Aliens” y la innecesaria “Wolverine, X-men 4”.
Fueron películas comerciales y que por hoy parecen ser la mejor marca del cine local y que ha seguido la tónica en los estrenos siguientes. “Rapido y Furioso 4” (entretenida y vacía), “Una noche en el museo 2” (solo entretenida) y “Star Trek” (Interesante y un descubrimiento). Quizás no hay espacio para un cine más alternativo, pero sin duda, el cine comercial también tiene mucho que decir. “Star Trek”, por ejemplo, es una cinta interesante y es que hoy el cine arte puede ser un templo de calidad, pero hay cintas comerciales que también pueden entregar frescura y calidad. Además ya tuvimos estrenos mundiales como “Harry Potter” (algo lenta y sólo para fanáticos) y la “La Era del Hielo 3” (delirante, pero repetitiva). No queda más que ir y ver al cine comercial con los ojos que se merece… los ojos de la entretención y de repente puede salir más de alguna sorpresa….

Madre hay una sola: Un homenaje a todas las madres (el cine y la madre)

* Un homenaje en especial para mi mamá y a las que debutan en las lides de la crianza (Naty en especial)

Madre hay una sola. Y lo sé porque mi madre es única en toda su dimensión y de verdad no he conocido a otra como ella. Y es que cada uno tiene una figura maternal que nos llena aunque no sea la madre biológica, aunque no sea desde donde estuviste recalado nueve meses… La madre es fundacional, para ti como persona y para todo lo que sigue y no es cliché decir que madre hay una sola… porque lo es… y en el cine también lo es… acá algunas películas que muestran el poder del amor maternal por sobre todo…

“Todo sobre mi madre” (1999)

Imposible no comenzar con esta película. Fundamental para entender el tratamiento de la madre y mujer en el cine. Imprescindible para entender la obra de Pedro Almodóvar. Manuela idolatra a su hijo, que comienza a demostrar su talento como escritor y precisamente lo hace con una oda a su madre. Esteban la adora y Manuela trata de proteger al joven ocultándole la identidad del padre, pero todo se ve truncado por el destino y que hace que Manuela inicie un viaje de redención con su pasado y en especial con su rol de madre. Es una película intensa y hermosa en todos los sentidos. Almodóvar no dejó atrás su particular mundo (inundado de travestis, transexuales, homosexuales, lesbianas, monjas ninfómanas, etc), pero sin duda en esta ocasión se centro en el profundo lazo familiar que se crea más allá de la sangre. Una película que deber ser vista para entender que una madre es capaz de cualquier cosa por su hijo y que el dolor es el redentor más fuerte que hay. Es una Obra Maestra del cine español y quizás la mejor película de Almodóvar. Imperdible y repetible hasta el cansancio. (Mayores de 18 años, pero niños/as de 14 la pueden ver sin ningún problema. Sólo tiene una escena sexual suave, algunas referencias a la sexualidad de los personajes, un desnudo y elementos temáticos adultos). IMPERDIBLE

“Las Horas” (2002)

Stephen Daldry dirigió esta particular visión de la vida de Viginia Woolf (interpretada magistralmente por Nicole Kidman), pero que tiene sus claves no solo en el universo femenino esencial si no también en la profunda importancia de la maternidad en la vida de las mujeres y de cómo esta puede transportar y voltear su mundo. Tres mujeres unidas por un relato central (“La Señora Dolloway” de Virginia Woolf) intentan comprender el intrincado mundo en el que les correspondió vivir, como la dura sociedad de la décadas de los 50 donde una mujer interpretada por Julianne Moore siente terror al embarazo y a la crianza de su hijo. En el fondo es un torbellino para entender sus propias carencias y sabe que ser madre es postergar su sexualidad, sus sueños y muchas veces sus sueños. Todas las mujeres en el relato sienten que ser mujer es un proceso fuerte y donde la sexualidad es una intrincada marca en sus existencias. Hecha con mucha poesía, esta película es importante para pensar que quizás nuestras madres debieron postergar muchas cosas por nosotros. Más allá de la sexualidad de los personajes, “Las Horas” es un relato hermoso y digno de apreciar y comentar. (14 años, niño/as en compañías de sus padres por algunas temáticas adultas como el suicidio y el SIDA). HERMOSA.

“Terminator y Terminator 2” (1984 y 2001)

Ambas son clásicos de la ciencia ficción. La primera hacía gala de un guión inteligente más que de efectos especiales y

la segunda agrega a su mérito unos efectos especiales revolucionarios para la época y que aún funcionan muy bien. Sarah CONNOR, la gran protagonista de la saga (interpretada por Linda Hamilton, en el rol de su vida y porque no decirlo en un personaje que tiene su estampa y su registro es difícil imaginarse a una Sara CONNOR diferente y

quizás eso pasa con la serie “Las Crónicas de Sara CONNOR” y su poco despegue), es una madre que hace de todo para proteger a su hijo y de ahí ara proteger a la humanidad. Porque para una madre no es nada pasar de la inocencia a la lucha armada, pasar de la candidez a la rudeza casi masculina y todo para proteger a John. ¿Qué otra madre haría eso?, sin duda que todas. Decir que la saga Terminator es lograda en sus dos partes no es menor y es que ambas se sustentan en el amor, la entrega, la incondicionalidad de una madre para cuidar a su hijo más allá de cualquier futuro posible. (Ambas mayores de 14 años, por la violencia y la primera por unos desnudos. Niño/as la pueden ver sin dramas con sus padres). AMBAS EXCELENTES.

“Psicosis” (1960)

Es un clásico del terror dirigido por Alfred Hitchock. No hay mucho que decir, solo que así como buena madre marca a las personas, uno muy buena, puede marcarte más allá de la muerte. Es una película que hoy no funciona tan bien como en su época, pero la sola escena de la ducha es un prodigio en montaje y música. Ojo con la secuencia cuando Norman visita a su madre. Madre al límite, pero no tan positivo. (Mayores 14 años, por un poco de violencia. Niños/as la pueden ver sin drama). ACADÈMICA.

“Forres Gump” (1994)

En su año arrasó con los premios y si bien para muchos el personaje de Forrest marcaba un hito, también lo es el personaje de su madre. Sin esa persona hermosa, incondicional y amorosa, Forrest no hubiera llegado a ningún lado. Interpretado por Sally Field, aca tenemos a una muestra más de la incondicionalidad de una madre, de su ilimitada capacidad para hacer cualquier cosa por que su hijo viva lo más normal posible, aunque tenga serios problemas intelectuales. Forrest es un poco lento, un poco torpe, enfermizo, pero eso no importa, porque ella logra que sea un gran hombre. Vivan las madres y premio especial para la madre de Forrest. (Mayores de 14 años, por algunas temáticas adultas como uso de drogas y algunas insinuaciones sexuales. Niños/as la pueden ver sin drama).

“Dulce Amistad” (1996)

“Beautiful thing” es su título original. Acá una madre soltera trata de educar a su hijo en un barrio de clase baja en la Inglaterra de los 80. Extrovertida y hasta castradora, esta madre demuestra que su hijo es todo. “Yo he sido capaz de robar por darle de comer”, le dice a su novio bastante años menor. La historia es de descubrimiento sexual entre dos adolescentes, uno que vive solo con su padre y hermano, y su vecino, que vive con su madre. Ambos explosionan en una sinfonía de amor desbordante que supera cualquier cosa, incluido los prejuicios, sus miedos. Acá la madre da todo otra vez, primero desde la trinchera de la comprensión (trata de entender la homosexualidad de su hijo) y después desde la trinchera del apoyo (ojo con la escena donde ella sale a bailar con una mujer, la mejor amiga de los chicos, sólo para demostrar que ama a su hijo). HERMOSA y con una madre combativa e imitable. (Mayores de 14 años por elementos temáticos, aunque niños/as la pueden ver sin problemas).

“Sexto Sentido” (1999)

Un clásico del terror psicológico en la que un niño literalmente “ve gente muerta”. Un psicólogo trata de ayudarlo y también lo hace su madre, que no entiende que pasa por la aproblemada cabeza de su retoño, pero a pesar de todo hace lo posible por entregarle lo mejor, desde la educación hasta el apoyo en sus momentos más duros. Una madre que nuevamente demuestra que una mamá puede estar en todos los momentos, en los mejores, en los peores, aunque esto incluya codearte con cadáveres ambulantes. Excelente como experiencia cinematográfica y hermosa como relato madre-hijo. (Todo Espectador, puede resultar demasiado terrorífica para niños/as muy pequeños/as). IMPERDIBLE.

“El curioso caso de Benjamín Button” (2008).

Una madre adoptiva que demuestra que a veces la sangre no crea los lazos más intensos. Una película larga, algo floja por pasajes y con un par de secuencias memorables, pero que en sus mejores pasajes está precisamente en el amor que entrega una mujer afroamericana a un hijo que “encuentra” en la puerta del asilo para ancianos donde trabaja. Quizás no tan desarrollada, la relación entre este hijo y esta madre es similar a lo que ocurre en “Forrest Gump”, pero con la diferencia que acá la madre es adoptiva. INTERESANTE por pasajes y una madre que otra vez está en “aquellos” momentos”. (Todo Espectador).

“El sustituto” (2008)

Angelina Jolie es una madre que busca desesperada a su hijo. No hay peor dolor que la pérdida, que la incertidumbre de no saber que pasó. Un buen día unos policías le traen de vuelta a un niño que aseguran es su hijo perdido, pero ella intuye que no es. Y reanuda la busqueda. “Una madre nunca dejará de buscar”, dice. Y es que acá el dolor se mezcla con la intriga en una cinta que demuestra porque madre hay una sola. Dirigida por Clint Eastwood es una joya que demuestra porque Eastwood es un director como pocos y que ahora utiliza la intuición de madre como sustento. (Todo Espectador)

“Bailarina en la Oscuridad” (2000)

La película de Bjork, aunque en rigor ella es la protagonista en una actuación que deslumbra y sobrecoge. Dirigida por Lars Von Traer, es un canto a la vida, al amor maternal en toda su dimensión. Selma es una obrera que trabaja cada día duro para conseguir el dinero que permita a su pequeño hijo ser operado y que no corra su misma suerte, ella esta quedando ciega debido a una enfermedad genética. Su mundo de tornillos y máquinas es matizado por su imaginación que transforma todo en un escenario como aquellos musicales de los 50 que tanto adora. Y es que la música la transporta, la lleva más allá de los problemas y hace que ella pueda sobrevivir a este cruel mundo. Pero la tragedia llegará y del lado que más duele: Su hijo. “Bailarina en la oscuridad” es un golpe directo a los sentidos, al dolor, es como meter en dedo en la llaga. Una madre hace todo por su hijo, sin duda. Una película dura, intensa y emocional. HERMOSA, RUDA y EXCELENTE: (Mayores de 14 años, por un poco de violencia, niños/as con sus padres sin rollos).

“Solas” (1999)

Es una película española que funciona en todos los niveles de análisis, como cine feminista, como cine maternal y como cine a secas. Es una película cargada de emoción y es que se centra en la relación madre-hija-hija. María queda embarazada, está sola y su madre se ve obligada a irse a la ciudad porque su esposo está gravemente enfermo. Ambas comparten una soledad que va más allá de la compañía masculina, si no que una soledad que las recorre desde que puntos diferentes se incomprendieron mutuamente. Es el momento de saldar deudas, de unirse, de llorar y apoyarse. “Solas” es un relato lineal y emocional que hace querer comprender el intrincado mundo de las mujeres y de las madres. EXCELENTE.

Hay muchas más sin duda, pero lo importante es saber que MADRE en el cine es siempre única…. BESOS A TODAS LAS MADRES DEL MUNDO… pero en especial a la mía.

Teleseries: Evolución innegable, entretención con variantes y censura increíble… Todo un mundo después de almuerzo

• Ya quedaron atrás las historias típicas ahora las teleseries se atreven a todo (y literalmente lo hacen) y no le hacen el quite a ningún tema. Un género casi representativo de Sudamérica y que no está lejos de la polémica.

• “En el nombre del amor” se llama una producción que ha sufrido cortes en su exhibición en Chile, a través de las pantallas de Mega, por una cuestión tan simple: la debilidad del ser humano.

Las teleseries han evolucionado enormemente y se han convertido en un género que si bien es considerado por algunos como una oleada de mal gustos y clichés, también es cierto que nadie puede decir que es un género estático.
Atrás quedaron las tramas que hicieron famosas a estas producciones como los hijos/as perdidos/as, la heroína ciega, el joven bueno que es engañado, embarazos inexistentes, etc. Si bien muchos temas se mantienen, han variado a otras problemáticas que incluyen literalmente casi de todo, desde incesto, homosexualidad, lesbianismo, tráfico de órganos hasta abusos sexuales y mucho más. Ahora después de almuerzo o en cualquier horario, la teleseries pueden esconder más de una sorpresa.
Además, tampoco hay que negar que su evolución no sólo está en su trama, si no también en la calidad de sus imágenes (TVN por ejemplo se jacta de transmitir en Alta definición, con lo que pretende compensar la trama un tanto floja de su teleserie los exitosos Pells). Hay teleseries que se olvidaron de la cámara estática, de los diálogos en plano medio o acartonados y apuestan por más, sin dejar de lado o traicionar el género. Hay secuencias hermosas por su carga y por su osadía (basta recordar Pampa Ilusión de TVN que tiene una de las secuencias mejor filmadas en el género en Chile, aquella donde Mister Clark (Héctor Noguera), es sacado de su casa sin moverlo de la cama).
Hoy en día la teleseries provienen de varios países, aunque en Chile siguen predominando las Mexicanas, Venezolanas, Brasileñas y las híbridos (teleseries hechas en Estados Unidos con reparto multinacional) y son sin duda un referente porque si se suma su sintonía uno podría dimensionar lo que significan como industria y como impacto social, de ahí que su evolución sea innegable, aunque en Chile esta evolución se ha dado casi exclusivamente en las llamadas Teleseries Nocturnas de TVN y en las pocas que ha hecho Chilevisión, porque a mi gusto, las teleseries de las 20 horas sufren una crisis creativa impresionante.
Podemos encontrar en las pantallas de Chile Teleseries como “Doña Bárbara”, basada en la novela clásica de Romulo Gallegos y que tiene escenas que impresionan por la violencia y por su sensualidad y que Chilevisión transmite sin problemas a las 14.30 horas. La teleserie partió excelente pero ha tenido un flojo avance, a pesar de eso es destacable que se atrevan a tocas temas como las dictaduras latinas, una violación múltiple, el abuso de poder y la promiscuidad. Lo mismo ocurre con “El Rostro de Analía” que trasmite también Chilevisión y en donde hay desde guaguas pérdidas, hasta una heroína que perdió la memoria, pero ojo, que esta teleserie debe ser una de las más innovadoras de su género y la razón es simple, la forma en que está grabada y la forma en como tratan su trama. El tratamiento es primordial porque acá se olvidaron de las cámaras espías y utilizan travellings, movimientos de cámaras fuertes, picados, contrapicados y muchas otras variantes del lenguaje audiovisual que anteriormente eran poco utilizados por el género. Además, su trama es muy compleja (incluye un cambio de rostro) y también roza algunos temas interesantes como la diferencia social en Estados Unidos, el estigma de los latinos, el exitismo y como broche de oro, está la prostitución, además de un personaje lésbico que se aleja un tanto del estereotipo. Como todo tiene sus reparos en algunos elementos estereotipados (como la mala y la buena), pero es quizás un ejemplo de cómo la Teleserie de ayer no es ni parecida a la de hoy.
En Chile nos quedamos pegados en cuanto a las teleseries de las 20 horas y es que TVN parece atravesar una crisis creativa en ese horario y atrás quedaron verdaderas Obras Maestras de género como la ya nombrada “Pampa Ilusión” o la extraña “Destinos Cruzados”. Lo mismo en el canal 13 (o TVUC) que a pesar de sus restricciones editoriales (que a veces ni se notan para ser sinceros) realizó un híbrido con historias que uno puede jugar a identificar de donde la sacaron o de que película es (por ej. Juno o Quedate a mi Lado (“Stepmon”, por nombrar algunas). Habrá que esperar a ver que sucede con la producción de Chilevisión, que en los años anteriores logró refrescar el género de las 20 horas con “Mala Conducta” y “Vivir con 10”.
Lo raro de esto es que a las 22 horas, las teleseries de TVN parecen ser de otro mundo. No parece que fuera el mismo canal y uno puede entender que hay más libertad para tocar ciertos temas (los Pells se atreve con la homosexualidad, aunque hay que decir que con personajes que son caricatura y que a veces dan vergüenza ajena, aún así parece una teleserie infantil) o de tener más posibilidades de jugar con el lenguaje, pero son tan diferentes. Basta recordar hitos como “Alguien te mira”, una verdadera Joya en su género no sólo por su trama totalmente diferente si no también por su tratamiento.
Las Teleseries tienen de todo y nadie lo puede negar o basta preguntarle a MEGAVISION y su censurada teleserie de las 14 horas. “En nombre del amor”, donde un cura tiene que decidirse por el amor de tres hermanas. Bueno aunque en Chile no se entiende nada de nada, porque sacaron todas las escenas que pueden “ofender” a la iglesia. ¿No habría sido más honesto NO transmitir la Teleserie? Me imagino que pensarán los sacerdotes del cura karateca de “El Rostro de Analia”, menos mal que esa teleserie no la transmite MEGA, porque ahí si que dan 5 minutos por capítulo (desde las balaceras, los intentos de violación, los desnudos, la prostitución, el consumo de drogas, el lesbianismo y el cura karateca)… en fin es una demostración que las teleseries de hoy en día han evolucionado hacia varios temas y también lo han hecho en su estética y lo que es mejor en su lenguaje audiovisual. Hoy ya no es vergüenza ver teleseries, hasta en cierta medida es un buen acercamiento a un género considerado menor, pero que por hoy es uno de los reyes de los canales de TV.

En el nombre de la Fe.... o un puñado de películas para ver en Semana Santa

* Si buscan una lista de películas tradicionales esta no es su lista. Aca les regalo una selección de cintas que en algún lado tocan el tema de la Fe, la religión o Dios desde varios prismas...

La Fe mueve montañas y también rollos de cine. Desde el nacimiento del cine, la religión y la fe han sido importante de la creación de películas lo mismo que la vida de cristo, santos y hasta el mismo demonio ha desfilado en innumerables películas. Acá una lista con algunas contemporáneas, algunas con una vuelta de tuerca al tema y otras que han movido el piso de los más dogmáticos... lo cierto es que la Fe y Dios, siempre han estado presente en el cine.

Aca esta la lista:

“Azul, Blue” (1993)

La redención, el perdón y el amor en una historia profundamente cristiana sobre la capacidad de perdonar. Julienne Binoche interpreta a una mujer que pierde a su esposo durante un accidente y descubre que él la había engañado por años con otra mujer. Una escena hermosa y trascendental es cuando varios personajes reencuentran su redención al son de las prominencias del amor (I Cor. Capítulo 13) el pasaje más real de la Biblia y el más hermoso. Esta es la primera parte de la serie “Tres colores” de Krystof Kiewlowsky el director polaco más importante de la década de los 90 y que con esta cinta logró la perfección narrativa y emocional. Imperdible e ideal para quienes tienen rollos con el perdón. 14 años (aunque véanla con sus hijos, es un poco lenta pero hermosa). EXCELENTE.

“El Exorcista” (1973)

Más de alguno puede pensar que es una locura ver esta película en Semana Santa o una herejía. Bueno puede ser lo uno y lo otro, pero lo cierto es que “El Exorcista” es una pieza fundamental del cine religioso, aunque en este caso en clave de horror. Una niña comienza a sufrir graves trastornos cuando asegura estar poseída por el mismísimo demonio. Dos curas son encargados de realizarle un exorcismo. Una practica antigua y no aprobada por la iglesia católica. Es sin duda un clásico del terror y para muchos la película más aterradora de todos los tiempos, pero que se nutre de la religión y de la fe para crear toda su atmósfera delirante e inquietante. No hay mal sin bien, ni viceversa y no hay bien que no derrote al Mal. Acá la inocencia es corrompida por el demonio a través de un juego, donde la base está en el quiebre de la fe perdida y lo vulnerable de aquellas personas que no la poseen. Al menos eso ocurre en la cinta y después es la misma Fe la que permite redimir a la inocente y recuperarla del mal. ¿No es eso lo que todas las religiones plantean? Y más aún acá se logra utilizando pasajes de la Biblia. Hay que verla con criterio y acompañados, porque aún después de años logra atemorizar en cualquiera de sus versiones (recuerden que el 2000 salió una versión con escenas nuevas). Como cine es un logro de William Friedklin y además creó toda una escuela en cuanto a cine de terror se trata. Indispensable para los amantes del horror y recomendable para los que buscan religión en las películas. 14 años (un par de escenas violentas y lenguaje alusivo a la sexualidad). TRIUNFAL y EXCELENTE.

“La Pasion de Cristo” (2004)

Quizás una típica de Semana Santa y que en 20 años será como “Jesús de Nazareth” (que no es mala, al contrario), es decir programación obligada. Bueno lo cierto es que esta película tiene un valor especial por varias cosas. Es cruda como ella sola. No deja pie a la nada y se ensaña con un cristo que a veces los vemos demasiado humano en su sufrimiento. No hay divinidad en su arrastre y en sus pellejos esparcidos cuando es azotado. Además no tiene pelos en la lengua

para fraguar una postura antisemita (Mel Gibson, el director, culpa a los judíos de la muerte de cristo, que en el fondo es como culpar a los Alemanes del Holocausto. Es decir utiliza la culpa y el castigo como redención, algo no muy cristiano ¿o me equivoco?). Las 12 horas finales de Cristo están relatadas con misticismo, poesía y dolor (su más grande valor) y con secuencias surrealistas muy bien logradas (sueños oníricos con el demonio, con la flagelación y con su madre). Similar a “C

orazón Valiente”, pero más honesta, menos gritona y menos sobreactuada. Ideal como relato “histórico” y para realzar la figura central del cristianismo. Como cine es un relato interesante, que se acerca al horror, drama y al cine épico religioso. MUY BUENA. 14 años (violencia extrema)

“La última tentación de Cristo” (1988)

La película maldita. ¿Por qué no? Bueno es ideal para Semana Santa por dos razones. La primera es porque toma la figura central del cristianismo y recrea situaciones que no están escritas, pero que se interpretan a la reacción de un Cristo humano, alejado de lo divino, sublevado por la carne, la tentación y el sexo. Pero que en el fondo, renuncia a todo lo humano que se le presenta para retomar su papel de redentor de la humanidad. Lo segundo está en la tolerancia, hay que recordar que estuvo prohibida “gracias” a los católicos más conservadores y a unos tipos que se creen la Liga de la Justicia de los valores (pobrecitos, me dan pena). Esta cinta demuestra cómo el cristianismo reacciona frente a una “recreación” a una interpretación o invención de hechos que nacen de la mente de un escritor y adaptadas por un director de cine. Dem

uestra que el cristianismo tiene su talón de Aquiles en la tolerancia. Acá Cristo sufre constantes pesadillas, alucinaciones y sueños en los que se ve tentado por el deseo sexual. Hay escenas que pueden incomodar a los cristianos más puritanos, como la orgía interracial que presencia Jesús y que despierta su carnalidad frente a Maria Magdalena. Aún así, hay que decir que esta película es profundamente dogmática en sus resoluciones más básicas y tremendamente cristiana frente a la figura de un cristo (que ellos mismos aclaran es ficticio) versus el cristo intachable que se presenta en la escrituras. Como cine es intensa, valórica y un ejercicio visual potente como todo lo de Martin Scorserse. Injustamente perseguida es una bofetada a aquellos cristianos acérrimos e intolerantes. 18 años (algunos desnudos, una escena de sexo, nada grave la pueden ver mayores de 14 junto a sus padres). MUY BUENA.

“El ocaso de un amor” (1999)

Dirigida por Neil Jordan ("El Juego de las lágrimas"). La cinta narra el romance prohibido entre una mujer casada y un escritor durante la segunda Guerra M

undial. Ralph Fiennes (quien venía de ser un héroe romántico en "El paciente Inglés") y Julianne Moore (nominada al Oscar, por esta excelente actuación), son los amantes que juegan, entre bombas, a tener un amor que esta lejos de la moral y que se acerca a una pasión desbordada que se impone por sobre la amistad y la fe. Pero este amor tan intenso sufre un final y el escritor se niega a dejar pasar a quien era el amor de su vida y trata por todos los medios de averiguar porque ella lo dejó. Un secreto que sorprende y que hace comprender que el amor está más allá de la razón. Un secreto que además demuestra una profunda religiosidad (no quiero revelar el secreto para no perder la magia) y que hace plantear el poder de la FE y los “intrincados caminos de DIOS para hacerse conocer”.

En una de las escenas ella le dice: "El Amor no se termina solo porque no te vea" (una frase que secundó en mi MSN por muchos años), y le replica que hay gente que ama a Dios, a pesar de que nunca lo ha visto... ¿El amor puede sobrevivir más allá de estar con alguien?... Hay gente que ama por años a quien dejan de ver y que usa la FE para amar... Eso plantea esta película junto con un juego sobre la fe y los milagros. Neil Jordan (director de "El Juego de las lágrimas") nos estre

mece con una fotografía deslumbrante, con una música potente y un guión hermoso. Una película intensa que emociona y que sirve para comprender que el cine es una turbina de emociones que no necesita de efecticismo para cumplir su efecto. Es una película muy romántica, pero profundamente religiosa y que usa a DIOS de una forma diferente y que conviene analizar (mayores de 18 años por un par de moderadas escenas sexuales, Aunque mayores de 14 la pueden ver sin problemas). EXCELENTE.

“Sacerdote, un hombre de fe” (Priest)

Esta película de Antonia Bird es un fiel reflejo de la intolerancia de la iglesia y de cómo se aboga el poder absoluto del perdón, la fe y como se apropia de Dios. La historia se centra en un joven sacerdote que tiene una doble vida donde recorre lugares en busca de romances homosexuales. Todo bien mientras el asunto no se hiciera público, pero un encuentro en una plaza hace que quede detenido y provoca que toda la comunidad lo relegue. La iglesia lo traslada y lo oculta.

Mientras su mentor y compañero de parroquia inicia una lucha para que el joven cura regrese y haga valer su derecho al perdón, todo en medio del cuestionamiento del celibato y de cómo la institución se apropia de DIOS a través de dogmas que castran, condenan y llegan incluso a anular. Una película que puede herir sensibilidades, pero que demuestra que el verdadero valor del cristianismo también se refleja en la capacidad de perdonar y de amar sin condiciones. (18 años, aunque puede ser vista por mayores de 14 años, ya que tiene sólo referencias sexuales). MUY BUENA.

“El Crimen del Padre Amaro” (2002)

Dirigida por Carlos Carrera y protagonizada por Gael García Bernal. Esta cinta se centra en la vida de un sacerdote que mantiene un romance con un cándida joven, la que queda embarazada pero el sacerdote para evitar el escándalo la obliga a abortar. Suena terrible y lo es, ya que la película sin tapujos desnuda una realidad de la iglesia sobre el celibato y de cómo se usa a Dios como un elemento castrador y castigador. Aunque acá el malo es el Padre Amaro, que se nutre de los vicios de una institución corrupta y que es capaz de taparse los ojos con tal de mantener el estatus (al menos eso muestra la cinta). Acá la fe queda en segundo plano y DIOS relegado a las iglesias. Hay escenas muy polémicas como cuando el cura utiliza la túnica de la virgen de Guadalupe para hacerle el amor a la joven. Su valor sólo está en l polémica y en como la fe en algunas personas es solo un concepto, sin importar si son sacerdotes o no. (Mayores de 14 años, niños/as con reserva por un par de desnudos y una escena de sexo). REGULAR.

“En el nombre de Dios” (2002)

De Meter Mullan. Otra vez

la moral y DIOS es instrumentalizado para expresar intolerancia y castigo y lo peor es que está película esta basada en hechos de la vida real. Un grupo de muchachas era enviada a rigurosos conventos por sus propias famil

ias debido a que “pecaban”. Algunas habían sido madres solteras, otra sufrieron violaciones lo que supone la pérdida de la inocencia y otras simplemente demostraban demasiado coquetería. En el convento sufrían una serie de vejaciones y malos tratos en “nombre de DIOS” y como una forma extraña de purgar sus pecados. Ideal para

entender que la fe, el castigo y perdón no son virtudes de algunas instituciones que se dicen “templos de DIOS”. Dura, pero necesaria cinta para esta semana santa. (Mayores de 14 años, por desnudos y una escena sexual que involucra a un sacerdote y a una joven con discapacidad mental. Niños/as con reserva). MUY BUENA.

“Jesús de Montreal” (1989)

Denys Arcand dirige una cinta que causó polémica, pero que a la vez se transformó en un referente sobre la fe. Cuando en la Basílica de Montreal se dan cuenta que la obra de teatro de “la Pasión de Cristo” necesita actualizar su guión, contratan a un joven actor para realizar una nueva versión de la obra, quien decide además interpretar a Jesús en la misma. A medida que empieza a crear la nueva obra se empieza a generar un paralelismo entre el actor y la vida de Jesús, alrededor del cual suceden ciertos hechos, y desde donde los cuales se hace una crítica a la sociedad urbana, a los valores de la misma, el sexismo, la fama, los medios, el legado espiritual de Cristo, la iglesia, los falsos ídolos y sobre todo de la banalización de FE en la sociedad moderna. Más allá de algunas polémicas, Jesús de Montreal es profundamente reflexiva y con momentos que invitan a reflexionar. (18 años, pero ahora puede ser vista por niños/as en compañía de sus padres por dos desnudos). BUENA

Contra viento y marea o Rompiendo las Olas (1996)

Von traer dirigió una película dura, terrible y áspera que se convirtió en un verdadero canto al amor y la Fe en DIOS. Emily Watson además entrega una actuación memorable y demoledora. Es también una cinta femenina, pero ruda de esas que nos dejan con la sensación de haber sido testigos de algo horrible de lo que no podemos hablar. La historia se centra en una mujer profundamente religiosa que mantiene conversaciones con DIOS y que se casa con un obrero de las petroleras. Su vida relentizada y anulada se ve sostenida por la FE, hasta que una tragedia pone a prueba su amor y su vida, su marido se pierde y Dios se lo devuelve, pero paralítico. Si pensaron que era todo ¡No!, una vez más su fe y amor se pone a prueba cuando su esposo le exige que se acueste con otros hombres para el poder mirar y explorar la sexualidad. Ella siente eso como la entrega mayor, como un regalo a DIOS de fe y sacrificio por su esposo y accede esperando que Él cure a su marido. Esta demás decir que esta película es una oda a la entrega absoluta, pero donde la Fe es primordial, lo mismo que la religión expresada en las conversaciones con DIOS y en que ella mantiene su candidez a pesar de los encuentros sexuales con extraños. Ojo con el final que es de antología. Ideal para pacientes y dogmáticos, pero también para transgresores. Una advertencia, es una película que se da su tiempo y que puede resultar cansadora, pero que es arte puro (18 años. Tiene escenas sexuales que resultan fuertes por la forma en que son presentadas. Mayores de 14 podrían verla con criterio y reserva de sus padres). EXCELENTE.

A esta lista se pueden agregar:

* Jesús de Nazareth (1978). La clásica que la dan una y otra vez por TV. Ideal para dogmáticos, aunque es una buena realización. (T/E). INTERESANTE.

* El Bebé de Rosemary (1968). Terror para semana santa con claras referencias al cristianismo y a la Biblia. MUY BUENA.

* Jesucristo Superestrella. Clásica. Irreverente en su momento, hoy dogmática. (14 años, aunque niños/as la pueden ver sin drama)

* El código Da Vinci (2006). Sólo entretención con atisbos de religión mezclado con ficción. Polémica barata. 14. REGULAR (solo entretención sin valor)

* Ben Hur (1959) Clásico entretenido. Ideal para dogmáticos. (T/E)

* El Nacimiento.(2006) Jesús viene al mundo y el mundo encuentra un salvador. Para dogmáticos. Buena producción, pero algo plana. (T/E)

* El evangelio según san Mateo (Piero Paolo Passolini). Una de las mejores adaptaciones de la vida de cristo. Dogmática total. (T/E)

* Marcelino pan y vino, en cualquiera de sus versiones sigue siendo “linda”. (T/E)

* Decálogo de Kiewslosky (bueno hay solo dos que se buscan por separado, son difíciles de encontrar pero no imposible. Se trata de “No amarás”, sobre el adulterio y “No matarás”, ambas son excepcionales.