Omar Orellana Acuña

Un homenaje a todas ellas: Cuando el Cine intenta entenderlas (actualizado con nuevas peliculas)

2011-03-03T20:27:00.000-08:00

¿Es la sensibilidad femenina ese gran misterio que tantos y tantas intentan dilucidar? O bien no es más que el sentido romántico de entender que somos tan diferentes pero tan iguales sin importar el género. El cine no es la exepción y hay cientos y quizás miles de películas que tienen a una mujer como protagonista, pero no siempre el resultado es una cinta femenina o feminista, o mejor dicho que aplique la perspectiva de género en su total dimensión. El cine es arte misógino en muchos sentidos, por eje

mplo el terror se especializó en asesinar mujeres, desde hitchcok hasta el cine de adolescentes de los 80. También son pocas mujeres nominadas al Oscar y la industria sigue siendo un tanto machista (El año pasado una mujer ganó el Oscar, con una cinta bien "masculina"). Pero hay veces en que salen películas que remueven y que logran conect

ar de alguna forma ese misterio... aca una lista sin pretenciones, simplemente un regalo a mis amigas y espero que les guste ya que hay de todo... desde películas muy dramáticas, algo de cine de terror y también un cine más comprometido con feminismo y más contestario. Espero disfruten.

"Solo un Sueño" (Revolutionary Road) (2008)

La destrucción de un matrimonio. La anti historia de amor. Eso es esta pelicula protagonizada por Kate Winslet y Leonardo Dicaprio, ambos sublimes en sus roles. Acá lo que importa es el deterioro de las relaciones de pareja y como afecta el matrimonio a cada uno. Esta cinta sugiere mas de alguna verdad respecto a la mujer y matrimonio y en especial frente al rol que estas tenian en la decada de los 50. Intensa, fuerte y potente, es un retrato disfuncional del matrimonio desde la perspectiva femenina. (14 años, por una escena sexual y algunos temas de adulto).

"Blue Valantine" (2010)

Está protagonizada por Michelle Williams. Es una anti-historia de amor, donde la mujer no es ese ser delicado y que se deja llevar por su héroe, al contrario en esta cinta, ella mueve el romance y lo moldea. Nos adentramos un poco en la mentalidad de una mujer (ojo sin ser feminista, hay varios puntos a tomar en cuenta), que vive de acuerdo a sus necesidades. Ojo con la escena de sexo oral (el le practica a ella un cunilingus que demuestra quien tiene el control en la relación. Hay que recordar que el cine en numerosas ocasiones utilizó este tipo de escenas para demostrar poder). Es un poco pausada, pero tienen una gran potencia. Una buena cinta. Cuando la estrenen no se la pierdan. (Adolescentes con sus padres. Dos escenas de sexo medio. Una escena confusa sobre violencia en la pareja que requiere explicación).

Noches de Rosa (1991)
Protagonizada por Laura Dern es un hermoso relato sobre una mujer y sus sentimientos no comprendidos. Sus pulsaciones sexuales, su vida y sus romances desde el punto de vista femenino en contraposición con los códigos morales machistas de la década del 50 del siglo pasado. Hermosa, tierna y femenina, esta película es ideal para entender la pasión de las mujeres. Está dirigida por Marta Coolidge, quien más tarde dirigió “Angie”, también sobre la pasión femenina, pero menos lograda que la cinta que recomendamos. Mayores de 14 años (algo de sexo, nada grave). Sensible e interesante.

Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988)

Almodóvar en casi todas sus películas filma a mujeres. Esta es una de las más divertidas y quizás una de las más incomprendidas por su ritmo desenfrenado, su estética sobrecargada y sus mujeres gritonas. Con filtro se puede apreciar y denotar como conoce este director a las musas que retrata en todas sus películas. Ideal para mujeres relajadas. (Todo Espectador, fue mayores de 14 en su época, pero naaa, ahora es para verla en familia). Entretenida.

¿Qué He Hecho yo para merecer esto? (1984)

Otra de Pedro Almodóvar y aquí la cosa ya no es comedia. Es un drama rudo, poco digerible y hasta violento. Carmen Maura retrata a una mujer de clase media inserta en la miseria y en el machismo más recalcitrante. Hay posturas bien controversiales (como siempre en Almodóvar) como por ejemplo el legítimo derecho de gozar las relaciones sexuales (eso nadie lo discute), pero que la protagonista descubre cuando sufre una violación. Además uno de sus hijos es delincuente, su madre es asesina en potencia, su hijo menor (el que más la cuida), se fuga con su Odontólogo y más encima su marido la engaña. Es deprimente, pero un crudo relato de lo difícil que era (y aún lo es en algunos casos) ser mujer de clase media baja. Mayores de 18 años (aunque los mayores de 14 la verían sin dramas con sus padres). Áspera y buena.

El Piano (1993)

Jane Campion, una directora australiana, ya había tocado el tema de la sensibilidad femenina en “Un Ángel en mi mesa”, pero con esta cinta logro crear una verdadera obra de arte, plagada de escenas hermosas, de un relato crucial y doloroso, pero a la vez potente, erótico y evocador. Una mujer es llevada a una remota isla para casarse y ahí conoce una capataz que le despierta una curiosidad extrema cuando se ofrece a rescatar su piano varado en una playa a cambio de lecciones. Ahí se despierta un instinto erótico en ella que se emula con las notas que salen del piano y que despiertan desde la punta de sus dedos. La gracia está en que el erotismo es tocado desde el punto de vista de mujer, de hecho es famoso el desnudo frontal que hace Havey Kietel en esta cinta. Postuló a varios Oscar y Holly Hunter ganó como Mejor Actriz y cuenta con la que debe ser la mejor actuación de una niña en muchos años, Ana Paquín, desborda con su interpretación y la música es tema aparte. Una cinta que demuestra porqué el cine es un arte complejo y hermoso. Mayores de 18 años (una escena sexual algo fuerte). Poética y excelente.

Thelma y Louse (1991)

El clásico femenino de Ridley Scott. Dos amigas (Susan Sarandon y Gena Davis en un par de actuaciones memorables) salen de fin de semana sin sus respectivos esposos. La idea es pasar un momento a solas y lejos de los hombres, pero todo se complica cuando una de ellas es atacada y su amiga al defenderla asesina al agresor. De ahí inician una odisea para escapar de la ley y también para reencontrar el poder de la amistad y la fuerza como mujer. Una cinta entretenida, llena de mensajes que algunos quisieron ver como “machistas” (“Sale de tu casa y deja a tu hombre y verás lo que te pasa”), pero que en el fondo se transformaron en una bandera de lucha de la liberación de las mujeres. Acá son rudas, independientes y que forjan su destino sin importar la opinión de los hombres y es que no la necesitan. Un relato intenso y una cinta que ya se inscribió en la historia del cine como una bandera de lucha para la igualdad de derechos entre hombres y mujeres (hay clara alusión a lo machista de las leyes y a lo indolente de una parte de la sociedad norteamericana frente a la mujer). Ideal para ver entre amigas y para comentar. (Todo Espectador, en rigor fue Mayores de 18 años en su época, pero ahora la pueden ver en familia sin drama y con algo de discreción por un poco de violencia, una escena sexual suave y algo de sensualidad). Una obra imprescindible y excelente.

“Secretos Íntimos” (Little Children) (2005)

Todd Field junto con destruir la familia ideal gringa, también logra crear un verdadero tratado sobre la mujer y sus postergaciones debido a los hijos y a su marido (de ahí el título original en el Inglés (pequeños niños)). Una mujer que cuida a su pequeño hijo y vive una constante rutina de ama de casa, inicia un romance con un vecino, mientras la comunidad donde vive se agita ante la llegada de un hombre que fue condenado por pedofilia. La película más que un tratado romántico se centra en el deseo sexual como una vía de escape frente a la rutina y al ahogo que generan las labores de casa, mientras que la amenaza que siente la comunidad es una mera excusa para replantear la importancia de la maternidad y confrontarla con el echo de ser mujer. Llena de simbolismos (ojo con la escena de los columpios y de la lavadora). Una película difícil, un tanto áspera y a ratos incómoda, pero que tienen un logrado nivel. Sesuda, fuerte, pero destacable. Mayores de 14 años (hay un par de escenas sexuales fuertes y una de violencia explícita, así que es recomendable tomar en cuenta la calificación esta vez). Excelente y perturbante.

El descenso (2005)

¿Una película de terror feminista?. Sí. Y para quienes pensaban que el terror era el género más misógino, quizás tengan razón, las jovencitas desnudas siempre fueron la presa ideal de sicópatas como Jason, Freddy o Cara de Cuero (Latherface). El descenso es quizás la única que explora nuevos caminos y lo hace desde la perspectiva de la supervivencia. Un grupo de amigas explora cavernas y en una de ellas quedan atrapadas poniendo a prueba su amistad y también su fuerza femenina. Es sangrienta, aterradora y entretenida, pero también esconde una serie de mensajes que hay decodificar (¿alguien podría preguntarse porqué todos los monstruos de estas películas son “machos”? ¿Quisieron decir algo con eso?, o porque cuando ingresan a la caverna sienten que “se están uniendo en matrimonio a un hombre"). Bueno a parte de eso, hay diálogos interesantes y a parte de demostrar que las mujeres son tan o más fuertes y crueles a la hora de sobrevivir. OJO que es una cinta de terror con harta sangre, están advertid@s. Mayores de 14 años (por la violencia nada más). Excelente y entretenida, diferente en lo que a cine femenino se refiere.

Tomates Verdes Fritos (1991)
Otro clásico imperdible con aires de feminismo. Una regordeta y opacada mujer visita a su suegra en un hospital y ahí conoce a una anciana que le relata la historia de dos amigas inseparables y como juntas lucharon contra el machismo y una sociedad que calificaba a las mujeres como inferiores por allá por la década del 20 del siglo pasado. Una cinta hermosa, ideal para demostrar el poder de la amistad por sobre todo y de la fuerza de la mujer para apoyarse en situaciones difíciles (algun@s ven atisbos lésbicos en esta película, pero da lo mismo, porque la cinta se sostiene aunque se le de esa lectura a la amistad de las dos jóvenes y al carácter medio tosco de una de ellas). Hermosa. (Todo Espectador). Muy buena.

Romance X (1999)
Catherine Breillat dirige cintas en las que sin tapujos desnuda las más oscuras y transgresoras fantasías femeninas. Lo hizo con Romance X, donde una joven y hermosa mujer comienza un camino para buscar el placer y donde se da cuenta que no siempre amor y sexo significan lo mismo. El amor es soledad, el romance es temporal y el sexo es para siempre, esa es la premisa de un juego en que se desnuda los más intensos y ocultos deseos de la mujer. Antes de ver esta película hay que afirmarse ya que entraremos en un carnaval de sexo, orgías y desnudos que pueden incomodar a algun@s, pero que son expuestos en el sentido más femenino del cine. Ojo que tiene escenas de sexo explícito, con muchos desnudos masculinos frontales, eyaculaciones, sexo oral, anal y que en algunos casos bordean la pornografía dura. Una película para ver entre amigas compinches, de esas que se tiene mucha confianza y para comentar sin tapujos. Mayores de 18 años (ojo que tiene escenas pornográficas, ya están advertid@s y en Chile se exhibió sin cortes). Regular, pero necesaria.

Anatomía del Infierno (2004)

Es hermana de Romance X, de hecho es de la misma directora y comparten como protagonista al actor porno Rocco Sifreddi. Una mujer, que acaba de romper con su novio, encuentra en la calle a un hombre gay y lo contrata para que la acompañe en su cabaña de descanso todo un fin de semana. Ahí pretende desahogarse y resumir el dolor con la compañía de un extraño, el que resulta ser bisexual y que la lleva a entregar más allá que la desnudez de su alma. Ojo que hay un par de escenas fuertísimas y que pueden resultar muy incomodas, por ejemplo una penetración directa en plena menstruación y que es mostrada con lujo de detalles por la directora. Hay que adevertir nuevamente que tiene escenas pornográficas, pero que de verdad puede resultar toda una experiencia para comprender el intrincado y variante mundo de los deseos sexuales femeninos y más bien universales. Mayores de 18 años (también ojo por las escenas pornográficas, que en Chile no se censuraron, así que en el DVD están incluídas). Interesante y hasta didáctica.

Follame (o Viólame) (2001)

Otra fuertona con escenas pornográficas, pero que se transformó en una bandera de lucha del feminismo y en una denuncia sobre el maltrato a la mujer en el mundo actual. Aunque

para algunos críticos sólo se trató de una cinta pornográfica que pretendía entregar un poco más de contenido. La verdad es que la película esta basada en una aclamada novela y en cierta medida no deja de lado las escenas de sexo explícito y la violencia. Puede verse con ambas lecturas, la historia cuenta la odisea de dos amigas que se unen después de una brutal violación y que comienzan un camino de sexo y muerte, arrasando con todo lo que encuentran a su paso, desde hombres sedientos de sexo hasta mujeres indefensas e incluso hasta los regentes de un club sexual. Mucha violencia y escenas muy explícitas causaron polémica en Francia su país de origen, pero además muestra el lado poco amable de los europeos, aquel donde los barrios marginales son la cara oculta del glamour Francés y quizás eso incomodó tanto como las escenas sexuales explícitas. Las mujeres se revelan contra el maltrato (ambas arrastran historias duras) y hay quienes ven en la loca carrera de estas amigas, un simbolismo sobre el poder de la liberación y la verdadera revolución feminista. Ojo no es una cinta para todos los gustos, pero es considerada un valuarte para las feministas de tomo y lomo. Mayores de 18 años (ojo tiene escenas pornográficas que en Chile se mantuvieron intactas sin cortes en la versión de DVD y en la que se dio en los cines). Interesante y controversial.

“Te doy mis ojos” (2003)

La violencia contra mujer en su lado más explícito y duro. Quise evitar las cintas sobre violencia intrafamiliar (abundan y en donde no siempre se logra ver el lado femenino de la problemática), pero esta es imprescindible porque retrata el drama de un amor violento y donde la violencia se muestra en su más seca realidad. La relación de dependencia mujer-agresor y las formas de superarlo son puestas a la vista en un relato intenso y desgarrador. Acá Lucía ama a su esposo, pero aburrida de los maltratos decide alejarse, hasta que el regresa y ella decide darle una segunda oportunidad. Hay cosas que sólo una mujer agredida puede entender y eso es lo que sucede con la protagonista de esta película, hay momentos donde no la entendemos y donde esa sensibilidad se vuelve un misterio insondable. Una película hermosa, intensa y tratada con ojos de mujer. Mayores de 14 años (por la violencia, una escena sexual y una escena que mezcla violencia física y sexual, pueden verla con niños/as pero con discreción y orientación).

“Mi vida sin mi” (2002)
Ann (la excelente Sara Polley) tiene veintitrés años, dos hijas, un marido que pasa más tiempo cesante que trabajando, una madre que odia al mundo, un padre que lleva diez años en la cárcel, un trabajo como limpiadora nocturna en una universidad a la que nunca podrá asistir durante el día. Vive en un remolque en el jardín de la casa de su madre, a las afueras de Vancouver, Canadá. Cuando cree que nada podría ser peor, un reporte médico le anuncia que su vida se terminará. Lo que puede ser el final se transforma en el inicio donde por primera vez se da la oportunidad de vivir y de ser mujer en el amplio sentido de la palabra, dejando atrás las postergaciones y las carencias, para así encontrar el amor y la redención. Una cinta depresiva, pero esperanzadora y que pone el tema de las postergaciones femeninas como uno de sus puntos fuertes. Sin duda, más allá de lo melodramático del tema se esconde una cinta hermosa y llena de mensajes. Todo Espectador (ideal para ver en familia). Excelente.

Las Memorias de Antonia (Antonia´s line) (1995)
Una familia matriarcal enfrenta la vida en un retrato perfecto de la sociedad y sus trancas con las mujeres jefas de hogar. Una película que hay que ver en su dimensión llena de simbolismos y criticas a varios actores sociales como la iglesia machista, el gobierno indolente y la comunidad discriminadora. Ojo con una de las protagonistas que "elige" y decide cuando y con quien tener un hijo y más aún con quien criarlo. Un cinta femenina en toda su extensión y hermosa como relato cinematográfico que ganó varios premios y que hoy aún es considerada imprescindible para entener a la mujer y que mantiene su sitial como una de las cintas más evocadoras del mundo femenino, no sin dejar de lado la riqueza visual y la violencia de la sociedad en general. Hay que verla tratando de descifrar algunos elementos medios surrealistas, como la imaginación de Antonia y ese mundo donde Cristo la mira acusadoramente o donde los ángeles golpean a los sacerdotes. Simbolismo puro, pero militante. Además, toca la fibra femenina desde varios niveles desde la violación hasta el lesbianismo. Sin duda una oda a la mujer en toda su extensión. Imperdible. Mayores de 14 años (ojo hay violencia y una violación bastante ruda). Excelente.

Retratos Intimos (Personal Velocity) (2002)
Tres historias y tres mujeres unidas por el desamor, la violencia y las carencias afectivas. Ellas arrastran un mundo donde son esclavizadas, literal y figurativamente por hombres, ya sea un amante, un esposo, su padre o sus hijos y donde ninguna encuentra su velocidad personal (de ahí el titulo original de la película). Dirigida de Rebecca Miller, esta película representa a la mujer moderna con ambiciones, pero que en el fondo aún arrastra un pasado de tradiciones, machismo y discriminación que sigue latente hasta en su propio interior. Mayores de 14 años (por un par de escenas sexuales suaves). Interesante.

Aca hay más:
En algún lugar de África (2001)

Una mujer lucha por su familia y por su felicidad en Kenia de los años 30. Hermosa y poética, cine puro. 14 años. Excelente.

Volver (2006)

Almodóvar retrata a las mujeres como nadie. Acá sensibilidad femenina donde los hombres solo son secundarios. Todo espectador. Entretenida y Muy buena.

El amor y la furia (once we were warrior) (1994)

Una familia de un pueblo originario de Australia enfrenta la violencia de un padre y una sociedad que los discrimina. Violencia sexual y doméstica más que nada. (14 años). Buena.

La historia de Tina Turner (1993)

La historia de violencia de la famosa abuela del rock. Interesante y desgarradora película que bien puede ser un ejemplo de que la violencia de género no discrimina a nadie. (14 años)

Juno (2007)

La cinta "indie" por excelencia. Una joven decide "elegir" los padres adoptivos de su hijo, el que decide tener aunque es una adolescente y el padre es un joven algo despistado con el que perdió la virginidad. Un retrato de las adolescentes modernas más decididas y menos vulnerables, pero que aún así sufren con lo machista de la sociedad. Entretenida, sólo eso. (14 años, pero niños/as la pueden ver sin drama, ya que toca el tema del aborto, pero nada grave)

La seducción de Leila (Lie with me) (2005)

Una joven demasiado activa sexualmente conoce al que parece ser su hombre perfecto. Una película con mucha sexualidad, pero desde la perpectiva femenina con escenas fuertes y algunas muy poéticas. Ojo con la aficción a la pornografia de la protagonista. Diferente, interesante y polémica. (18 años, tiene desnudos frontales masculinos, es como una película erótica donde el más expuesto es el hombre y no la mujer, como es lo habitual en el cine, aca el más desnudo siempre es el hombre)

Las edades de Lulú (1990)

Almudena Grandes ideó una novela de una joven que no puede frenar sus instintos sexuales y Bigas Luna la llevó al cine con mucha polémica. Sexo a raudales, trios, penetraciones multiples y juguetes desfilan por este retrato perverso de la sexualidad femenina. No siempre las mujeres son besitos y caricias suaves, ¿o no?. Fuerte y para mujeres de carácter duro, pero que tiene su valor en ser honesta. (18 años, mucho sexo y algo explícito, fuerte también por la violencia). Polémica, ruda e interesante con reparos.

Melissa P. (2005)

Sexualidad adolescente incomprendida y naciente. Una película diferente pero con atisbos imborrables de verdad. (18 años). Interesante.

Juegos del destino (Bent it like Beckam) (2002)

Querer jugar futbol y ser mujer parece que no son muy compatibles, más aún si eres descendiente de Hidúes. Entretenida y que intentó tener algo más, se queda como anecdota un poco más interesante que otras de su tipo. ideal para pasar el rato. (T/E)

Lejos del cielo (2003)

Ser mujer en la década del 50 ya era duro. Una sociedad machista y que veía a la mujer como un adorno de los hogares. Acá Julianne Moore enfrenta el dolor de mantener un matrimonio por apariencia y de más encima entablar una amistad muy cercana con su jardinero afroamericano. Hermosa, romantica y potente, pero también es un ejercicio social para ver cuanto ha cambiado la sociedad en casi 60 años. (14 años, pero niños/as la pueden ver sin drama con sus padres)

Habitación Blanca (White Room) (1990)
Feminismo al máximo. Un hombre intenta entender que oculta ese cuarto o ese lugar oculto que hace a las mujeres tan especiales. (14 años). Entretenida, poetica y dificil de encontrar.

Solas (1999)

Mujeres enfrentando la soledad y una sociedad que las anula si no tienen un hombre al lado. Española militante al máximo. Excelente. (T/E)

* Seguramente me faltan muchas más, pero ahí tienen bastante y bien diferente como para comprender lo compleja que son las mujeres.... bueno, lo complejo que es el ser humano en realidad. UN Regalo para MIS AMIGAS....

“Avatar”: Más que golosina para los ojos

2010-01-23T19:46:00.000-08:00

· Es la cinta que James Cameron esperó realizar una vez que la tecnología lo permitiera. El Resultado es una verdadera odisea audiovisual con tintos de epopeya.

Es el ingreso a un mundo imposible y alucinante. “Avatar”, la nueva cinta de James Cameron, se presenta como una fábula en clave de ciencia ficción sobre nosotros mismos, sobre nuestra tierra y nuestro desarrollo. La cinta, que ya es todo un fenómeno, está destinada a convertirse en un referente obligado para el cine contemporáneo.

“Pandora” es el nombre del hermoso planeta que en “Avatar” se transforma casi en un personaje más. El lugar tiene ciertas similitudes con los más hermosos parajes de la tierra, pero repleto de animales increíbles y de escenarios mágicos. El único problema es que su aire es letal para los humanos. En ese ambiente, un consorcio de la tierra encuentra una mina de onobtainium, el metal más cotizado del momento.

Jake Sully (Sam Worthington), un ex militar, llega a “Pandora” casi por casualidad para ser parte del programa “Avatar”, que consiste en crear una reproducción, una especie de clon con genes humanos, de los nativos que viven en el planeta, los Na´vi. La idea es insertarse en su mundo y conocerlos. El programa de “avatars” lo dirige la Doctora Grace (la siempre agradable Sigourney Weber) y es casi lo contrario al trabajo que realizan los militares. El mundo de Jake se revoluciona completamente cuando se transforma en parte del pueblo originario de Pandora.

“Avatar” destaca en primer lugar por su virtuosismo visual, la belleza de sus escenas y por sobre todo la tremenda imaginería desarrollada para crear un mundo de colores, animales y montañas flotantes. Ese mundo es el que seduce y que engolosina la vista a cada instante y que hace descansar a la película a pesar de su extensión (dura dos horas y media). Y todas esas imágenes hermosas se sustentan además en una historia en apariencia simple, pero efectiva.

Por eso “Avatar” es más que imágenes hermosas. El largo camino de la transformación que sufre Jake Sully, que en apariencia lo hace volverse más primitivo, pero que en el fondo es un viaje de crecimiento y a un desarrollo más espiritual. Pandora es parte de la vida de los nativos y que funcionan en conexión permanente. Ese es uno de los simbolismos más explícitos de la película, el hecho de que los humanos no estemos en sintonía con lo que siente nuestro planeta, al contrario de lo que sucede con los habitantes de Pandora, incluyendo a los animales y las plantas. Es un llamado ecológico, pero también místico.

Sin duda, “Avatar” está destinada a convertirse en un referente, no sólo por su imaginería sino también porque se atreve a proyectar un mundo referencial y en donde la transformación es física y mental. “El vaso no se puede llenar cuando está lleno”, dice la “chamán” de los Na´vi y se refiere a que nuestros convencionalismos nos impiden abrirnos a lo diferente. Es un mensaje de tolerancia y también de reflexión frente a nuestras propias limitaciones.

James Cameron espero diez años para dirigir una nueva cinta de ficción luego del fenómeno de “Titanic” y retoma un poco su capacidad para crear mundo especiales (lo hizo con su versión “metralleta” de “Alien, el regreso” y con sus “Terminator”) y para insertar problemáticas especiales como la falta de identidad y capacidad de conocernos (lo hizo en “Mentiras verdaderas”, por ejemplo). En “Avatar”, además demuestra que tiene osadía y que es capaz de mezclar escenas de acción con las más tiernas escenas de romance.

En suma, “Avatar” es un goce visual, pero también una película que exuda simpleza y en esa simpleza es donde deja marcados sus mensajes más explícitos. Trepidante, de factura técnica impecable y con asombrosos efectos visuales (que destacan por el realismo de sus personajes y la capacidad que tienen para gesticular), la cinta soporta varios análisis, lo que demuestra que está bien lograda. MUY BUENA.

“Avatar”. Dir: James Cameron. Prot: Sam Worthington, Sigourney Wener, Zoe Saldana, Michelle Rodríguez. Todo Espectador (No recomendable para menores de 7 años, por un poco de violencia y una escena de sensualidad muy medida, nada grave)

“Luna Nueva”: Adolescentes de dientes y garras

2010-01-12T16:29:00.000-08:00

· La Segunda parte de “Crepúsculo” confirma que la saga tiene una fuerte tendencia a ser un producto desechable que más bien invita a reflexionar sobre el cine de adolescentes actual

El mayor miedo de Bella, la protagonista de la saga “Crepúculo” y de la recién estrenada segunda parte “Luna Nueva”, es la vejez. Convertirse en su abuela, mientras que Edward, su gran amor, sigue como un adolescente. Es este miedo, representado en la escena inicial de “Luna Nueva”, el que marca quizás, la mejor característica de la saga, es decir una serie de películas para adolescentes que no aguantan la vejez, en otras palabras son desechables. Al salir del cine ya se sienten añejas y olvidables. Pasó con “Crepúsculo” y vuelve a pasar con “Luna Nueva”.
Ahora Bella, nuestra heroína recién llegada al pueblo, intenta lograr integrarse más a la familia de Edward, el vampiro que conquistó su corazón, pero un incidente hace que él decida abandonarla. Mientras que encuentra refugio en el tierno, pero fuerte Jacob, su amigo de origen indio, que esconde un secreto tan importante como el de Edward. Mareada por las atenciones de Jacob, Bella por momentos comienza a olvidar a Edward, aunque nunca con la fuerza necesaria para sacarlo por completo de su corazón y su mente.

Eso es a grandes rasgos esta nueva parte de la serie basada en las novelas de Stephanie Meyer. Una cinta romántica con tintes fantásticos donde los mundos paralelos e imposibles, más allá de la fantasía, parecen sacados de un cúmulo de lugares comunes. Quizás lo más interesante sea la alegoría al paso del tiempo y el miedo a envejecer. Después de todo, los dos mayores problemas de Bella son precisamente no convertirse en una anciana al lado de Edward y lograr que él la muerda (literalmente).

Una cinta dirigida por Chris Weitz (el mismo de “La brújula Dorada”) que es un producto menor destinado a adolescentes y que más bien supone un fuerte análisis de los gustos actuales juveniles y que bien merece un estudio frente a la locura que despierta, donde recauda millones de dólares y provoca una moda que comienza a sobrepasar y cansar.
Como cine su gran aporte será como material de análisis para entender como un producto tan simple logró una respuesta tan potente. Una película que tiene escasos momentos interesantes (el sueño de bella y la abstinencia que deben soportar los protagonistas) y que está plagada de diálogos inverosímiles, sobrecargados y hasta melosos. Dónde incluso se nota pobre en efectos especiales y con un sentido estricto de la línea comercial. Aún así la cinta entretiene a los fanáticos de la serie y logra enganchar para una tercera parte, en especial para los que quieren averiguar, si de una vez por todas Edward, logra hincarle (literalmente) el diente a Bella. El resto es puro cuento. Regular (tirando para básica).

Luna Nueva (New Moon). Dir: Chris Weitz. Pro: Kristen Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner. Todo Espectador (No recommendable para menores de 7 años).

Trailer:

“Bastardos sin Gloria”: El Regreso de Tarantino

2010-01-04T17:57:00.000-08:00

• Siguiendo su estilo, el director construye una cinta por sobre todo divertida

La última película de Quentín Tarantino causó revuelo y es que se atreve a tocar un episodio delicado de la historia mundial y que es el exterminio judío y el alzamiento del nazismo, pero desde su particular visión con humor y violencia, donde incluso se atrevió a colocar a Hitler entre los protagonistas. “Bastardos sin gloria” se ambientó en la Francia ocupada por los Nazis donde retoma muchos de los elementos que obsesionan al director.
La película parte durante la ocupación alemana de Francia, y ahí Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) presencia la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz). Shosanna consigue escapar y huye a París, donde se forja una nueva identidad como dueña y directora de un cine. En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) organiza un grupo de soldados judíos para dedicarse a asesinar a altos personeros Nazis. Conocidos por el enemigo como “The Basterds” (Los bastardos), los hombres de Raine se unen a la actriz alemana Bridget Von Hammersmark (Diane Kruger), una agente secreta que trabaja para los aliados, con el fin de llevar a cabo una misión que hará caer a los líderes del Tercer Reich. Todo confluye en el cine de Shossana, quien tendrá la oportunidad de vengarse.

La cinta fue controvertida debido a su particular visión del conflicto, donde no hay rigurosidad histórica sino más bien una historia de venganza y violencia. Quentin Tarantino repite su estilo que le ha dado buenos dividendos en cintas como “Perros de la Calle”, “Pulp Fiction” o “Jackie Brown” y recicla muchas de las ideas para crear esta cinta, de hecho nuestra heroína, Shossana, tiene mucho de la “La Novia” de “Kill Bill”, su sed de venganza la toma con tranquilidad, con una frialdad memorable y con una precisión suiza, aunque ella sea alemana-judía.

Hay guiños a grandes clásicos del cine, que van desde un auto homenaje, como es la escena del comienzo de la película con el sangriento y caricaturesco Coronel Nazi Hans Landa, que tiene unos aires muy parecidos a lo que fue la historia de O-Rhen Ishi (Lucy Liu) y que en Kill Bill era contada en dibujos animados. También hay referencias a Sergio Leone y los Spaguetti Westerns, en especial con su banda de sonido y más de una referencia a otros clásicos como “La Pandilla Salvaje”, entre otras.

Tarantino es un admirador del cine y se nota. En cada escena o existe una referencia o una riqueza que encandila a los ojos o a los oídos, que complementa la historia y que la adorna. Une partes, las destruye y las vuelve a unir, es como un gran rompecabezas, que en este caso es mucho más amable de lo que podrían ser sus grandes obras maestras como “Perros de la Calle” o “Pulp Fiction”, en especial en esta última, donde juega mucho más con las piezas.
En suma, “Bastardos sin gloria” es una gran película del mundo de Tarantino, donde no importan las licencias históricas y donde por momentos hay recargos de recursos cinematográficos. Quizás, ese recargo es la riqueza que hace del mundo de Tarantino tan especial. “Bastardos…” tiene todo los elementos como buenas actuaciones, audacia narrativa y música protagonista. Una buena cinta que además es sumamente entretenida. MUY BUENA.

“Bastardos sin gloria” (Inglorious Basterds). Protagonizada por: Michael Bacall , Christian Berkel , Daniel Brühl , August Diehl , Samuel L. Jackson , Mike Myers , Brad Pitt , Eli Roth , Christoph Waltz , Diane Kruger , Mélanie Laurent , Cloris Leachman . Dirigida por: Quentin Tarantino . Géneros: Acción, Bélica. Mayores de 14 años.

Trailer:

“La Huérfana”: Pequeña encarnación del mal

2009-11-08T17:04:00.000-08:00

· Es una de las películas de terror mejor evaluadas del año, en un año donde el horror es bastante prolijo y recupera la tradición donde los niños son encarnaciones del mal y fuentes de horror (basta recordar "El Excorcista", "La profecía", "Ojos del mal" o la reciente e interesante "Los niños" (The Children))

La familia Coleman tiene una vida tranquila y ordenada, eso después de sortear algunos problemas. Tienen un hijo y una hija, que sufre de discapacidad auditiva, pero sufren de una marca imborrable, ella tuvo un aborto espontáneo y doloroso. En ese contexto deciden iniciar el proceso de adopción, por lo que visitan hogares infantiles, donde conocer a Esther, una huérfana bastante particular que entra en sintonía directa con ellos. En esa nueva vida, Esther ingresa a una idílica familia, dibujada por el dolor, la pertinencia y la unidad, donde superaron de todo para mantenerse juntos.
La película tiene varios méritos que la hacen una buena referencia a la hora de ver el cine de terror actual. Su constante aire de realismo es contrapuesto con el personaje de Esther, que más bien parece una muñeca en medio del mundo actual, pero que logra sostenerse gracias a la actuación de la niña Isabelle Fuhrman, que impregna sentido al rol y que logra traspasar los estados cambiantes de la huérfana. Es una actuación que hay que tener en cuenta.

“La huérfana” además, tiene el mérito de querer a sus personajes, de delinearlos perfectamente al comienzo y de darle un espacio a su desarrollo, es decir, se da tiempo de presentarnos sus problemáticas, sus emociones y sus miedos más íntimos, lo que hace que el final más adrenalínico tenga más sentido y se disfrute más. El desarrollo narrativo hace que las acciones se vayan tornando más rápidas y que nos enfrentemos a vertiginoso final con una vuelta de tuerca bastante interesante y original.
También hay espacios para los amantes de las emociones porque la cinta logra mantener el suspenso y hay momentos en los que apela a la tensión sin dejar de lado una dosis importante de sangre, que equilibra la cinta al horror. Ojo que hay algunas situaciones que provocan incomodidad, pero que son indispensables para generar y enrolar una historia con giros atractivos. A pesar de sus aciertos, la cinta tiene algunos momentos innecesarios y por momentos algunas situaciones son previsibles.
En suma, una película correcta, con buenas actuaciones (en especial de la niña y de Vera Farmiga, su madre adoptiva), momentos de tensión, pero no integrará el círculo de oro del cine de horror. En todo caso hay que poner atención al director español Jaume Collet-Serra, ya que demuestra que tiene oficio para asustar a sus espectadores. BUENA.

“La Huérfana” (ORFHAN). Dir: Jaume Callet-Serra. Prot: Isabelle Fuhrman (Esther), Peter Sarsgaard (Papá), Vera Farmiga (Mamá), Jimmy Bennett, Lorry Ayers. Mayores de 14 años (por violencia y escenas sangrientas y algunas insinuaciones sexuales suaves)
Trailer:

Cine de terror: El mejor panorama de Halloween

2009-10-30T16:55:00.009-07:00

* Y en Halloween que mejor que quedarse en casa y recurrir a la tradición y asustarse

El cine de horror tiene cientos de exponentes y vive un boom impresionante en los últimos años. A parte de las películas orientales y sus respectivos remakes, hay otras que están en cartelera o próximas a estrenarse como “Diabólica Tentación”, “La Huérfana”, “Arrástrame al Infierno”, etc. Pero hay cintas que se ganan un espacio y aunque no pretende ser una lista definitiva, al menos acá hay algunas imperdibles y también algunos directores para mantener en la mira.

Noche de Brujas (Halloween), USA, 1978, Dir: John Carpenter
Y sería pecado no comenzar este recuento con el clásico de John Carpenter que reinventó las películas de sicópatas, se trata de “Noche de Brujas”. Michale Myers hizo su aparición en una película efectiva y que ahora puede resultar ingenua, pero que destacó por su música, dirección y por lanzar al estrellato a Jaime Lee Curtis como la reina del grito. John Carpenter es además un director de culto y es imposible no ver “Príncipe de las tinieblas”, “La Cosa”, “Al borde de la locura”, entre otras.

Halloween, USA, 2007, Dir: Rob Zombie
En el 2007, Rob Zombie hizo una nueva versión del clásico de John Carpenter que le quedó bastante decente y con harto ritmo. Esta nueva versión se centro en los orígenes de Michel Myers y desbordó con sangre y atrocidades en una película entretenida y muy movida. Hay que recordar que Halloween en su versión orginal tiene varias secuelas, algunas de dudosa calidad, por lo que mejor siempre es ver la original y en este caso la última nueva adaptación. Rob Zombie se perfila como un director importante en el cine de horror y es conveniente echarle un vistazo a “Renegados del Diablo” y “La Casa de los 100 cadáveres” (que revive la tradición de las cintas de familias sicópatas).Ahora hay que esperar a ver qué tal le quedó “Halloween 2”.

Pesadilla, en lo profundo de la noche (Nightmare on Elm Street), USA, 1984, Dir: Wes Craven
Con “Pesadilla”, Freddy Krugger saltó a la fama, algunos lo consideran un odioso y otros un producto desechable. Como sea, el sicópata capaz de asesinar adolescentes mientras dormían es un clásico imparable. La primera película sigue siendo la mejor y más efectiva porque lograr combinar el horror más sanguinario con un humor negro. Las secuelas tienen calidad diferente y para el próximo año está anunciada una nueva versión. Wes Craven, du director, es también un referente importante y conviene revisar algunas cintas como “La última casa a la izquierda” (que viene con una versión nueva), “La Colina de los Ojos Malditos” (otra que tuvo una muy decente versión nueva) y “Scream” (que revivió el horror cuando estaba agonizando en la década de los 90).

Martes 13 (Friday 13th), USA, 1980, Dir: Sean Cunninghan
Otra clásico un tanto menor, pero más efectista que los anteriores. De trazos gruesos, gracias a “Martes 13”, Jason Vorgees es una estrella en el mundo del horror. La primera película de la serie es interesante con buenos momentos, pero algo torpe. Sus secuelas poco aportes hacen y la nueva versión realizada en el 2008 es para lamentarse. Mejor ver la original. Es la pariente pobre de los clásicos.

“La Matanza de Texas” (Texas Chainsaw Massacre), 1973, Dir: Tobe Hopper
Es otro clásico imperdible para una noche de horror. Esta película narra la historia supuestamente real de un grupo de adolescentes que se pierda en Texas y queda a merced de una familia de caníbales, lideradas por “Cara de Cuero”. Sangrienta para su época, dura y corrosiva aún hoy es difícil de digerir. Tobe Hopper además logró hacerse un espacio en cine de horror con cintas como “La Casa divertida” y “Terror en Salem slot” (miniserie para la TV) y es responsable de otro clásico imperdible “Poltergeist” (1982), que dicen las malas lenguas fue más dirigido por Steve Spielbierg, como sea la cinta funciona en sus dos niveles, en el más parafernálico y en el más íntimo.

“La Matanza de Texas” (Texas Chainsaw Massacre), 2003, Dir: Marcus Nispel
Se han hecho varias versiones de muy mala calidad de la cinta de Tobe Hopper y sólo en el 2003 se realizó una nueva versión con aires juveniles, pero sin dejar de lado el sadismo, por lo que se acercó en calidad al clásico de 1973. Fue entretenida e hizo que se pudieran los ojos en el joven director, aunque no pudo repetir la hazaña, ya que su versión nueva de “Martes 13” (“Viernes 13”), simplemente daba pena y risa, pero no miedo.

“La Noche de los muertos vivos” (The Night of the living dead), 1968, Dir: George A. Romero
Otros monstruos que no pueden faltar son los zombies. En 1968 George Romero reinventó el terror con “La Noche de los muertos vivos” de 1968 (The night of living dead) en donde los zombies en blanco y negro transformaron al horror en algo más sádico, considerada una de la primeras películas “gore” de la historia es un clásico imperdible, lo mismo las secuelas de 1979 y 1981 donde el color hizo que la sangre y los desmembramientos fueron aun más impactantes. Algo parecido sucedió con la nueva versión de 1991 que dirigió el mago del maquillaje, Tom Savini.

El Amanecer de los muertos (Dawn of the Dead) 2004, Dir: Jack Snyder
“El dia de los muertos” de 1981 es la mejor películas de muertos vivos, mientras que “El Amanecer de los muertos” de 1978 tuvo una nueva versión en el 2004 dirigida por Jack Snyder y que fue una refrescante nueva mirada al tema en una película potente y estremecedora. Los zombies de George Romero, sus secuelas y nuevas versiones son simplemente una escuela del horror. Los zombies en general gozan actualmente de buena salud gracias a estas películas y a otras como “Exterminio” (24 days later), Zombieland y “Planet terror”, que hacen olvidar un poco lo manoseados que fueron los muertos vivos en la década de los 80.

Cine para asustarse
Estas son solo algunas y no podríamos dejar fuera de este recuento a cintas como “El Exorcista” de 1973 y dirigida por William Friedklin, que aun aterra en cualquiera de sus versiones y que trata sobre una niña poseída por el demonio. Para no ver solo y que puso de moda al diablo en el cine.
Pero hay otras películas más modernas que bien tienen su lugar en esta lista como la francesa “Al interior”, que juega con la sangre y una guaga no nacida. Lo mismo que “Alta Tensión” de Alexander Ajá que tiene a un sicópata sanguinario y una extraña poesía del horror. “El despertar del diablo” o “La colina de los ojos malditos” en su versión del 2000 es una digna representante del horror y demostró que hay que tener en cuenta a este director francés que en su última película no le fue tan bien; “Espejos Malditos” quedó en deuda, pero aún hay que tenerle fe al joven exponente.
No olvidar otras cintas que no pueden faltar, hay tantas y de tantas variantes que sólo las nombraré. “Dracula” de Francis Ford Coppola es la mejor película del conde que se haya hecho hasta ahora. “Scanners” y “La Mosca” de David Cronnenbeg, un nombre indispensable para el género. “Suspiria” y “Rojo Profundo” de Dario Argento, poesía y sangre por el igual en cine italiano de horror. “Sexto Sentido” de M. Night Shimalan, fantasmas y ternura. “Freaks” de 1932, horror del pasado. “Puerta al Infierno” (Hellraiser, 1987), buena mezcla de sangre y sustos, aunque tuvo secuelas innecesarias. “El descenso” del 2005 es una cinta de horror feminista.
Ahora no queda más que acomodarse y disfrutar del miedo con este puñado de películas.

“UP: Una aventura de Altura”: Una animación de calidad

2009-08-11T19:19:00.000-07:00

· “Up, Una aventura de altura” es la nueva apuesta Disney-pixar que arrasó con la taquilla y es una demostración que el cine comercial puede también regalar joyas imperdibles como ésta y se estrena este jueves en el cine Star de Copiapó

“Up...” cuenta la historia de Carl Fredricksen, es un vendedor de globos que finalmente consigue llevar a cabo el sueño de su vida al enganchar miles de globos a su casa y salir volando rumbo a América del Sur, pero descubre demasiado tarde que la mayor de sus pesadillas se ha embarcado también en el viaje: un Explorador o boyscout llamado Russell, que tiene ocho años y un optimismo a prueba de bomba, que pone en peligro su sueño, que es cumplir el deseo de su difunta esposa.
Lo que parecía imposible, Pixar y Disney, lo logran otra vez y es entregar una película diferente y que se transforma en un placer para niños y adultos. Un viejo gruñón hace lo que un robot hizo el año pasado (“Wall-e” que parecía insuperable”) y que es entregar un personaje hermoso, intenso y profundo. Es que esta cinta, la humanidad es un rasgo primordial, que hace de Carl, un ser entrañable, que logra emocionar y también entretener. Es notable como “Up”, nos logra aterrizar y reflexionar sobre temas como la edad, los sueños y por sobre todo el amor. Es que el guión de esta película es tan efectivo que logra en una sola secuencia profundizar sobre Carl y su vida. En pocos minutos recorrimos los 78 años de este personaje, desde su profundo amor por Elie, su matrimonio, su imposibilidad para tener hijos y la dolorosa muerte de su amada, que en sí es quizás, una de las secuencias más logradas que nos haya regalado la animación en los últimos años. Una sola secuencia que por sí sola es capaz de estremecer, reflexionar y emocionar.
Lo que parecen ser temas muy adultos, como la muerte y la imposibilidad de tener hijos, son tratados de tal forma que funcionan en el contexto de una película para niños y niñas, sin sacrificar la profundidad. Aunque hay que reconocer que en esta cinta en tan sólo unos minutos se desborda la emoción. Tanta realidad y tanta dureza, se contrapone con el sentido lúdico que da la trama y es que rellenar cientos de globos con helio para elevar la casa, es una fantasía que logra equilibrar lo duro del personaje y lo duro que se desarrolla esta comedia animada con tintes de drama romántico.
Es esa contraparte la que sostiene a “Up” y que lejos de transformarse en una incongruencia, la potencia. El viaje fantástico e imposible, en el que Carl es acompañado por un niño boy scout, que también arrastra sus propias carencias, se transforma en un símbolo ineludible del escape de una sociedad donde los adultos mayores y los niños o niñas con familias diferentes (Rusell, el niño explorador es hijo de una familia divorciada y de un padre ausente) tienen una cabida menor. Elevarse en globos para viajar a un lugar desconocido y paradisíaco, es salir de una sociedad discriminadora e irrespetuosa. Y es en este viaje donde “Up” se encarrila directamente a la acción sin frenos, a los chistes inteligentes y por supuesto a reflotar con humor la profunda humanidad de sus personajes. La fantasía se acrecienta cuando conocen a “Dug”, un perro parlanchín y a “Kevin”, un ave bastante extraña. Ahí en ese contexto de la fantasía más profunda, “Up” explora otras aristas como es el amor, el recuerdo y la lealtad como valores casi ausentes en la actualidad.
“Up” es una cinta maravillosa. Un placer para grandes y chicos que golpea en el corazón y que estremece hasta en sus partes más fantasiosas. Una verdadera obra maestra del nuevo cine de animación dirigido a los niños y niñas, donde los temas cada vez se profundizan, pero que tampoco dejan de lado el espacio para la fantasía y por sobre todo, el espacio para soñar. “Up” es una película imperdible e ideal para toda la familia.
Ojo con dos secuencias que son capaces de arrancar más de una lágrima y con un final esperanzador y donde la realidad convive con la fantasía. En suma, “Up” es un clásico instantáneo y entretenido.

Cine en Copiapó: Gracias por el favor concebido…

2009-08-02T19:50:00.000-07:00

• La Capital de Atacama cuenta con dos salas que en sus primeras semanas demostraron que lo suyo es el cine comercial

Desde octubre del 2005, Copiapó vivió una oscuridad cinéfila en cuanto a salas comerciales. Con el cierre del cine Alhambra, también cerró la opción de ver cine en una sala comercial y tuvieron que pasar casi cuatro años para que terminara esa oscuridad. El cine Star de Copiapó, tal como su nombre, brilló en el firmamento del cine comercial y regaló dos salas, que hoy parecen sacadas de un sueño si se comparan con el antiguo, pero nostálgico, cine Alhambra.
Tecnología de punta, que va desde sonido Dolby Stereo Sourround hasta la proyección en Cinema Scope, un sistema único que entrega nitidez y amplitud en una pantalla gigante, es la que trajo este nuevo recinto que luego de varios meses de dudas, por fin vio la luz con tres películas que quedarán en la retina de los cinéfilos locales, la olvidable “Dragon Ball, Evolution” , la entretenida y animada “Monstruos versus Aliens” y la innecesaria “Wolverine, X-men 4”.
Fueron películas comerciales y que por hoy parecen ser la mejor marca del cine local y que ha seguido la tónica en los estrenos siguientes. “Rapido y Furioso 4” (entretenida y vacía), “Una noche en el museo 2” (solo entretenida) y “Star Trek” (Interesante y un descubrimiento). Quizás no hay espacio para un cine más alternativo, pero sin duda, el cine comercial también tiene mucho que decir. “Star Trek”, por ejemplo, es una cinta interesante y es que hoy el cine arte puede ser un templo de calidad, pero hay cintas comerciales que también pueden entregar frescura y calidad. Además ya tuvimos estrenos mundiales como “Harry Potter” (algo lenta y sólo para fanáticos) y la “La Era del Hielo 3” (delirante, pero repetitiva). No queda más que ir y ver al cine comercial con los ojos que se merece… los ojos de la entretención y de repente puede salir más de alguna sorpresa….

Madre hay una sola: Un homenaje a todas las madres (el cine y la madre)

2009-05-10T18:35:00.000-07:00

* Un homenaje en especial para mi mamá y a las que debutan en las lides de la crianza (Naty en especial)

Madre hay una sola. Y lo sé porque mi madre es única en toda su dimensión y de verdad no he conocido a otra como ella. Y es que cada uno tiene una figura maternal que nos llena aunque no sea la madre biológica, aunque no sea desde donde estuviste recalado nueve meses… La madre es fundacional, para ti como persona y para todo lo que sigue y no es cliché decir que madre hay una sola… porque lo es… y en el cine también lo es… acá algunas películas que muestran el poder del amor maternal por sobre todo…

“Todo sobre mi madre” (1999)

Imposible no comenzar con esta película. Fundamental para entender el tratamiento de la madre y mujer en el cine. Imprescindible para entender la obra de Pedro Almodóvar. Manuela idolatra a su hijo, que comienza a demostrar su talento como escritor y precisamente lo hace con una oda a su madre. Esteban la adora y Manuela trata de proteger al joven ocultándole la identidad del padre, pero todo se ve truncado por el destino y que hace que Manuela inicie un viaje de redención con su pasado y en especial con su rol de madre. Es una película intensa y hermosa en todos los sentidos. Almodóvar no dejó atrás su particular mundo (inundado de travestis, transexuales, homosexuales, lesbianas, monjas ninfómanas, etc), pero sin duda en esta ocasión se centro en el profundo lazo familiar que se crea más allá de la sangre. Una película que deber ser vista para entender que una madre es capaz de cualquier cosa por su hijo y que el dolor es el redentor más fuerte que hay. Es una Obra Maestra del cine español y quizás la mejor película de Almodóvar. Imperdible y repetible hasta el cansancio. (Mayores de 18 años, pero niños/as de 14 la pueden ver sin ningún problema. Sólo tiene una escena sexual suave, algunas referencias a la sexualidad de los personajes, un desnudo y elementos temáticos adultos). IMPERDIBLE

“Las Horas” (2002)

Stephen Daldry dirigió esta particular visión de la vida de Viginia Woolf (interpretada magistralmente por Nicole Kidman), pero que tiene sus claves no solo en el universo femenino esencial si no también en la profunda importancia de la maternidad en la vida de las mujeres y de cómo esta puede transportar y voltear su mundo. Tres mujeres unidas por un relato central (“La Señora Dolloway” de Virginia Woolf) intentan comprender el intrincado mundo en el que les correspondió vivir, como la dura sociedad de la décadas de los 50 donde una mujer interpretada por Julianne Moore siente terror al embarazo y a la crianza de su hijo. En el fondo es un torbellino para entender sus propias carencias y sabe que ser madre es postergar su sexualidad, sus sueños y muchas veces sus sueños. Todas las mujeres en el relato sienten que ser mujer es un proceso fuerte y donde la sexualidad es una intrincada marca en sus existencias. Hecha con mucha poesía, esta película es importante para pensar que quizás nuestras madres debieron postergar muchas cosas por nosotros. Más allá de la sexualidad de los personajes, “Las Horas” es un relato hermoso y digno de apreciar y comentar. (14 años, niño/as en compañías de sus padres por algunas temáticas adultas como el suicidio y el SIDA). HERMOSA.

“Terminator y Terminator 2” (1984 y 2001)

Ambas son clásicos de la ciencia ficción. La primera hacía gala de un guión inteligente más que de efectos especiales y

la segunda agrega a su mérito unos efectos especiales revolucionarios para la época y que aún funcionan muy bien. Sarah CONNOR, la gran protagonista de la saga (interpretada por Linda Hamilton, en el rol de su vida y porque no decirlo en un personaje que tiene su estampa y su registro es difícil imaginarse a una Sara CONNOR diferente y

quizás eso pasa con la serie “Las Crónicas de Sara CONNOR” y su poco despegue), es una madre que hace de todo para proteger a su hijo y de ahí ara proteger a la humanidad. Porque para una madre no es nada pasar de la inocencia a la lucha armada, pasar de la candidez a la rudeza casi masculina y todo para proteger a John. ¿Qué otra madre haría eso?, sin duda que todas. Decir que la saga Terminator es lograda en sus dos partes no es menor y es que ambas se sustentan en el amor, la entrega, la incondicionalidad de una madre para cuidar a su hijo más allá de cualquier futuro posible. (Ambas mayores de 14 años, por la violencia y la primera por unos desnudos. Niño/as la pueden ver sin dramas con sus padres). AMBAS EXCELENTES.

“Psicosis” (1960)

Es un clásico del terror dirigido por Alfred Hitchock. No hay mucho que decir, solo que así como buena madre marca a las personas, uno muy buena, puede marcarte más allá de la muerte. Es una película que hoy no funciona tan bien como en su época, pero la sola escena de la ducha es un prodigio en montaje y música. Ojo con la secuencia cuando Norman visita a su madre. Madre al límite, pero no tan positivo. (Mayores 14 años, por un poco de violencia. Niños/as la pueden ver sin drama). ACADÈMICA.

“Forres Gump” (1994)

En su año arrasó con los premios y si bien para muchos el personaje de Forrest marcaba un hito, también lo es el personaje de su madre. Sin esa persona hermosa, incondicional y amorosa, Forrest no hubiera llegado a ningún lado. Interpretado por Sally Field, aca tenemos a una muestra más de la incondicionalidad de una madre, de su ilimitada capacidad para hacer cualquier cosa por que su hijo viva lo más normal posible, aunque tenga serios problemas intelectuales. Forrest es un poco lento, un poco torpe, enfermizo, pero eso no importa, porque ella logra que sea un gran hombre. Vivan las madres y premio especial para la madre de Forrest. (Mayores de 14 años, por algunas temáticas adultas como uso de drogas y algunas insinuaciones sexuales. Niños/as la pueden ver sin drama).

“Dulce Amistad” (1996)

“Beautiful thing” es su título original. Acá una madre soltera trata de educar a su hijo en un barrio de clase baja en la Inglaterra de los 80. Extrovertida y hasta castradora, esta madre demuestra que su hijo es todo. “Yo he sido capaz de robar por darle de comer”, le dice a su novio bastante años menor. La historia es de descubrimiento sexual entre dos adolescentes, uno que vive solo con su padre y hermano, y su vecino, que vive con su madre. Ambos explosionan en una sinfonía de amor desbordante que supera cualquier cosa, incluido los prejuicios, sus miedos. Acá la madre da todo otra vez, primero desde la trinchera de la comprensión (trata de entender la homosexualidad de su hijo) y después desde la trinchera del apoyo (ojo con la escena donde ella sale a bailar con una mujer, la mejor amiga de los chicos, sólo para demostrar que ama a su hijo). HERMOSA y con una madre combativa e imitable. (Mayores de 14 años por elementos temáticos, aunque niños/as la pueden ver sin problemas).

“Sexto Sentido” (1999)

Un clásico del terror psicológico en la que un niño literalmente “ve gente muerta”. Un psicólogo trata de ayudarlo y también lo hace su madre, que no entiende que pasa por la aproblemada cabeza de su retoño, pero a pesar de todo hace lo posible por entregarle lo mejor, desde la educación hasta el apoyo en sus momentos más duros. Una madre que nuevamente demuestra que una mamá puede estar en todos los momentos, en los mejores, en los peores, aunque esto incluya codearte con cadáveres ambulantes. Excelente como experiencia cinematográfica y hermosa como relato madre-hijo. (Todo Espectador, puede resultar demasiado terrorífica para niños/as muy pequeños/as). IMPERDIBLE.

“El curioso caso de Benjamín Button” (2008).

Una madre adoptiva que demuestra que a veces la sangre no crea los lazos más intensos. Una película larga, algo floja por pasajes y con un par de secuencias memorables, pero que en sus mejores pasajes está precisamente en el amor que entrega una mujer afroamericana a un hijo que “encuentra” en la puerta del asilo para ancianos donde trabaja. Quizás no tan desarrollada, la relación entre este hijo y esta madre es similar a lo que ocurre en “Forrest Gump”, pero con la diferencia que acá la madre es adoptiva. INTERESANTE por pasajes y una madre que otra vez está en “aquellos” momentos”. (Todo Espectador).

“El sustituto” (2008)

Angelina Jolie es una madre que busca desesperada a su hijo. No hay peor dolor que la pérdida, que la incertidumbre de no saber que pasó. Un buen día unos policías le traen de vuelta a un niño que aseguran es su hijo perdido, pero ella intuye que no es. Y reanuda la busqueda. “Una madre nunca dejará de buscar”, dice. Y es que acá el dolor se mezcla con la intriga en una cinta que demuestra porque madre hay una sola. Dirigida por Clint Eastwood es una joya que demuestra porque Eastwood es un director como pocos y que ahora utiliza la intuición de madre como sustento. (Todo Espectador)

“Bailarina en la Oscuridad” (2000)

La película de Bjork, aunque en rigor ella es la protagonista en una actuación que deslumbra y sobrecoge. Dirigida por Lars Von Traer, es un canto a la vida, al amor maternal en toda su dimensión. Selma es una obrera que trabaja cada día duro para conseguir el dinero que permita a su pequeño hijo ser operado y que no corra su misma suerte, ella esta quedando ciega debido a una enfermedad genética. Su mundo de tornillos y máquinas es matizado por su imaginación que transforma todo en un escenario como aquellos musicales de los 50 que tanto adora. Y es que la música la transporta, la lleva más allá de los problemas y hace que ella pueda sobrevivir a este cruel mundo. Pero la tragedia llegará y del lado que más duele: Su hijo. “Bailarina en la oscuridad” es un golpe directo a los sentidos, al dolor, es como meter en dedo en la llaga. Una madre hace todo por su hijo, sin duda. Una película dura, intensa y emocional. HERMOSA, RUDA y EXCELENTE: (Mayores de 14 años, por un poco de violencia, niños/as con sus padres sin rollos).

“Solas” (1999)

Es una película española que funciona en todos los niveles de análisis, como cine feminista, como cine maternal y como cine a secas. Es una película cargada de emoción y es que se centra en la relación madre-hija-hija. María queda embarazada, está sola y su madre se ve obligada a irse a la ciudad porque su esposo está gravemente enfermo. Ambas comparten una soledad que va más allá de la compañía masculina, si no que una soledad que las recorre desde que puntos diferentes se incomprendieron mutuamente. Es el momento de saldar deudas, de unirse, de llorar y apoyarse. “Solas” es un relato lineal y emocional que hace querer comprender el intrincado mundo de las mujeres y de las madres. EXCELENTE.

Hay muchas más sin duda, pero lo importante es saber que MADRE en el cine es siempre única…. BESOS A TODAS LAS MADRES DEL MUNDO… pero en especial a la mía.

Teleseries: Evolución innegable, entretención con variantes y censura increíble… Todo un mundo después de almuerzo

2009-05-01T19:37:00.000-07:00

• Ya quedaron atrás las historias típicas ahora las teleseries se atreven a todo (y literalmente lo hacen) y no le hacen el quite a ningún tema. Un género casi representativo de Sudamérica y que no está lejos de la polémica.

• “En el nombre del amor” se llama una producción que ha sufrido cortes en su exhibición en Chile, a través de las pantallas de Mega, por una cuestión tan simple: la debilidad del ser humano.

Las teleseries han evolucionado enormemente y se han convertido en un género que si bien es considerado por algunos como una oleada de mal gustos y clichés, también es cierto que nadie puede decir que es un género estático.
Atrás quedaron las tramas que hicieron famosas a estas producciones como los hijos/as perdidos/as, la heroína ciega, el joven bueno que es engañado, embarazos inexistentes, etc. Si bien muchos temas se mantienen, han variado a otras problemáticas que incluyen literalmente casi de todo, desde incesto, homosexualidad, lesbianismo, tráfico de órganos hasta abusos sexuales y mucho más. Ahora después de almuerzo o en cualquier horario, la teleseries pueden esconder más de una sorpresa.
Además, tampoco hay que negar que su evolución no sólo está en su trama, si no también en la calidad de sus imágenes (TVN por ejemplo se jacta de transmitir en Alta definición, con lo que pretende compensar la trama un tanto floja de su teleserie los exitosos Pells). Hay teleseries que se olvidaron de la cámara estática, de los diálogos en plano medio o acartonados y apuestan por más, sin dejar de lado o traicionar el género. Hay secuencias hermosas por su carga y por su osadía (basta recordar Pampa Ilusión de TVN que tiene una de las secuencias mejor filmadas en el género en Chile, aquella donde Mister Clark (Héctor Noguera), es sacado de su casa sin moverlo de la cama).
Hoy en día la teleseries provienen de varios países, aunque en Chile siguen predominando las Mexicanas, Venezolanas, Brasileñas y las híbridos (teleseries hechas en Estados Unidos con reparto multinacional) y son sin duda un referente porque si se suma su sintonía uno podría dimensionar lo que significan como industria y como impacto social, de ahí que su evolución sea innegable, aunque en Chile esta evolución se ha dado casi exclusivamente en las llamadas Teleseries Nocturnas de TVN y en las pocas que ha hecho Chilevisión, porque a mi gusto, las teleseries de las 20 horas sufren una crisis creativa impresionante.
Podemos encontrar en las pantallas de Chile Teleseries como “Doña Bárbara”, basada en la novela clásica de Romulo Gallegos y que tiene escenas que impresionan por la violencia y por su sensualidad y que Chilevisión transmite sin problemas a las 14.30 horas. La teleserie partió excelente pero ha tenido un flojo avance, a pesar de eso es destacable que se atrevan a tocas temas como las dictaduras latinas, una violación múltiple, el abuso de poder y la promiscuidad. Lo mismo ocurre con “El Rostro de Analía” que trasmite también Chilevisión y en donde hay desde guaguas pérdidas, hasta una heroína que perdió la memoria, pero ojo, que esta teleserie debe ser una de las más innovadoras de su género y la razón es simple, la forma en que está grabada y la forma en como tratan su trama. El tratamiento es primordial porque acá se olvidaron de las cámaras espías y utilizan travellings, movimientos de cámaras fuertes, picados, contrapicados y muchas otras variantes del lenguaje audiovisual que anteriormente eran poco utilizados por el género. Además, su trama es muy compleja (incluye un cambio de rostro) y también roza algunos temas interesantes como la diferencia social en Estados Unidos, el estigma de los latinos, el exitismo y como broche de oro, está la prostitución, además de un personaje lésbico que se aleja un tanto del estereotipo. Como todo tiene sus reparos en algunos elementos estereotipados (como la mala y la buena), pero es quizás un ejemplo de cómo la Teleserie de ayer no es ni parecida a la de hoy.
En Chile nos quedamos pegados en cuanto a las teleseries de las 20 horas y es que TVN parece atravesar una crisis creativa en ese horario y atrás quedaron verdaderas Obras Maestras de género como la ya nombrada “Pampa Ilusión” o la extraña “Destinos Cruzados”. Lo mismo en el canal 13 (o TVUC) que a pesar de sus restricciones editoriales (que a veces ni se notan para ser sinceros) realizó un híbrido con historias que uno puede jugar a identificar de donde la sacaron o de que película es (por ej. Juno o Quedate a mi Lado (“Stepmon”, por nombrar algunas). Habrá que esperar a ver que sucede con la producción de Chilevisión, que en los años anteriores logró refrescar el género de las 20 horas con “Mala Conducta” y “Vivir con 10”.
Lo raro de esto es que a las 22 horas, las teleseries de TVN parecen ser de otro mundo. No parece que fuera el mismo canal y uno puede entender que hay más libertad para tocar ciertos temas (los Pells se atreve con la homosexualidad, aunque hay que decir que con personajes que son caricatura y que a veces dan vergüenza ajena, aún así parece una teleserie infantil) o de tener más posibilidades de jugar con el lenguaje, pero son tan diferentes. Basta recordar hitos como “Alguien te mira”, una verdadera Joya en su género no sólo por su trama totalmente diferente si no también por su tratamiento.
Las Teleseries tienen de todo y nadie lo puede negar o basta preguntarle a MEGAVISION y su censurada teleserie de las 14 horas. “En nombre del amor”, donde un cura tiene que decidirse por el amor de tres hermanas. Bueno aunque en Chile no se entiende nada de nada, porque sacaron todas las escenas que pueden “ofender” a la iglesia. ¿No habría sido más honesto NO transmitir la Teleserie? Me imagino que pensarán los sacerdotes del cura karateca de “El Rostro de Analia”, menos mal que esa teleserie no la transmite MEGA, porque ahí si que dan 5 minutos por capítulo (desde las balaceras, los intentos de violación, los desnudos, la prostitución, el consumo de drogas, el lesbianismo y el cura karateca)… en fin es una demostración que las teleseries de hoy en día han evolucionado hacia varios temas y también lo han hecho en su estética y lo que es mejor en su lenguaje audiovisual. Hoy ya no es vergüenza ver teleseries, hasta en cierta medida es un buen acercamiento a un género considerado menor, pero que por hoy es uno de los reyes de los canales de TV.

En el nombre de la Fe.... o un puñado de películas para ver en Semana Santa

2009-04-05T21:09:00.000-07:00

* Si buscan una lista de películas tradicionales esta no es su lista. Aca les regalo una selección de cintas que en algún lado tocan el tema de la Fe, la religión o Dios desde varios prismas...

La Fe mueve montañas y también rollos de cine. Desde el nacimiento del cine, la religión y la fe han sido importante de la creación de películas lo mismo que la vida de cristo, santos y hasta el mismo demonio ha desfilado en innumerables películas. Acá una lista con algunas contemporáneas, algunas con una vuelta de tuerca al tema y otras que han movido el piso de los más dogmáticos... lo cierto es que la Fe y Dios, siempre han estado presente en el cine.

Aca esta la lista:

“Azul, Blue” (1993)

La redención, el perdón y el amor en una historia profundamente cristiana sobre la capacidad de perdonar. Julienne Binoche interpreta a una mujer que pierde a su esposo durante un accidente y descubre que él la había engañado por años con otra mujer. Una escena hermosa y trascendental es cuando varios personajes reencuentran su redención al son de las prominencias del amor (I Cor. Capítulo 13) el pasaje más real de la Biblia y el más hermoso. Esta es la primera parte de la serie “Tres colores” de Krystof Kiewlowsky el director polaco más importante de la década de los 90 y que con esta cinta logró la perfección narrativa y emocional. Imperdible e ideal para quienes tienen rollos con el perdón. 14 años (aunque véanla con sus hijos, es un poco lenta pero hermosa). EXCELENTE.

“El Exorcista” (1973)

Más de alguno puede pensar que es una locura ver esta película en Semana Santa o una herejía. Bueno puede ser lo uno y lo otro, pero lo cierto es que “El Exorcista” es una pieza fundamental del cine religioso, aunque en este caso en clave de horror. Una niña comienza a sufrir graves trastornos cuando asegura estar poseída por el mismísimo demonio. Dos curas son encargados de realizarle un exorcismo. Una practica antigua y no aprobada por la iglesia católica. Es sin duda un clásico del terror y para muchos la película más aterradora de todos los tiempos, pero que se nutre de la religión y de la fe para crear toda su atmósfera delirante e inquietante. No hay mal sin bien, ni viceversa y no hay bien que no derrote al Mal. Acá la inocencia es corrompida por el demonio a través de un juego, donde la base está en el quiebre de la fe perdida y lo vulnerable de aquellas personas que no la poseen. Al menos eso ocurre en la cinta y después es la misma Fe la que permite redimir a la inocente y recuperarla del mal. ¿No es eso lo que todas las religiones plantean? Y más aún acá se logra utilizando pasajes de la Biblia. Hay que verla con criterio y acompañados, porque aún después de años logra atemorizar en cualquiera de sus versiones (recuerden que el 2000 salió una versión con escenas nuevas). Como cine es un logro de William Friedklin y además creó toda una escuela en cuanto a cine de terror se trata. Indispensable para los amantes del horror y recomendable para los que buscan religión en las películas. 14 años (un par de escenas violentas y lenguaje alusivo a la sexualidad). TRIUNFAL y EXCELENTE.

“La Pasion de Cristo” (2004)

Quizás una típica de Semana Santa y que en 20 años será como “Jesús de Nazareth” (que no es mala, al contrario), es decir programación obligada. Bueno lo cierto es que esta película tiene un valor especial por varias cosas. Es cruda como ella sola. No deja pie a la nada y se ensaña con un cristo que a veces los vemos demasiado humano en su sufrimiento. No hay divinidad en su arrastre y en sus pellejos esparcidos cuando es azotado. Además no tiene pelos en la lengua

para fraguar una postura antisemita (Mel Gibson, el director, culpa a los judíos de la muerte de cristo, que en el fondo es como culpar a los Alemanes del Holocausto. Es decir utiliza la culpa y el castigo como redención, algo no muy cristiano ¿o me equivoco?). Las 12 horas finales de Cristo están relatadas con misticismo, poesía y dolor (su más grande valor) y con secuencias surrealistas muy bien logradas (sueños oníricos con el demonio, con la flagelación y con su madre). Similar a “C

orazón Valiente”, pero más honesta, menos gritona y menos sobreactuada. Ideal como relato “histórico” y para realzar la figura central del cristianismo. Como cine es un relato interesante, que se acerca al horror, drama y al cine épico religioso. MUY BUENA. 14 años (violencia extrema)

“La última tentación de Cristo” (1988)

La película maldita. ¿Por qué no? Bueno es ideal para Semana Santa por dos razones. La primera es porque toma la figura central del cristianismo y recrea situaciones que no están escritas, pero que se interpretan a la reacción de un Cristo humano, alejado de lo divino, sublevado por la carne, la tentación y el sexo. Pero que en el fondo, renuncia a todo lo humano que se le presenta para retomar su papel de redentor de la humanidad. Lo segundo está en la tolerancia, hay que recordar que estuvo prohibida “gracias” a los católicos más conservadores y a unos tipos que se creen la Liga de la Justicia de los valores (pobrecitos, me dan pena). Esta cinta demuestra cómo el cristianismo reacciona frente a una “recreación” a una interpretación o invención de hechos que nacen de la mente de un escritor y adaptadas por un director de cine. Dem

uestra que el cristianismo tiene su talón de Aquiles en la tolerancia. Acá Cristo sufre constantes pesadillas, alucinaciones y sueños en los que se ve tentado por el deseo sexual. Hay escenas que pueden incomodar a los cristianos más puritanos, como la orgía interracial que presencia Jesús y que despierta su carnalidad frente a Maria Magdalena. Aún así, hay que decir que esta película es profundamente dogmática en sus resoluciones más básicas y tremendamente cristiana frente a la figura de un cristo (que ellos mismos aclaran es ficticio) versus el cristo intachable que se presenta en la escrituras. Como cine es intensa, valórica y un ejercicio visual potente como todo lo de Martin Scorserse. Injustamente perseguida es una bofetada a aquellos cristianos acérrimos e intolerantes. 18 años (algunos desnudos, una escena de sexo, nada grave la pueden ver mayores de 14 junto a sus padres). MUY BUENA.

“El ocaso de un amor” (1999)

Dirigida por Neil Jordan ("El Juego de las lágrimas"). La cinta narra el romance prohibido entre una mujer casada y un escritor durante la segunda Guerra M

undial. Ralph Fiennes (quien venía de ser un héroe romántico en "El paciente Inglés") y Julianne Moore (nominada al Oscar, por esta excelente actuación), son los amantes que juegan, entre bombas, a tener un amor que esta lejos de la moral y que se acerca a una pasión desbordada que se impone por sobre la amistad y la fe. Pero este amor tan intenso sufre un final y el escritor se niega a dejar pasar a quien era el amor de su vida y trata por todos los medios de averiguar porque ella lo dejó. Un secreto que sorprende y que hace comprender que el amor está más allá de la razón. Un secreto que además demuestra una profunda religiosidad (no quiero revelar el secreto para no perder la magia) y que hace plantear el poder de la FE y los “intrincados caminos de DIOS para hacerse conocer”.

En una de las escenas ella le dice: "El Amor no se termina solo porque no te vea" (una frase que secundó en mi MSN por muchos años), y le replica que hay gente que ama a Dios, a pesar de que nunca lo ha visto... ¿El amor puede sobrevivir más allá de estar con alguien?... Hay gente que ama por años a quien dejan de ver y que usa la FE para amar... Eso plantea esta película junto con un juego sobre la fe y los milagros. Neil Jordan (director de "El Juego de las lágrimas") nos estre

mece con una fotografía deslumbrante, con una música potente y un guión hermoso. Una película intensa que emociona y que sirve para comprender que el cine es una turbina de emociones que no necesita de efecticismo para cumplir su efecto. Es una película muy romántica, pero profundamente religiosa y que usa a DIOS de una forma diferente y que conviene analizar (mayores de 18 años por un par de moderadas escenas sexuales, Aunque mayores de 14 la pueden ver sin problemas). EXCELENTE.

“Sacerdote, un hombre de fe” (Priest)

Esta película de Antonia Bird es un fiel reflejo de la intolerancia de la iglesia y de cómo se aboga el poder absoluto del perdón, la fe y como se apropia de Dios. La historia se centra en un joven sacerdote que tiene una doble vida donde recorre lugares en busca de romances homosexuales. Todo bien mientras el asunto no se hiciera público, pero un encuentro en una plaza hace que quede detenido y provoca que toda la comunidad lo relegue. La iglesia lo traslada y lo oculta.

Mientras su mentor y compañero de parroquia inicia una lucha para que el joven cura regrese y haga valer su derecho al perdón, todo en medio del cuestionamiento del celibato y de cómo la institución se apropia de DIOS a través de dogmas que castran, condenan y llegan incluso a anular. Una película que puede herir sensibilidades, pero que demuestra que el verdadero valor del cristianismo también se refleja en la capacidad de perdonar y de amar sin condiciones. (18 años, aunque puede ser vista por mayores de 14 años, ya que tiene sólo referencias sexuales). MUY BUENA.

“El Crimen del Padre Amaro” (2002)

Dirigida por Carlos Carrera y protagonizada por Gael García Bernal. Esta cinta se centra en la vida de un sacerdote que mantiene un romance con un cándida joven, la que queda embarazada pero el sacerdote para evitar el escándalo la obliga a abortar. Suena terrible y lo es, ya que la película sin tapujos desnuda una realidad de la iglesia sobre el celibato y de cómo se usa a Dios como un elemento castrador y castigador. Aunque acá el malo es el Padre Amaro, que se nutre de los vicios de una institución corrupta y que es capaz de taparse los ojos con tal de mantener el estatus (al menos eso muestra la cinta). Acá la fe queda en segundo plano y DIOS relegado a las iglesias. Hay escenas muy polémicas como cuando el cura utiliza la túnica de la virgen de Guadalupe para hacerle el amor a la joven. Su valor sólo está en l polémica y en como la fe en algunas personas es solo un concepto, sin importar si son sacerdotes o no. (Mayores de 14 años, niños/as con reserva por un par de desnudos y una escena de sexo). REGULAR.

“En el nombre de Dios” (2002)

De Meter Mullan. Otra vez

la moral y DIOS es instrumentalizado para expresar intolerancia y castigo y lo peor es que está película esta basada en hechos de la vida real. Un grupo de muchachas era enviada a rigurosos conventos por sus propias famil

ias debido a que “pecaban”. Algunas habían sido madres solteras, otra sufrieron violaciones lo que supone la pérdida de la inocencia y otras simplemente demostraban demasiado coquetería. En el convento sufrían una serie de vejaciones y malos tratos en “nombre de DIOS” y como una forma extraña de purgar sus pecados. Ideal para

entender que la fe, el castigo y perdón no son virtudes de algunas instituciones que se dicen “templos de DIOS”. Dura, pero necesaria cinta para esta semana santa. (Mayores de 14 años, por desnudos y una escena sexual que involucra a un sacerdote y a una joven con discapacidad mental. Niños/as con reserva). MUY BUENA.

“Jesús de Montreal” (1989)

Denys Arcand dirige una cinta que causó polémica, pero que a la vez se transformó en un referente sobre la fe. Cuando en la Basílica de Montreal se dan cuenta que la obra de teatro de “la Pasión de Cristo” necesita actualizar su guión, contratan a un joven actor para realizar una nueva versión de la obra, quien decide además interpretar a Jesús en la misma. A medida que empieza a crear la nueva obra se empieza a generar un paralelismo entre el actor y la vida de Jesús, alrededor del cual suceden ciertos hechos, y desde donde los cuales se hace una crítica a la sociedad urbana, a los valores de la misma, el sexismo, la fama, los medios, el legado espiritual de Cristo, la iglesia, los falsos ídolos y sobre todo de la banalización de FE en la sociedad moderna. Más allá de algunas polémicas, Jesús de Montreal es profundamente reflexiva y con momentos que invitan a reflexionar. (18 años, pero ahora puede ser vista por niños/as en compañía de sus padres por dos desnudos). BUENA

Contra viento y marea o Rompiendo las Olas (1996)

Von traer dirigió una película dura, terrible y áspera que se convirtió en un verdadero canto al amor y la Fe en DIOS. Emily Watson además entrega una actuación memorable y demoledora. Es también una cinta femenina, pero ruda de esas que nos dejan con la sensación de haber sido testigos de algo horrible de lo que no podemos hablar. La historia se centra en una mujer profundamente religiosa que mantiene conversaciones con DIOS y que se casa con un obrero de las petroleras. Su vida relentizada y anulada se ve sostenida por la FE, hasta que una tragedia pone a prueba su amor y su vida, su marido se pierde y Dios se lo devuelve, pero paralítico. Si pensaron que era todo ¡No!, una vez más su fe y amor se pone a prueba cuando su esposo le exige que se acueste con otros hombres para el poder mirar y explorar la sexualidad. Ella siente eso como la entrega mayor, como un regalo a DIOS de fe y sacrificio por su esposo y accede esperando que Él cure a su marido. Esta demás decir que esta película es una oda a la entrega absoluta, pero donde la Fe es primordial, lo mismo que la religión expresada en las conversaciones con DIOS y en que ella mantiene su candidez a pesar de los encuentros sexuales con extraños. Ojo con el final que es de antología. Ideal para pacientes y dogmáticos, pero también para transgresores. Una advertencia, es una película que se da su tiempo y que puede resultar cansadora, pero que es arte puro (18 años. Tiene escenas sexuales que resultan fuertes por la forma en que son presentadas. Mayores de 14 podrían verla con criterio y reserva de sus padres). EXCELENTE.

A esta lista se pueden agregar:

* Jesús de Nazareth (1978). La clásica que la dan una y otra vez por TV. Ideal para dogmáticos, aunque es una buena realización. (T/E). INTERESANTE.

* El Bebé de Rosemary (1968). Terror para semana santa con claras referencias al cristianismo y a la Biblia. MUY BUENA.

* Jesucristo Superestrella. Clásica. Irreverente en su momento, hoy dogmática. (14 años, aunque niños/as la pueden ver sin drama)

* El código Da Vinci (2006). Sólo entretención con atisbos de religión mezclado con ficción. Polémica barata. 14. REGULAR (solo entretención sin valor)

* Ben Hur (1959) Clásico entretenido. Ideal para dogmáticos. (T/E)

* El Nacimiento.(2006) Jesús viene al mundo y el mundo encuentra un salvador. Para dogmáticos. Buena producción, pero algo plana. (T/E)

* El evangelio según san Mateo (Piero Paolo Passolini). Una de las mejores adaptaciones de la vida de cristo. Dogmática total. (T/E)

* Marcelino pan y vino, en cualquiera de sus versiones sigue siendo “linda”. (T/E)

* Decálogo de Kiewslosky (bueno hay solo dos que se buscan por separado, son difíciles de encontrar pero no imposible. Se trata de “No amarás”, sobre el adulterio y “No matarás”, ambas son excepcionales.

Slumdog Millionaire: Cuenta conmigo Bombay….

2009-03-31T21:19:00.000-07:00

• La gran ganadora del Oscar es una cinta que apela a la amor fraternal y romántico para sustentar una historia que desnuda las miserias de la India actual y que sirve como un efectivo ejercicio cinematográfico bien engranado.

Jamal Malik es un joven pobre y analfabeto de los suburbios de Dharavi, en Mumbay (ex Bombay), que participa en un concurso televisivo de preguntas y respuestas (del conocido formato televisivo ¿Quién quiere ser millonario?, el mismo que acá animó un tiempo Don Francisco). El joven contra todo pronóstico llega a la final lo que desata las sospechas de fraude y es detenido, después de ser torturado, Jamal explica cómo todas y cada una de las preguntas hechas están relacionadas con algo sucedido en su vida, alternándose escenas del concurso con las historias que le hacen recordar la respuesta, entre ellas su dfícil infancia, la relación su hermano mayor y en especial con Latika, el gran amor de su vida y la gran motivación para ingresar al concurso.
La película está dirigida por el británico Danny Boyle (“Trainspotting”, “Exterminio”, etc) y está basada en una aclamada novela India de Vikas Swarup. Slumdog Millionaire (perro callejero millonario) es un ejercicio cinematográfico que tiene prestadas varias ideas o referencias y que se nutre de elementos de probada efectividad (como por ejemplo el montaje alternado de presente-pasado, el trabajo de niños, además de otros elementos técnicos), pero que sin duda dan un aire fresco básicamente gracias a la excelente dirección de Danny Boyle, que a pesar de manejar las similitudes y de saber sus referencias, logra matizar y denostar cualquier aire de copia. Es verdad que hay escenas que recuerdan a “Cuenta Conmigo” y otras que traen a la menoria a una de sus películas anteriores, “Dinero” para ser específico. Aún así esta especie de Drama Social-Romántico es un relato engranado con hilos de riesgo, pero que logra salir airosa y más aún logra transformarse en un referente visual y narrativo.
Más allá de su historia, donde la marginalidad es la dominante y donde India se muestra como alguna vez la vimos en “Salaam Bombay”, lejos del misticismos y más cerca de crudeza (en cierto sentido está emparentada con la brasileña “Ciudad de Dios”, aunque menos violenta y más social). “Slumdog Millionaire” es una cinta lograda de un relato hermoso y enternecedor, que esconde una postal desagradable de un país no desarrollado y en el que se demuestra que la marginalidad es un elemento que no quita humanidad, al contrario, que resalta ciertos valores, entre los que la solidaridad y el amor van a la cabeza.
Como cine es un ejercicio intenso y bien logrado. Como narración es una cinta hermosa, plagada de sentimientos y de crudeza. La mezcla de ambos hace que Slumdog Millionaire resulte una experiencia intensa, inmejorable y entretenida. Hay escenas hermosas, otras cómicas, algunas violentas, pero lo cierto es que en su total es un ejercicio excelente y que hace imaginar a Danny Boyle como artesano del cine capaz de manejarse en todos los géneros, ya lo hizo muy bien con el terror en la excelente “Exterminio”, con el drama juvenil en la excesiva pero buena “Transpoiting”, con la acción en la regular, pero lograda “Sunshine”. Quizás donde no le ha ido bien es en la aventura “La playa” es su única película con poco que aportar. Sin duda “Slumdog Millionaire” es el reflejo de su capacidad para ver el cine como fanático del cine y eso se nota. Boyle hace películas como las que el quisiera ver y eso se agradece. EXCELENTE. (ojo con los créditos finales y ese baile que hace que todo sea más lúdico).
“Slumdog Millionaire”. Director: Danny Boyle. Guion: Danny Boyle. Reparto: Dev Patel, Madhur Mittal, Freida Pinto, Anil Kapoor, Irrfan Khan. Todo Espectador (No recomendable menores de 7 años, por alguna violencia y por cierta crudeza social, nada grave). EXCELENTE
Trailer en español: http://www.youtube.com/watch?v=QygldUZhhO8
Trailer con subtitulos: http://www.youtube.com/watch?v=rzH4EabxxAc

Tuición a Padres/Madres homosexuales: ¿Chile está cambiando?

2009-03-12T11:08:00.001-07:00

Chile sorprendió con el caso de un padre gay que recibió la tuición de sus dos hijos, una niña de 10 años y un joven de 17, a pesar de vivir con su pareja

No puedo dejar de volver a opinar sobre temas que me sorprenden y este es uno de ellos. La justicia en un fallo histórico entregó la tuición de una niña de 10 años y de un joven de 17 a su padre, que reconoció su homosexualidad y más aún su convivencia con otro hombre. En una instancia única, el tribunal determinó que los hijos estarían mejor con el padre que con la madre, luego que ésta no concurriera a un procedimiento.

Este caso recuerda lo sucedido con la Jueza Karen Atala, quien sufrió todo lo contrario, ya que un tribunal determinó que su condición de lesbiana era impedimento para que fuera buena madre, como si la maternidad se llevara en los genitales.

Es un avance importante el dado por el Juzgado de Familia de Puente Alto y vengan mis felicitaciones a ese juez que tomó una decisión que sin duda sabía traería polémica y debate.

Y está más que claro que creo que las parejas homosexuales tienen tanta o más capacidad de criar a sus hijos/as (o hijos/as adoptados/as) que cualquiera pareja heterosexual. Sé que muchos/as de mis amigos/as piensan lo contrario, pero creo que más daño le hace a un niño/a la sociedad discriminadora que tener un padre o una madre gay. Acá el estigmatizante es el vecino/a intolerante, es el profesor/a ignorante, es la apoderada o apoderado imbécil, que traspasa sus propias trancas a sus hijos/as. Acá el que daña el desarrollo sicosocial de los niños/as es quien tiene en la cabeza el uso de los genitales y que le importa más la actividad sexual de los padres en la cama o la privacidad que lo que realmente debe importar y que son los valores y el cuidado, la protección, el abrigo y el amor.

Karen Atala demostró que adoraba a sus niñitas y que su condición de lesbiana era un detalle privado que nada tenía que ver con el nivel de cuidado que le daría a sus hijas. Ojalá comprendamos que el ser humano es amplio y de una vez por todas terminemos con la ignorancia. Hay estudios y re estudios que determinan que el daño o potencial daño a un niño/a que vive con una pareja homosexual, lo da el entorno en si, es decir la sociedad. Mejor dicho TU, TU y TÚ, que valoras a las personas por lo que hacen con sus genitales y no por el amor que le pueden entregar a sus hijos/as. Rabia me da pensar que sigue habiendo gente así en este mundo y más rabia me da pensar que mucha de esa gente es mi amiga y le tengo cariño… pero para que vean… Yo al menos soy tolerante.

Amor... amor y más amor: Películas para ver este 14 de febrero

2009-02-13T08:36:00.000-08:00

Si hay algo que mueve masas y a las personas, es el amor. Y el cine no ha estado exento de ello, desde los grande clásicos como "Lo que el viento se llevó" o "Casablanca", hasta cintas más modernas, el amor no está ausente. Acá una listas con algunas de mis películas de amor preferidas. Algunas ideales para pasar la velada abrazados y con hartos pañuelos en la mano. Hey, chicos, arrienden algunas de estas películas y de seguro quedarán como reyes del romanticismo. Ahi van.

1º.- "Los Puente de Madison" (1995)
Protagonizada por Meryl Streep (una heroína romántica que demostró que esta actriz es un verdadero prodigio) y Clint Eastwood, quien además dirigió la película por allá por 1995 y que se transformó en un clásico romántico instantáneo, que fue reconocido más en el mundo que en su país de origen (sólo fue nominada al Oscar Mejor Actriz, pero ganó una serie de premios internacionales entre los que se cuenta la nominación al César francés como mejor Película extranjera, lo mismo que en japón y otros países).

La Historia es simple, un fotógrafo de la National Goegraphic va al condado de Madison a retratar los puentes techados. Allí conoce a Francesa, una italiana que lleva años viviendo en el lugar y que se quedó sola luego de que su familia fuera a una feria de rodeo. Entre ellos nace un amor intenso, maduro y sutilmente erótico, donde sus sentidos se exaltan más allá de la pasión. Son sólo cuatro días, pero que para ellos es toda una vida... Y es que el amor que nace entre ambos es tan intenso y doloroso que los hace replantearse toda su vida. ¿Es legítimo dejar todo por amor?. En la sola escena de la camioneta hay más amor que en una tonelada de las comedias románticas dulzonas que andan circulando. Esa secuencia tiene más sensibilidad que todos los gritos sobreactuados de Mel Gibson en "Corazón Valiente", que fue la que ganó el oscar ese año. "Los Puentes de Madison" es un triunfo por donde se miré, basta ver la escena de la camioneta que es cine en su máxima expresión, casi sin dialogos, pero que demuestran la escencia del séptimo arte y que nos hace entender porqué el cine es considerado una expresión artistica, que impulsa a los sentidos y que logra emocionar. Eatwood con esta película se transformó en un referente y para mi "Los Puentes de Madison" es sinónimo de cómo hacer una película romántica. Imperdible para quienes aún tienen un poco de sangre en el corazón. Es mi película de amor favorita. (Todo espectador, mayores 7 años)http://www.starpulse.com/Movies/Bridges_of_Madison_County,_The/Trailers/

2º "El Ocaso de un amor" (The End of the affair) (1999)

Dirigida por Neil Jordan ("El Juego de las lágrimas"). La cinta narra el romance prohibido entre una mujer casada y un escritor durante la segunda Guerra Mundial. Ralph Fiennes (quien venía de ser un héroe romántico en "El paciente Inglés") y Julianne Moore (nominada al Oscar, por esta excelente actuación), son los amantes que juegan, entre bombas, a tener un amor que esta lejos de la moral y que se acerca a una pasión desbordada que se impone por sobre la amistad y la fe. Pero este amor tan intenso sufre un final y el escritor se niega a dejar pasar a quien era el amor de su vida y trata por todos los medios de averiguar porque ella lo dejó. Un secreto que sorprende y que hace comprender que el amor está más allá de la razón. En una de las escenas ella le dice: "El Amor no se termina solo porque no te vea" (una frase que secundó en mi MSN por muchos años), y le replica que hay gente que ama a Dios, a pesar de que nunca lo ha visto... ¿El amor puede sobrevivir más allá de estar con alguien?... Hay gente que ama por años a quien dejan de ver... Eso plantea esta película junto con un juego sobre la fe y los milagros. Neil Jordan (director de "El Juego de las lágrimas") nos estremece con una fotografía deslumbrante, con una música potente y un guión hermoso. Una película intensa que emociona y que sirve para comprender que el cine es una turbina de emociones que no necesita de efecticismo para cumplir su efecto. Es otra de mis películas favoritas románticas imperdibles. (mayores de 18 años. Aunque mayores de 14 la pueden ver sin problemas)

http://movies.uk.msn.com/video.aspx?suffixurl=/mymovies/ASF_ROOT/FilmMedia/film/fid71/trailers/trid72/wm/bb.asf m/video.aspx?suffixurl=/mymovies/ASF_ROOT/FilmMedia/film/fid71/trailers/trid72/wm/bb.asf http://www.youtube.com/watch?v=FfN_kV1FGUA

3º "Dulce Amistad" (1996)

Así se conocío en Chile a la película Beatiful Thing (Una cosa hermosa), de Hattie Macdonald y que data de 1996. En ella se cuenta el naciente romance de dos vecinos de Londres. Jaime es retraído y Ste sufre de violencia intrafamiliar. Una noche tras una golpiza, la madre de Jaime le ofrece quedarse en la casa, el problema es que deben compartir la cama. Los jóvenes de 17 años conocen de esa forma una variante de la sexualidad e inician un tierno romance. Es una película esperanzadora, hermosa, que hace creer en la simpleza de los sentimientos y que deja de lado los genitales para centrarse en el corazón de los protagonistas. Un canto al amor sin importar la condición sexual. Dos hombres se pueden amar... más que una película gay, "Dulce Amistad" es una película de amor. SI no la han visto... tienen que hacerlo para comprender que AMAR es aún posible... sin convencionalismos y como muchos profesan "el amor todo lo puede". (mayores de 14 años, aunque en rigor debió ser Todo Espectador)

http://movies2.nytimes.com/gst/movies/trailer.html?v_id=136106 mes.com/gst/movies/trailer.html?v_id=136106 http://www.youtube.com/watch?v=jRCvb9mQ6lg&mode=related&search=

4º "Eterno resplandor de una mente sin recuerdos"

Del 2004 y de Michael Gondry, el guión pertenece a Charlie Kauffmann. Es una historia compleja, una comedia romántica filosófica. Una clínica se dedica a borrar los recuerdos de las personas y en especial el recuerdo de aquellas personas que no queremos seguir extrañando. Jim Carrey (al fin una película decente, sí lo se, muchos lo odian, pero por favor denle la oportunidad en esta película) descubre que su ex novia (Kate Winslet, siempre tan adorable) ha decidido eliminarlo de sus recuerdos y el tambíen quiere hacer lo mismo, pero en medio del proceso se arrepiente y ambos tratan de rescartar lo mejor de la relación, pero todo en la mente del protagonista. Se niegan a eliminar ese pasado, a dejar atrás los recuerdos y por sobre todo se niegan a eliminar esa parte de vida.

Una película que puede resultar un tanto compleja, pero que esconde todo un tratado filosófico sobre el amor, el dolor, el olvido y los recuerdos. Se podrá borrar la memoria, pero los sentimientos se abren paso en medio de una mente en blanco, siempre se llega a quien se ama. Plagada de un virtuosismo visual que a muchos sedujo, esta cinta es un canto al amor para siempre, ese amor que supera todo, incluso el desamor, el olvido, el dolor, la muerte y la separación. Hay ocasiones en que simplemente se ama para siempre. Personajes como el de Kirsten Dunst así lo demuestran. En suma una película que no es para todos, pero que entrega un romanticismo intenso, pero inteligente, donde más que extrañar, demuestra que olvidar es imposible en toda su extensión. (Todo Espectador, mayores de 7 años)

http://www.youtube.com/watch?v=jbjIRkjc18A

5º "Los Amantes del Circulo Polar"

De Julio Medem y que cuenta la historia y tragedia de amor de dos seres unidos por sus nombres palindromos (palabras que se leen al revés o al derecho). Otto y Ana se conocen cuando niños y de ahí surge una atracción que camina lento por el tiempo y que se refuerza cuando se convierten en hermanastros. Son 25 años de un amor imposible, con ciclos, con aventuras, con intensidad, pero que marca a sus protagonistas por siempre. Otto nunca deja de amar a Ana aunque ella este con otra persona, aunque no la vea hace años, ella esta guardada en lo más profundo de su corazón, lista para renacer y emprender de nuevo ese camino que dejaron truncado por un parentesis obligado. Ana siempre recuerda a Otto, aunque a veces piense que ya lo olvidó y que se siente tranquila con otro hombre, él está ahí escondido en un espacio de su corazón. Es que cuando el amor es tan grande, nunca se apaga por completo. Son ciclos, tiempo atrás, adelante, tiempo y solo tiempo. Tiempo y casualidades, encuentros desafortunados, miradas equivocadas.... espacios comunes. La película está narrada desde ambos puntos de vista y gracias a su excelente montaje nos hace sentir y reconocer como ambos sienten (también gracias a sus largos monólogos en off) y sus colores depresivos nos insertan en la dinámica de un amor que por inconcluso no es feliz. El circulo polar es más que ese lugar donde el SOL no se esconde una vez al año, es el lugar que nos recuerda que todo gira. Lo hace el sol, la tierra y también nuestras vidas.... (Mayores de 14 años)

Una escena de desencuentro: http://www.youtube.com/watch?v=23wlQHKIdKQ

Un video clip con la canción del mismo nombre de la Oreja de Vangoh http://www.youtube.com/watch?v=O7_ErHKL8V8&mode=related&search=

6º "El Paciente Inglés"

De Anthony Mighella (que falleció el año pasado). Un hombre desfigurado, en plena Segunda Guerra Mundial, está al borde de la muerte. Está al cuidado de una enfermera inglesa que no sabe nada sobre su pasado, el que se va reconstruyendo gracias a sonidos y situaciones. Es así como recuerda que amaba a una mujer casada, con la que tiene un intenso romance sumido en medio de la tensión previa al conflicto armado. Viajan al desierto de Sahara y en medio de ese paisaje inhóspito su amor llega a la tragedia. Y desde ese momento él sobrevive de memorias, pero que siente cada vez que la deformidad de su cara no es más que el reflejo de su corazón deformado por el dolor. Es la comprobación que a veces no es necesario dejar de respirar para sentirse muerto y seco por dentro.

Una película dolorosa, intensa y romántica a morir, pero que es compleja en su construcción y en su narrativa, lo que la hace no recomendable para quienes gustan de las comedias románticas livianas. Es un ejercicio de narrativa y de un guión que funciona como piezas de un engranaje. Juliete Binoche está sublime como la enfermera que sufre por amor y Ralph Fiennes y Kristen Scott Thomas hacen una pareja que sobrepasa y duele. La cinta ganó 9 oscar en 1997, incluyendo Mejor Película. Hermosa fotografía, bellos paisajes y dolorosas secuencias hacen de esta película un templo al amor eterno, que hace que a veces seamos Zombies si no tenemos a la persona que amamos... (mayores de 14 años)

Trailer:http://www.youtube.com/watch?v=gMXFtHaVscM

7.- "El diario de una pasión" (The Notebook)

De Nick Cassavetes. Primero que todo hay que advertir que esta cinta es un templo a los clishes y los lugares comunes, pero con la clara intención de evocar una epopeya romántica y vaya que lo logra. La película cuenta la historias de Noah, un joven obrero humilde que se enamora perdidamente de Alli, una muchacha de alta sociedad (primer clishe). Obviamente la familia de la joven se opone a tan desigual romance, pero la fuerza de ese amor sobrepasa todas las barreras, el dolor, las maldades y las distancias.

Sí suena clishe y lo es, pero es una gozada en todo sentido, es casi una novela rosa llevada al cine y sin dejar de lado ninguno de sus convencionalismos y es que el director sabe que esta frente a eso y goza instalando colores rojos, atardeceres pasteles y sufridas escenas de separación y llanto y junto con eso nos hace sufrir a nosotros como espectadores. En suma es una película hermosisíma, que hay que ver sabiendo que veremos un carnaval de lugares comunes (cartas perdidas, madres malvadas, amantes intensos), pero que en si no es más que una montaña rusa de emociones varias. Es una muestra más de como el amor nos vuelve seres comunes, caricaturas, signos parecidos... y cliches... confesarlo no tiene nada de malo. Acá el amor sobrepasa las barreras del tiempo, la separación, porque podemos volver a sentir cosas por otras personas, pero ese AMOR VERDADERO, durará por siempre... y en algún momento volverá... el amor VERDADERO no se separa... al menos así nos hace creer esta película. (Todo Espectador)

Trailer en español (tienen que tener el Real Player)

http://www.vtr.net/portalcable/pelicula/detalle_peliculas_controlador.php?opcion=1&idPrograma=36611&idSeccion=1&pagina=7&offset=54&offsetPagina=1&ordenar=2&progHoy=

Trailer en Inglés:http://www.youtube.com/watch?v=jEP1tnifkE4

8º.-"Secreto en la Montaña" (Brokeback Mountain)

De Ang Lee. Ennis del Mar (Heath Ledger), un granjero rudo, pobre y huérfano, es contratado para cuidar a un rebaño de ovejas junto a Jack Twist (Jake Gyllenhaal), un campeón de montura en torneos de ganado. Ambos deben subir hasta la montaña Brokeback y custodiar a los animales. En medio de la soledad, las malas comidas y las inclemencias del tiempo surge un sentimiento que de a poco avanza más allá de la amistad, para transformarse en un fortuito, rápido y olvidable encuentro sexual. Un encuentro que cuatro años mas tarde se transforma en un amor imposible, intenso, desgarrador.

En suma, “Secreto en la Montaña” (“Brokeback Mountain”) es un triunfo por donde se le mire, desde su guión hasta su hermosa fotografía, pasando por la desgarradora Banda Sonora. Una cinta que quedara por mucho tiempo instalada en la memoria colectiva, tanto por la polémica del tema gay como por su valor cinematografico. Cuenta con excelentes actuaciones de todo el elenco. Heath Ledger y su Ennis del Mar es quizás el icono romántico del último tiempo, logrando crear un personaje que traspasa, hiere y clava en el corazón. Silencioso y tímido, el actor australiano simplemente juega con su mirada, con su voz y su acento, para entregar una actuación memorable. Lo mismo que Jake Gallynhaal y su Jack Twist, una especie de héroe romántico que esta dispuesto a pasar por sobre todos por amor.

Dolorosa, seca, esta película es un llamado de atención a quienes no se arriesgan por amor, sin importar la razón, el género o la pasión. (mayores de 14 años)

trailer inglés: http://www.youtube.com/watch?v=3YkFGN9M6tQ

9.- Expiación (Atonement) (2007)

De Joe Wright y con Kiera Knigtley. Hay varias de estas cintas que son románticas y que pueden parecer iguales, pero esta sobresale por dos razones. Su ambientación y por una dirección sólida basado en el guión que busca el perdón y la expiación, a través de la concreción de un amor truncado por un error. Hay momentos simplemente hermosos (la separación y la confesión de amor) y otros que demuestran una eficiencia cinematográfica única (la secuencia de la llegaba a un campo de batalla). Todo se suma a una sensibilidad casi clishe, pero que es capaz de traspasar y dejar una huella. En quizás una cinta hermanada con "El Paciente Inglés" (ambas tuvieron muchas nominaciones al OScar), pero que además ofrece un complemento a la simple anécdota de amor. Hermosa y a ratos dura. (mayores de 14 años)

10.- El Lado Oscuro del Corazón (1992)

De Eliseo Subiela. Esta es cinta es un largo poema hecho narración donde destacan sus momentos oníricos y su notable capacidad para insertar poemas de Benedetti como parte del Guión. Una cinta hermosa donde un hombre busca un amor imposible, una mujer que sepa volar (en el sentido literal) y la encuentra en una prostitua porteña, mientras trata de conquistarla más allá del dinero. Donde también firtea con la muerte, encarnada en una mujer que lo sigue por todos lados y que se transforma en su verdadera amiga. Es un canto al romanticismo, al amor desenfrenado que nubla los sentidos y que deja abierta la puerta a la sensibilidad. Una cinta llena de magia y de sentimientos, puede resultar algo rara, pero es un triunfo como experiencia cinematografica. (Mayores 18 años)

11.- Moulin Rouge! (2001)

De Baz Luhrman. Es un musical, sí. Esta Nicole Kidman, sí. Es un tanto sobrecargada, sí. Pero a pesar de todo eso es una cinta espectacular. Un canto a la diercción de arte, a las coreografías y también al amor como motor de vida. Un escritor llega hasta Moulin Rouge y conoce a Satine, al estrella y se enamora de ella hasta el punto de convencerla de hacer un musical que la aleje de la prostitución. Sus primeros 15 minutos pueden resultar un tanto mareadores y hasta confusos, pero la cinta cuando se centra en los amantes se revela como un golpe de amor, plagado de canciones y diálogos románticos. Es recomendable para los que gozan con los espectaculos y los numeros musicales, pero también para quienes sueñan con los amores improbables. Ojos con las canciones que son adaptaciones de clásicos de los 80, como "Like a virgen", "Roxanne", etc.

12.- Nueces para el amor (2000)

De Alberto Lecchi. Cinta argentina que recorre el amor y desencuentro de una pareja a través de los años de la tribulada Argentina de los 80. La Guerra de las Malvinas, la dictadura, sirven de escenario de fondo para un amor que siempre tiene que tener sus pausas, pero que a través de la figura del tiempo se niega a marchitarse. Una película hermosa, simple y que usa el tiempo como elemento básico, de hecho a medida que pasan los años y que el amor entre ellos no se concreta, la protagonista va perdiendo la razón y nosotros como espectadores vamos perdiendo el color. Es como si todo se volviera gris, para ella y literalmente para nosotros, gracias a una fotografia astuta. En suma, romántica a raudales. (Mayores 14 años)

13.- Una relación particular (1999)

De Frédéric Fonteyne. Una cinta francesa que explora el nacimiento del amor. Una pareja se conoce por intermet (o por los contactos de una revista, dependiendo de la versión de cada uno) y la idea es juntarse cada martes sólo a tener sexo. Pero lo que en principio solo era una "Relación Pornográfica" (título original de la película), se transforma en un romance y un amor contenido y negado a aflorar. Ambos estan atados a las promesas iniciales (no darse nombres, no darse direcciones y no involucrar el corazón), tanto que dejan atrás el sentimiento que nace y que crece a cada instante. Una película romántica, dolorosa y que invita a reflexionar sobre el origen del amor y los caminos que elegimos cada uno para perderlo o ganarlo. (Mayores 14 años)

14.- Cuando Cae la Noche (1995)

De Patricia Rozema. Una profesora de religión conoce a una trapecista e inicia un intenso romance que le lleva a cuestionarse sus creencias y sus convencionalismo. Una cinta que explora el amor lésbico, pero que sirve de ejemplo como a veces la idiosincrasia es una barrera para concretar el amor. Esta cinta tiene su valor en las hermosas escenas sexuales, donde la piel es un elemento único, que se asemeja a un juego donde se exaltan los sentidos pero por sobre todo explota el amor en todas sus variantes. Una películas hermosa, honesta y que demuestra una vez más que el amor es más que convenciones, el amor es un camino diferente. Una senda por la que todos caminamos en formas diferentes. (Mayores 18 años)

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=4JZYxC1TJAI

Otras para elegir:

- "La Bella y la bestia" (1991)

Si es de dibujos animados, pero es hermosa y debe ser una de las mejores de Disney. La única cinta de animación Nominada al Oscar Mejor Película. (T/E)

- "El cielo Dividido" (2007)

Difícil de encontrar, pero si la ven por ahí no se la pierdan. Casi no tiene diálogos y se sustenta solo en la narración de una historia de amor y separación ambientada en la cudad de méxico y con dos jóvenes como protagonistas. (14 años)

- "La Ventana del Frente" (2003)

Italiana. Una historia de amor prohibido en paralelismo. Recuerdos, deseos y dolor en una película hermosa. (T/E)

- "Lolila" (1997)

Quizás no es la mejor película para el día de los enamorados, pero la versión moderna de lolita se centra en el dolor y lo prohibido. Una cinta dolorosa, pero también hermosa. (18 años)

- "El amante" (1997)

Escandalizó a todos por sus escenas sexuales y que hoy no asustan a nadie. En el fondo es una experiencia donde el amor se conjuga con las tradiciones. Interesante y con un final hermoso. (18 años)

- "Lejos de ella" (2006)

Puede ser demasiado melodramática, pero gracias a la su directora se transforma en una eficiente cinta sobre el poder de hacer todo por amor. Una mujer sifre de alzaimer y su esposo la deja en una clínica, donde conoce a otro enfermo y se enamora. (T/E)

- "Lejos del Cielo" (2002)

Julianne Moore es una mujer que debe luchar contra la sociedad de la decada de los 50, donde descubre un romance prohibido y extramarital de su esposo y entabla una amistad cada vez más cercana con su jardinero afroamericano. Hermosa.

- "Antes que termine el día" (2004)

Mamona, con aires de telefilm, pero efectiva y romántica. Además de un par de secuencias muy logradas en una historia que mezcla romance y fantasía. (T/E)

-"Love Story" (1970)

Hizo llorar a una generación en la década del 70. Romántica, sufrida y clishé, pero un gran clásico romántico contemporaneo. (T/E)

Seguramente hay muchas más... pero por el momento esas son algunas que evocan el amor como principio claro. Hay mejores películas y algunas más clásicas, pero estas son quizás las que mejor han logrado entusiasmarme en el sentido romántico. Espero que las disfruten.

Mi gran Apertura.... o crónica de una operación anunciada

2009-01-19T06:20:00.000-08:00

* Después de meses de luchar contra un diagnóstico que a veces sonaba simplemente aterrador, el martes 13 llegó con mucha rápidez.... aniquilaron el tumor en una experiencia que tuvo de todo...

Ese día ingresé a la clínica a las 10 de la mañana. La noche anterior preferí apagar el celular por que comencé a sentir nervios transmitidos por familiares y amigos (lo siento se que todos lo hicieron con la mejor intención), pero era mejor cerrar los ojos y despertar en el día en sí. Y así fue. Fue todo muy rápido y tras exámenes y consultas, una camilla llegó y me dirigió a la sala de operaciones. Un camino lento donde mis hermanas se despidieron y por momento sentí que quizás era una despedida definitiva.
Ya dentro del quirófano comenzó el proceso, indumentarias, mediciones, preguntas banales y bromas que luego dieron paso a un dolor punzante y a agujas invasivas que llenaron mis brazos y cuello, luego la anestesista, todo se desvaneció y caí en un sueño profundo y aunque no se si pueda ser posible, estoy seguro que comencé a soñar. Primero un auto negro y un recorrido, personas a mi alrededor (eso es lo que recuerdo) y de ahí vino lo más extraordinario.... lo que quizás no tiene explicación o que simplemente nunca sucedió, aún tengo duda y quizás siempre me quede con ella.

EXTRAORDINARIO
No se cuantas horas habían pasado, pero en un instante abrí los ojos. Tenía la nariz abierta (mi operación consistió en derribarme el tabique nasal y hacer una insición a través de el para llegar al cerebro y la corteza y de ahí al tumor que aprisionaba mi quiasma óptico y que ya tenia en alerta a mi carótida, todo en la parte interior del cerebro). Estaba ahí y vi perfectamente mi nariz abierta y salpicando sangre.

- No podemos parar el derrame – escuché decir a una doctora
- La hemorragia no cesa – dijo otro especialista

En una especie de sueño borroso, logré divisar todo el pabellón, los médicos, la anestesista simpática que momentos antes había bromeado sobre mis medidas, el paramédico, las maquinas sensoras que en ese instante marcaban en rojo por el aumento descontrolado de mi presión provocado por el derrame. Fue probablemente un segundo, no lo se.... pero lo vi. El rostro preocupado de mis médicos y el apuro en detener la sangre que yo veía a borbotones salir por mis narices. Un segundo más tarde todo negro otra vez.
Antes de seguir, quiero hacer una reflexión pequeña. Siempre fui una persona de poca creencia (mias amigos y amigas así lo saben), siempre critico de las religiones o de las instituciones, pero de que uno vive experiencias que van más allá de todo es verdad y esta me sirvió para replantear las cosas que creo.... o más bien para replantear las cosas en las que NO creo.

SALIDA DEL QUIRÓFANO
Son pocos los recuerdos de ese momento. Sólo que tras casi siete horas (originalmente iban a ser cuatro, pero el derrame cerebral alargó aún más la espera) logré salir de la sala de operaciones. Fui trasladado hasta la Unidad de Cuidados Intensivos, debido a que las operaciones de cerebro requieren monitoreo constante y más aún debido a la complicación que significó el derrame. Logré ver a mis hermanas como dulces espejismos que me saludaron y se fueron y también a un amigo que me hizo ver que todo lo más terrible ya había pasado. Lo único que recuerdo que pedí fue que le avisarán a mi mamá. Como buen “pollerudo” o “mamón” reconocido, quería que ella estuviera tranquila y que ya estaba fuera y lo mejor, que estaba con vida.
Mi nervio óptico fue lo más resentido por este tumor, por lo que al abrir los ojos lo primero que hice fue “ver”, literalmente “ver” y saber que la visión no la había perdido, que era una de las posibilidades y fue un alivio mirar las luces y los rostros borrosos... mis ojos no se habían extinguido... tal como me lo habían dicho.... LO PEOR YA HABÍA PASADO.

MEDICO
En lo estrictamente médico, la operación fue “buena”, una Cirugía Transesfenoidal. SOLO tuve un derrame cerebral que fue controlado de inmediato por el equipo de especialistas y que ahora necesita seguir monitoreandose para ver que no haya secuelas posteriores. El tumor fue extirpado en su totalidad y hay que esperar unos días para el respectivo análisis del mismo y determinar que no tiene raíces malignas. A la final, el “alien” como lo llamé por harto tiempo, era más grande aún de lo que mostraban los exámenes, el médico, con su tranquilidad habitual, me dijo que media un 50% más de lo esperado. Una enormidad tomando en cuenta el reducido espacio donde estaba alojado.
Lo que sigue es aún largo. Lejos de terminar todo esto sigue, pero ya sin la presión directa sobre la cabeza (literalmente jejeje). Por lo pronto, mi pelo es el primer resentido o la primera víctima, comenzó con un poco de mechón en las manos y ahora con montones, así que por favor no se asusten si me ven con poco pelo sobre mi cabeza. Es normal, debido a que tengo que seguir con drogas aún muy fuertes y unos corticoides debido al derrame cerebral. De ahí controles, examenes y un buen tiempo monitoreando mi cabeza para que no vuelva a crecer un engendro como el que tuve.
La operación ya pasó, el miedo ya pasó, pero sin duda hay secuelas que quedarán para siempre (una de ellas la económica, operarse el cerebro es carísimo y lo hice sin pensar mucho en como lo pagaré, pero tenía que hacerlo, no había opción). Además sirve para hacer tantas reflexiones en torno a muchas cosas que quizás en otras ocasiones las plasme aquí. Lo cierto es que me di cuenta que hay mucha gente que te tiene cariño, más de lo uno espera y que ese cariño ayuda en momentos dificiles.... GRACIAS A TODOS Y TODAS, TODAS ustedes amigas, TODOS ustedes amigos y compañeros/as y FAMILIA.... De verdad saber eso es impagable... ahora a seguir.... a seguir para ver donde terminará....

“Bolt”: Un perro fuera de serie

2008-12-30T10:12:00.000-08:00

• Disney continúa la senda de entregar buenas cintas animadas y esta vez lejos de su socio “Piase”, logra crear una película entretenida e ideal para toda la familia.

Cuando creíamos que “Wall-E”, sería el gran logro de Disney en el 2008, que realizó junto a su socio Pixar, llega “BOLT”, esta vez en sin sus aliados en la animación digital. Si bien algunos miraron con prudente extrañeza la aventura en solitario del estudio del ratón Mickey, “Bolt” demuestra que la imaginería y el oficio están intactos en Disney.
Bolt es un perro superestrella, que tiene poderes adquiridos por una alteración genética y que tiene que proteger a Peny de las malvadas intenciones del señor del ojo verde. Eso es al menos lo que el cree, porque lo que en realidad sucede es que Bolt es un perro normal que vive en un estudio y es protagonista de la más exitosa serie del momento, el problema es que Bolt esta convencido que todo es real y cuando secuestran a Peny, el escapa del estudio para buscarla, sin saber que en el “mundo” no tiene poderes y no es más que un canino que tiene hambre. En su periplo por Estados Unidos (el mundo), conoce a Mittens, una gata callejera que chantajea a las palomas para que la alimenten y Rhino, un hamster medio sicópata que es el fans número uno de la serie.
Bolt es sin duda una película familiar en todo su aspecto, ya que si bien los niños gozan con las aventuras y la acción, los adultos ríen con un par de chistes (ojo con aquel en que se ríen de los mismos gringos, cuando Mittens extiende un mapa del “mundo”) y además tiene la cuota perfecta de ternura. Sus personajes se toman el tiempo para desarrollarse, para matizar frente a las situaciones y lo que es mejor para reflexionar frente a muchos elementos de la sociedad actual, puede pensarse que una simple cinta de animación jamás será capaz de dejar mensajes más profundos, pero más de un niño o niña (y también algún adulto), quedará pensando sobre el valor real de la amistad, la entrega y el amor. Además de un mensaje claro y directo sobre la importancia que le damos a nuestras mascotas (La secuencia en la que Mittens cuenta su GRAN pena es simplemente devastadora).
Sin duda, un año redondo para Disney con una película que raya en la maestría (“Wall-E”) y otra que es un puro corazón y entretención (“Bolt”). Una película ideal para el verano. MUY BUENA

Trailer en español:

Trailer en español latino:

Cuentito: Vueltas y vueltas

2008-12-17T19:29:00.000-08:00

Puertas giratorias. Cuánto las odio. Me paro frente a ellas y quisiera no tener que girar y girar. Regresar y volver. Salir y entrar. Doy un paso y miro como todos pueden salir. A mi me cuesta, me quedo dando vueltas sin encontrar la salida. Estoy en un torbellino sin regreso, sin espacio y sin lugar. Te miro y sé que giraré. Eres mi puerta giratoria. Giras en tu vida. Giras en mi ausencia y yo giro por ti.

Despenalización Universal de la Homosexualidad: La Iglesia otra vez con su política retrógrada y ahora criminal

2008-12-10T09:55:00.000-08:00

* Cuando pienso en lo buena que es la Iglesia Católica, nuevamente hacen algo para dejar de pensarlo. ¿Porqué se empeñan cada vez en ser peores?

* El Vaticano en su enorme “humanidad” ahora hizo sentir su presencia en la ONU, no apoyando la despenalización de la homosexualidad en la que incurren varios países (son 86 en total)…. No esperaba menos de los que son el valuarte del “CRISTIANISMO”
* Hay países en los que se aplica la pena de muerte. Miles de hombres y mujeres homosexuales han sido asesinados al amparo de estas leyes… el Vaticano, apoya.

Francia como presidente de turno de la UE, solicitó a la ONU, que se exigiera la despenalización universal de la homosexualidad. Y es que en pleno siglo XX, hay países en los que ser homosexual, lesbiana, travesti, transexual o bisexual es un delito y se paga hasta con la vida. Irán lleva la delantera, siendo justificados los crímenes en contra de jóvenes en plazas públicas sólo por el hecho de haber sido sorprendidos besando a otro joven o porqué alguien los denunció por ser gays.

Situación que también ocurre en varios países en especial del Medio Oriente, África y Asia. Son ocho países los que condenan a muerte a los gays, lesbianas y bisexuales (Afganistán, Irán, Mauritania, Nigeria, Pakistán, Arabia Saudita, Sudán y Yemen), además hay que sumarles Egipto, que persigue bajo otras causas a los homobisexuales, específicamente los llamados crímenes contra el Islam (una vez más la religión sustenta crímenes y asesinatos). Libia condena cuando se sorprende a dos personas del mismo género teniendo sexo. En Chechenia se condena entre 3 y 6 años de cárcel, además hay países en donde está prohibida la homosexualidad incluso en expresiones artísticas como el cine, la literatura o la pintura, estos países son: Algeria, Bahrain, Bangladesh, Bosnia, Jordania, Kuwait, Líbano, Omán, y Siria. En Malasia se puede condenar hasta 20 años a dos personas del mismo género por tener sexo o por sólo presentar una inclinación homosexual. Mientras que hay países en los que se condena a CADENA PERPETUA, estos son: Bangladesh, Bhutan, Guyana (sí acá cerca de nosotros), India, Maldivas, Singapur, Uganda y Nepal. Son países en su mayoría Islámicos, pero también está el caso de Burindí, un país africano que tiene mayoría católica y que recientemente aprobó penas de 3 meses a dos años a los actos homosexuales. Al parecer los católicos y los islámicos tienen ahora más similitudes de las que creíamos.

CHILE Y LA DESPENALIZACION

Chile no se queda atrás, hasta sólo unos años, SI sólo unos años, existía un artículo, el 365, en nuestra constitución que penalizaba la SODOMIA consentida entre adultos, es decir, ser homosexual y tener relaciones sexuales era un delito, que podía llevarte a la cárcel.

Sólo gracias a nuestro ex Intendente y Diputado, Armando Arancibia (¡grande!), la sodomía no es delito en Chile, ya que presentó una moción parlamentaria para que se modificara la disposición, seguramente amparado en sus estudios del tema, ya que en 1966 hizo la tesis titulada “La figura delictiva del artículo 365 del código penal”, con la que obtuvo su Licenciatura en Derecho. Una situación que obvio tuvo su mayor rechazo en los partidos de derecha y en la Iglesia Católica, era que no.

Hoy Chile no está en la lista de países que penalizan la homosexualidad (aunque aún la sociedad sigue siendo muy punitiva y ejerce una suerte de penalización anacrónica y estúpida llamada: Discriminación), pero sin duda es un tema que necesita avances y así lo entendió Francia, al anunciar su propuesta ante la ONU, para que se haga UNIVERSAL la despenalización de la homosexualidad. Pero como en todo siempre hay un villano y hoy, nuevamente, es el Vaticano.

El Villano llamado "PAPA"

La “Santa” Sede, como se le llama incorrectamente, anunció que no está de acuerdo en esta iniciativa. Una postura que no era una sorpresa, ya es sabido que la Iglesia Católica en su enorme “humanidad” está acostumbrada a situaciones como esta, como el silencio durante el Holocausto, la Guerra de Vietnam, Irak, los genocidios en África y muchas otras cosas. Incluso aún está en la retina las declaraciones Misóginas de varios de sus sacerdotes, en donde denotaban un machismo que va más allá de las sotanas “varoniles” que vistes todos sus principales miembros. Ahora, con la decisión de no avalar ante la ONU la propuesta Francesa, se hacen cómplices de asesinatos, arrestos arbitrarios, torturas y muchas otras situaciones que ocurren en el mundo contra personas que tienen una orientación sexual por su mismo género.

Justificaciones pueden haber muchas y ellos seguro la darán, pero lo cierto es que una vez más la Iglesia demuestra que sus valores más fuertes (y anacrónicos) se contraponen con los avances de las sociedades actuales y así como lo hicieron durante la inquisición, no dudan en avalar asesinatos o incluso provocarlos, en nombre de una postura que no sabemos si en años más seguirá siendo la misma, a la luz de las tantas interpretaciones que le dan a sus escrituras, a veces con una muy “dudosa” inclinación por lo que les conviene que se interprete.

En fin, CATÓLICOS todos, Cristianos unos pocos, así debería rezar el slogan del Vaticano. O al menos los que están en la más alta jerarquía de la Iglesia (institución) y en donde siguen acuñando un motivo de desprecio más hacia ellos. Hipocresía, crímenes históricos, Machismo, Racismo, silencio, homofobia, Misoginia y un largo etcétera que ya se hace majadero enumerar. Es de esperar que algún día la institución que cultiva la fe en las personas, deje de cultivar también el odio y el crimen.

Matrimonio gay: La Lucha de California

2008-10-04T12:39:00.000-07:00

Una enmienda (Proposición 8) será votada en noviembre y que de ser aprobada prohibirá los matrimonios homosexuales en California, que comenzaron a ser legales luego de una resolución de la Corte Suprema

Debería ser el lugar más liberal del planeta. San Francisco la ciudad más gay del mundo, donde nació el movimiento de los derechos de los homosexuales, lesbianas y transexuales, bisexuales y transgéneros, era un lugar que hasta poco más de un año, las personas del mismo sexo no podían casarse. Hoy, gracias a una resolución judicial eso cambió, pero una enmienda denominada la “Proposición 8” podría volver todo atrás.
Es la lucha paralela que tiene el estado de California y que es casi tan significativa como la propia elección presidencial. Grupos conservadores (llámese católicos y ultrareligiosos como mormones y otros) se enfrentan con otros más liberales, en una batalla por los derechos y la igualdad. En este sentido, lo de California es quizás un ejemplo de lo que ha sucedido en todo el mundo a la hora de discutir un tema tan peliagudo como el matrimonio entre personas del mismo sexo.
Es destacable y simplemente impresionante lo que han hecho grandes empresas y algunas estrellas de Hollywood, que han donado millones de pesos (miles de dólares) para apoyar la campaña que busca que los californianos y californianas voten en contra de esta proposición y con ello, las y los homosexuales puedan tener el legítimo derecho de unirse en matrimonio.
Nombres como Brad Pitt (con el apoyo irrestrictito de su esposa Angelina Jolie), el director de cine Steven Spielberg (con el apoyo de su esposa Kate Capshaw), Fran Dresher (más conocida como “La Nanny”), Peter Wentz (de Fall out boy), David Geffen (magnate de la música), Bryan Lourd (representante de varias estrellas de Hollywood), Ron Burkle (multimillonario), Ellen Degeneres y Portia Di Rossi (ambas cónyuges tras casarse en California), entre otros que han hecho sus aportes anónimamente, ya dieron su apoyo al matrimonio gay.
Bueno, a ellos hay que agregar grandes marcas transnacionales como la PEPSI (admirable el riesgo de la gaseosa en apoyar el matrimonio gay), Levis (que incluso tiene comerciales para gays), Mcdonals (la comida chatarra que tras el apoyo debió retirarlo al menos públicamente tras las presiones de los pechoños, o sea los conservadores), AT&T y el buscador Google (grandes ambos), incluso este último a través de su cofundador (heterosexual, por si acaso) hizo un llamado a que los habitantes de California apoyen el Matrimonio Gay y voten en contra de la proposición 8.
Sin duda son nombres importantes, pero me faltan algunos, que pasa con otras grandes estrellas de Hollywood como Jodie Foster (que ya reconoció que era lesbiana), Madonna (que vende millones entre los gays del mundo), Cher (que siempre ha apoyado la causa) y muchos otros más. Sin duda mientras más presencia haya y más públicos se hagan los apoyos, más gente verá la importancia que tiene una resolución como esa. Votar en contra de la proposición 8, es avanzar en igualdad, en una sociedad honesta y tolerante, una sociedad que no mira a las personas por su orientación sexual.

Chilito, alejado de “esas cosas”
Podría pensarse que esa lucha poco importa en Chile, pero no es así, es un referente, tal como lo ha sido la legalización del matrimonio gay en Uruguay por ejemplo. Es una forma de ver como el mundo comienza a cambiar su posición, a transformarse en un lugar más amable. Hoy uno se extraña cuando cuentan historias sobre la situación de la mujer en los países árabes, que viven como en tercera categoría, sin duda lamentable, sorprendente y hasta indignante, y en el resto del mundo quizás no fue muy diferente hace unos 100 años atrás. No tenían derecho a voto, eran menoscabas, bueno la situación actual de la mujer se debe gracias a su lucha y que comenzó en algunos países y se extendió, es lo mismo con la orientación sexual. La lucha es un como un polen que germina en un país y luego pasa a otro.
Quizás pasen años antes que en Chile se genere una discusión como esa, pero el avance permite mirar la realidad con otros ojos. Quizás pasen menos años y se legalice el PUC (Pacto de Unión Civil), que incluye a las personas del mismo sexo, pero lo importante es que es un tema que aquel está más cerca de lo que creemos.
No es cuestión de religión (Católicos, Evangélicos, Mormones, Judíos, Budistas, etc) ya que se supone que están todas basadas en el amor, el amor a DIOS (o como le llamen), el amor al prójimo, entonces es digno preguntarse ¿Es la tolerancia parte del amor al prójimo? (Además en todas las religiones hay gays. Curas gay, Elders gays, Monjas Lesbianas, Rabinos gays, etc).
Ojala California ratifique su postura a favor frente a los matrimonios gays y ojala Chile algún día también le entregue la libertad a los ciudadanos y ciudadanas de elegir con quien quiere pasar el resto de su vida, sin importar si es alguien de su mismo sexo.

Se nos fue Paul…

2008-09-28T12:34:00.000-07:00

La primera vez que lo vi, fue en una antigua película de 1958 llamada “La gata sobre el tejado caliente” de 1958. Debo haber tenido unos 12 años y en un video club que ya no existe, arrendaban ocho películas antiguas. Gracias a eso pudo conocer el cine “clásico” y en una de esas sesiones vi la adaptación de Tenneesse Williams y que tenia como atractivo a Elizabeth Taylor. Recuerdo que en un principio me aburrí un poco. Debo reconocerlo, pero en una segunda lectura (trataba de ver todas las películas dos veces), me encantó. Y con ello, me sorprendió Paul Newman que en blanco y negro parecía resaltar aún más su capacidad interpretativa y siempre me pareció ambigua su actuación (obvio después conocí la obra de Tenneesse Williams y estaba claro que el personaje era un gay “a medias” como lo exigía la censura de la época). En la carátula aún recuerdo que decía “Solo Mayores de 21 años”….

Después me dio por los western, donde Newman estaba en un par, pero no recuerdo ninguno en especial, solo “Billy the, kid”. Después vi una que se llama “Dulce pájaro de la Juventud”, donde era despreciable, un gigoló sin sentimientos, pero que brillaba nuevamente. Vi a regañadiente “El Color del Dinero”, el tema no me gustaba, pero el gran Paul sacaba lustre en una cinta que hasta hoy está un poquitín sobrevalorada….

Después de eso pasaron cintas como “El Escandalo Blaze” o la melosa, pero efectiva “Mensaje en una botella”. Todas con Newman como estrella o como soporte, como fue su despedida del cine, como debió ser en grande con un papel potente y una “performance” que hacía brillar hasta a Tom Hanks, la cinta fue “Camino a la Perdición” del 2002, una película con altos y bajos y donde todos los altos estaban en las escenas de Paul, gracias a su personaje dual y de pausada inquietud.

¿Porque Paul Newman fue una estrella tan mítica y diferente?, repuestas hay muchas.

Primero porque fue un gran actor (10 nominaciones al Oscar, Ganó uno por “El Color del Dinero”).

Segundo porque representó la belleza cercana. Se decía que sus ojos azules asustaban, pero siempre se mostró cercano y sin muchos aires de gran estrella.

Tercero, porque fue un comprometido con las causas sociales. Donó millones de dólares a fundaciones de ayuda a niños y niñas con diferentes enfermedades. Además de tener fundaciones propias.

Cuarto, porque era activista de la protección al medioambiente. Conocidos discursos en los años ochenta sobre lo que hoy estamos sufriendo.

Quinto, por su pensamiento progresista. Estuvo casado una cantidad impresionante de años con la misma mujer desde 1958 (Joan Wooodward) y podría pensarse que era conservador, pero al contrario, Paul Newman estaba a favor de los matrimonios de las personas del mismo sexo, a favor de la legislación sobre igual entre hombres y mujeres y por sobre todo, quería eliminar la discriminación por nacionalidad. Y apoyaba la causa gay a pesar de que los rumores de Hollywood asegurban que era bisexual y que incluso compartió “un trio” con su esposa y el escritor abiertamente gay Gore Vidal, quien habría vivido varios años junto a la pareja. Cosas de Hollywood, cierto o no, Newman era un gran tipo.

Sexto. Recibió el premio en varias ocasiones como Mejor Padre del año por la UNICEF.

Séptimo. Porque todos o la mayoría de sus compañeros lo quería.

Octavo. Obvio… era demócrata.

Para mí, Paul Newman no fue uno de mis favoritos, pero si uno de los respetables. Incluso hasta cuando se aventuraba en cintas melosas, dulzonas y hasta un tanto menores, igual brillaba, aún cuando ya estaba bien pasadito en años…. Paul Newman se fue… un cáncer de pulmon no lo dejó respirar más, pero como toda gran estrella, sólo se fue en cuerpo, porque el recuerdo quedará siempre plasmado en las cientos de películas que hizo.

Cine Latino: “Tony Manero” y “XXY” dos muestra de la buena salud del cine del cono sur de América

2008-09-18T19:16:00.001-07:00

· “Tony Manero” es una cinta nacional fuerte que refleja una época y que demuestra un manejo cinematográfico importante de su director.

· “XXY” apela a un tema complicado para crear una cinta argentina que desnuda la intolerancia y el miedo a lo desconocido

“Tony Manero”: Fiebre de sábado en dictadura

En medio del complejo contexto social provocado por la dictadura de Pinochet, Raúl Peralta (Alfredo Castro), un hombre de cincuenta años, está obsesionado con la idea de ser lo más parecido posible a "Tony Manero", el personaje de John Travolta en "Fiebre de Sábado por la Noche". Raúl lidera un pequeño grupo de bailarines que regularmente actúan en un bar ubicado en los barrios bajos de la ciudad. Cada sábado en la noche, él desata su pasión por la música de la película, imitando a su ídolo. Su sueño de ser reconocido como una estrella del entretenimiento está próximo a hacerse realidad cuando el programa ochentero “El Festival de la Una” de Televisión Nacional anuncia el concurso de imitadores de "Tony Manero". Su necesidad de reproducir la atmósfera de la película lo lleva a cometer una serie de crímenes y robos, en una escalada de locura y fanatismo.
El argumento de la segunda película de Pablo Larraín (“Fuga”) es una interesante mezcla de comedia oscura, drama social y suspenso. Y las virtudes de “Tony Manero” van desde la ambientación hasta la elección del estilo narrativo, alejado del primer trabajo de Larraín, “Fuga” donde optó por la pulcritud, la estética cuidada y las imágenes estilo video clips para contar la historia de un músico desequilibrado. Acá todo el sucio, desde el manejo de cámara en mano, hasta la fotografía que acentúa de una manera magistral la época, los años 80, pero alejado del glamour. Acá se retrata lo que sucedía en las poblaciones, a la gente y va más allá de la moda o la música. En ese sentido la fotografía es un acierto (aunque hay que reconocer que a veces se abusa del desenfoque y provoca cierta confusión sobre la capacidad visual del protagonista) y la textura granulosa la hace más cercana al documental y en ese sentido los actos de barbarie del protagonista son más creíbles y fuertes, lo mismo que la cruda sexualidad que refleja la película.
En suma, “Tony Manero” es una película difícil de digerir, pero potente en narración y supone un avance en el cine de Larraín (aunque yo soy uno de los pocos que encontró un valor importante en “Fuga” y que es precisamente en el virtuosismo, la hermosura y lo cuidado de su estética). Las actuaciones son de primer nivel, Alfredo Castro y Amparo Noguera crean personajes intensos, potentes que reflejan todos son miedos, sin caer en excesos. Además Paola Lattus y Héctor Morales son verdaderos hallazgos que hay que tener presente. Una cinta fundamental y con valor en el cine nacional moderno. MUY BUENA.

“Tony Manero”. Chile, 2008. Dir: Pablo Larraín. Prot: Alfredo Castro, Amparo Noguera, Paola Lattus, Héctor Morales, Elsa Poblete. Mayores de 14 años (ojo que contiene algunas escenas de sexo fuerte por lo que no es recomendable para menores de 14 años).

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=UvCpNw609V8

“XXY”: Más allá de la discriminación

Alex es una adolescente de 15 años que esconde un secreto. Poco tiempo después de su nacimiento sus padres decidieron instalarse en una cabaña aislada en las afueras de Piriápolis. La historia comienza con la llegada de una pareja de amigos que vienen desde Buenos Aires con su hijo adolescente Álvaro. El padre de Álvaro es un cirujano plástico que aceptó la invitación por su interés médico en la hija de sus amigos. La inevitable atracción entre sus hijos hace que todos se enfrenten a lo que más temían, a sus miedos y a su tolerancia. En el pueblo, Alex es observada como si fuera un fenómeno. La fascinación que produce puede ser peligrosa y cruel.
“XXY” se atreve con una película fuerte y directa. La intersexualidad, término correcto para denominar a las personas con características de ambos sexos (conocidos como hermafroditas), es un tema complejo, inexplorado y sin duda difícil de digerir, pero que acá se logra con una pulcritud a prueba de todo, creando personajes intensos, delineados y bien manejados. Alex, la joven que fue criada aislada y como mujer, limitando su masculinización con medicamentos, posee todos los elementos de un ser incomprendido, perdido y triste. Vive su soledad entre el granero, los libros y el hermoso paisaje. Sus padres, en tanto, funcionan como máquinas y estatuas frente al dolor de Alex, no es indiferencia, no es falta de amor, más bien ellos están acostumbrados a la condición de su hija, a diferencia de quienes la ven como un ser desconocido y casi inhumano.
El poder de esta película argentina está en sus personajes, en la presentación de su “problema” y en como a veces el amor se impone sin reglas. Acá la atracción entre Álvaro y Alex, se desarrolla y crece, mientras que el resto de los personajes la mira con desagrado y miedo. Lucia Puenzo, apuesta en su debut, por la simpleza y decide alejarse de cualquier juicio de valor frente a las situaciones, incluso aquellas más sexuales y que hacen referencia directa al crecimiento de ambos personajes juveniles. Una cámara espía se entromete en ese momento, tal cual lo hace el padre de Alex, un acierto y quizás la única forma que somos capaces de ver una situación como ésta, desde la clandestinidad y el ocultamiento. A pesar de momentos un tanto más débiles, la cinta golpea fuerte e impone una reflexión que supera a sus logradas herramientas cinematográficas. MUY BUENA.

“XXY”. Argentina, 2007. Dir: Lucia Puenzo. Prot: Inés Efron (Alex), Martín Piroyansky (Álvaro), Ricardo Darín, Valeria Bertuccelli, Germán Palacios, Carolina Perelletti. Mayores de 18 años (aunque tiene una escena de sexo fuerte, es posible que mayores de 14 años la vean en compañía de sus padres, para que le expliquen algunas situaciones de la película y la intersexualidad).

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=lvimt276vDI

La Buena Vida: Una parte de nosotros

2008-08-20T21:05:00.000-07:00

· La nueva película de Andres Wood es una cinta coral que nos sitúa en un Santiago hostil y en un Chile donde la esperanza no es la dominante. Un ejercicio eficaz y emotivo.

Son cuatro historias que se cruzan en un Santiago sucio y húmedo. “La Buena Vida” de Andres Wood es una fotografía de un Chile desesperanzado, distante, lejano y donde los habitantes sobreviven a una especie de metrópolis hostil, peligrosa e impersonal.
Son personajes que deambulan y se entrecruzan en la ciudad, pero sin relacionarse directamente. Cada uno con sus motivaciones, Teresa (Aline Kupenhein) es una sicóloga que se relaciona con trabajadoras sexuales y que busca ayudarlas con la prevención de enfermedades de transmisión sexual, Edmundo (Roberto Farías) es un peluquero que quiere comprarse un auto, Mario (Eduardo Paxeco) es un músico que quiere entrar a la filarmónica y Patricia (Paula Sotelo) deambula buscando una forma de sobrevivir y darle de comer a su pequeño hijo. Todos ellos tienen sus motivaciones y dificultades.
Teresa debe lidiar con su hija de quince años (Manuela Martelli) que pareciera marcar una fría distancia, además de un ex esposo (Alfredo Castro) cesante. Su vida es ayudar a los demás, pero pareciera que no puede enfrentar sus propios problemas. Edmundo vive con su madre (Bélgica Castro) a pesar de tener 40 años y descubre que los restos de su padres serán reducidos en el cementerio por no pago, mientras que realiza los trámites para un crédito en un banco. Mario ingresa al Orfeón de Carabineros mientras aún sueña con ingresar a la filarmónica a pesar de quedar en lista de espera. Patricia busca formas de sobrevivir a una cruel enfermedad, la que le impide dedicarse al comercio sexual. Mientras recorren las calles de Santiago, que se transforman en un personaje más, con su sistema de transporte (Transantiago), sus cafés con piernas y sus construcciones invasivas.
La quinta película de Andrés Wood (“Machuca”, “Historias de Fútbol”) es un ejercicio de cine coral que funciona como un engranaje de un todo que tiene como punto en común la ciudad y sus dificultades. En ese sentido “La Buena Vida” logra transmitir cada una de las emociones de una ciudad que crece indolente y que muchas veces no se fija en sus habitantes, los que se pierden entre calles, paletas publicitarias y paraderos de micros. Es donde esta cinta tiene su mayor mérito, en el retrato de personas encerradas por una urbe, sumidas por la “vida urbana”. Wood apuesta por una cámara calmada y un ritmo pausado que se adentra en la vida de sus personajes y los desnuda a medida que avanza el relato. Gracias a un excelente trabajo de montaje, la cinta logra avanzar a pesar de lo cotidiano de muchas de las situaciones. Es el engranaje que funciona sin problemas y una dirección que se acentúa en las sensaciones de sus personajes principales.
En suma “La Buena Vida” es una cinta hermosa, pausada, delicada en sus engranajes y con un guión cercano, inteligente y certero. Una verdadera fotografía de un país desencantado, pero un ejercicio real de cine que merece la pena alabar. Hasta ahora la mejor película de Andres Wood.

Título original: La Buena Vida

Género: Drama

Origen: Chile

Año: 2007

Duración: 98 Min.

Calificación: Mayores 14 años (pueden ir niños o niñas en compañías de sus padres, aunque recomendable para mayores de 7 años por algunos contenidos como uso de condón, embarazo adolescente, un desnudo y comercio sexual)

Director: Andres Wood

Elenco: Alinne Kupenhein, Manuela Martelli, Eduardo Paxeco, Roberto Farias, Manuela Oyarzún, Paula Sotelo, Nestor Corona, Daniel Antivilo, Alfredo Castro.
Valoración: MUY BUENA

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=k9iL5rfEqhQ

¿Quienes son los animales?

2008-08-12T21:09:00.000-07:00

Despues de ver este video lo único que me queda es preguntarles, ¿Quién es el animal acá?. Es impresionante como no respetamos nada... a veces me pregunto si no somos capaces de respertanos nosotros mismos con nuestras diferencias, ¿como seremos capaces de respetar a los animales?.

Al menos podemos hacer algo por muy pequeño que sea... y es encender las conciencias, presionar a los Gobiernos para que creen leyes más proteccionistas... etc.

La transfobia invade el mundo

2008-08-11T20:30:00.000-07:00

* La muerte de un transexual brasileño asesinado en Italia en forma brutal, se suma a una serie de asesinatos de personas transexuales en ese país. Una realidad que se repite en todo el mundo, incluido Chile, lo que demuestra que la transfobia es un hecho generalizado, por desgracia.

Es solo una muestra. Una joven transexual o transgénero (se dice en femenino cuando asumen ese género) recorría las calles de Milán buscando clientes y dos jóvenes le pidieron sexo gratis y al negarse la asesinaron brutalmente, ocultaron su cuerpo y luego lo arrojaron en un solitario lugar. Y aunque ocurrió en Italia, no es muy lejano de lo que ocurre en Chile y en varios países del mundo, donde lamentablemente la transfobia sigue siendo recurrente, incluso en aquellos países que son más "open mind", como España, Francia y Dinamarca, aún existe discriminación y lo que es peor, crimenes en contra de personas trangéneros.

En Chile mueren cada año, una decena de personas transgeneros y lo estos asesinatos en muchos casos quedan en la más absoluta impunidad. Fiscales y policía parecieran no darle mayor importancia a un crimen cuando este se comete en contra de una persona transgénero. Las cifras son reveladoras y se pueden obtener en las agrupaciones como Traveschile o el Movilh.

Es la transfobia más fuerte incluso que la homofobia y es también la más ignorada y la más violenta. Pone a prueba la más férrea de las tolerancias. Pero no queda más que entender que somos todos personas y que como tal nos debemos respetar.

¿Es el femicidio para la broma?

2008-08-07T20:02:00.000-07:00

* Este aviso apareció en un supermercado de Copiapó y más allá del tono festivo, sirve para preguntarse si los familiares de alguna de las mujeres asesinadas lo encontrarán divertido.

En Chile cada año el número de femicidios aumenta considerablemente. Ya van cerca de 50 casos comprobados y aún estamos recien a mitad de año. Las causas pueden ser muchas y las razones variadas, pero lo que nadie discute es que esta situación está lejos de ser una broma, en especial para los familiares de aquellas mujeres que han sido asesinadas por sus parejas o esposos.

El femicidio es una situación dolorosa y la forma más brutal de demostrar el machismo que inunda nuestra sociedad. Patriarca, dueño y señor, con el derecho de llevar a la tumba a "SU" señora o mujer... como antaño, cuando la infidelidad era justificación para el asesinato de una mujer. Aunque no lo crean en Chile era legal matar a la esposa si está era sorprendida en adulterio. Claro, que si la situación era al revés, la mujer SI era condenada . Y aunque las cosas han cambiado y no es tan extremo, el fondo sigue siendo similar: Somos una sociedad odiosamente machista, heredera de la más insana tradición religiosa y que a pesar de luces de avances, aun falta demasiado.

Sin duda, el Femicidio no es para la risa y aunque podría decirse que la intención no fue ofender, lo cierto es que este cartel puesto en un supermercado de Copiapó, no hace más que demostrar la indeferencia con que se ve el tema, la distancia con que sentimos el problema y lo indolente que podemos llegar a ser.

Sueño con el día en que Chile logre superar sus barreras y dejemos atrás la superioridad o inferioridad supuesta de los géneros, que dejemos atrás las diferencias, las razones del odio y la discriminación y que seamos capaces de convivir así, libremente, sin femicidios, sin "trasgenericidios" (asesinatos de personas transexuales), "homocidios", o cualquier forma de asesinatos motivados sólo por una condición ya sea de género, sexual, racial o religiosa. Una sociedad donde todos nos respetemos.... ¿algún día la veré?....

Consentimiento sexual: ¿Debería rebajarse la edad?

2008-07-29T20:16:00.000-07:00

· El caso de un actor belga radicado en Colombia, detenido por mantener relaciones sexuales consentidas con un joven de 16 años y estar con otro de 17 en su habitación en Puerto Natales, es la excusa perfecta para pensar en cuándo tenemos conciencia de nuestros actos sexuales. ¿a los 18, a los 14 o a los 16? La ley es clara, ¿pero lo es nuestra madurez?

Hace un tiempo Ítalo Pasalacqua, destacado y cuestionado periodista nacional, dijo en un programa de Tv, que mantener una relación consentida con un joven de 16 años y que lo supiera todo el mundo, incluida la familia del joven, no era necesariamente un delito. Bueno, Pasalacqua se equivocó, porque en Chile sí lo es, se llama “Estupro” y penaliza a quienes mantengan relaciones sexuales con un o una menor de 18 años y mayor de 12 años, aunque estas sean consentidas, aludiendo a que no existe “madurez” sexual en él o la joven para decidir esas relaciones. Si no existen las circunstancias de “estupro”, entre dos hombres, uno mayor y el otro menor de 18 años, el delito puede ser de “sodomía”.
El caso del actor belga, Didier Van Der Hove (conocido por sus roles en “El Zorro” y “Pasión de Gavilanes”), volvió a poner el tema en el tapete y desde el principio desde el flanco de la condena y es lógico, así lo estipula la actual ley chilena, lo que debe quedar claro. Aunque este caso puede ser una buena ocasión para hacerse la siguiente pregunta, ¿un hombre o una mujer a los 16 años no tiene responsabilidad o conciencia de sus actos?.
En Chile, se creó la Ley de Responsabilidad Juvenil, que con distintos matices, entrega responsabilidad a aquellos jóvenes que infringen la ley y que tienen menos de 18 años y son mayores de 14. Ellos enfrentan un tribunal y pueden incluso ir a un sistema cerrado de reclusión, es decir pueden ser privados de libertad dependiendo de la gravedad del delito que cometan.
Es decir, quien tiene más de 14 años ante la ley es responsable de sus actos. Ahí surge la duda, si es responsable de sus actos, ¿no debería serlo también de sus actos sexuales?, ¿Asumir su cuerpo y sus genitales como tal y hacerlo responsable de la decisión consentida de tener sexo, sea con una persona de su misma edad o mayor de edad?
Sin duda, es un tema difícil. Complejo. Pero necesario. Fue como lo que generó por allá por la década de los 90 y que terminó con la derogación del delito de sodomía entre personas adultas en 1999. Es decir, sólo hace nueve años atrás dos hombres mayores de edad si mantenían relaciones sexuales consentidas cometían un delito, una situación que hoy puede parecer ridícula y hasta increíble. Es decir, los tiempos cambian y también la percepción que tenemos de la sexualidad y la madurez.
En pleno siglo XXI, con la avalancha de información por internet, con situaciones donde los jóvenes expresan más libremente su sexualidad, parece más necesario que nunca revisar cuándo o cuál es la edad en la que un o una joven son conscientes de sus actos sexuales, sean estos con un mayor o un menor de 18 años. Obviamente en el caso en que estas relaciones sexuales se realizan libremente (sin intervenir dinero, presión, cohecho, fuerza, etc). Quizás un ejercicio de conciencia frente a la sexualidad de los jóvenes, que hoy pareciera ser que a los 18 años está más que desarrollada, apoyarse en estudios sicológicos y en la misma Ley de Responsabilidad Penal Adolescente.
Lo claro es que hoy día es un delito y que todos y todas debemos respetar la ley, pero también es necesario meditar frente al tema y quizás estar abiertos a una modificación legal y a una rebaja en la edad en que se considera “inmadura” a una persona para decidir con quién tiene o quiere tener relaciones sexuales y ser responsable por ello. 16 años, 17 años, 14 años, basta ver a nuestros jóvenes y su acceso a la información y saber que ellos conocen de sexualidad mucho mejor que algunos adultos. Además en Chile películas para mayores de 14 años contienen fuertes escenas sexuales (“Sexo en la Ciudad”, “Y tu Mamá también”, “Sexo con amor”, etc) y el acceso es cada vez mayor a los contenidos sexuales. Lo importante sería hacerlos responsables y educarlos frente a su cuerpo y a su sexualidad, pero bien vale la pena pensar en que si a los 16 años se puede perder la libertad por infringir la ley, también se puede asumir con quien mantenemos relaciones sexuales. Un tema complejo, pero que vale la pena analizar.

PD: Hay que consignar que en muchos casos no se ha actuado de forma similar cuando la relación ocurre entre parejas heterosexuales. Se me vienen a la memoria casos como el de Marcelo "Chino" Ríos, que se casó con Gulianna cuando ésta tenía sólo 16 años y el 21 (¿ahí no se aplica la ley de estupro?) o cuando la Carla Ochoa, con 16 años, comenzó a pololear con el Negro Piñera cuando este ya superaba los 45 años. ¿Qué pasó en esos casos?, ¿Investigaciones no sabía de esas relaciones y todo el resto del país sí? o lo que es más grave, ¿se discrimina cuando esas relaciones son entres hombres o entre mujeres?. Si la ley de consentimiento sexual es clara, ¿porque no se aplica ahí?.
Insisto, la ley es clara, pero debe serlo para todos los casos y esto demuestra que es necesario revisar el artículo 365 (que nada tiene que ver con pedofilía) y más aún debemos debatir cuál es la edad en que un hombre o una mujer es responsable de sus relaciones sexuales consentidas, sin importan si es homo, hetero o bi, incluso trasnsexual... la ley debe ser pareja.

“Batman, el caballero de la noche”: Los superhéroes sí maduran

2008-07-28T20:25:00.000-07:00

· El cine adaptó por lo general la idea de que los comics solo debían dar como resultado películas para niños o familiares. Los orientales dijeron lo contrario y ahora esta nueva versión de Batman apuesta por madurar una trama y por acercarla a un público objetivo mayor.

Ya con “Batman Comienza” (Batman Begins, 2005), el director Christopher Nolan (responsable de la supervalorada “Memento”) hizo de Batman un superhéroe adulto, con rasgos sicopáticos y que se enfrenta a su lado más oscuro, como el miedo y la venganza. El resultado fue una película llena de matices y un ritmo imperfecto, pero eficaz. En esta ocasión Nolan repite la historia, pero esta vez, le da a sus villanos un nivel de desarrollo mayor.
La Historia se centra en una conspiración que hace que la mafia de Ciudad Gótica se encuentre en la obligación de contratar a un sicópata, autodenominado “Guasón” (el fallecido Heath Ledger) para que elimine a “Batman” (Christian Bale) y así asegurar que sus finanzas no correrán peligro ante la avalancha de investigaciones que logra el fiscal Havey Dent (Aaron Eckhart) y que los mantiene al borde de ser encarcelados. A esto se suma el caos que genera en ciudad gótica las fechorías del “Guasón (Joker)” y que provocan una histeria colectiva,
La gracia de esta nueva versión de Batman es que se aleja por completo de su lado infantil (tanto en el tono como en las imágenes) y se concentra en dar la forma y el ritmo de una película de adultos, mucho más oscura, dramática, aterradora y violenta que cualquiera cinta sobre el hombre murciélago que se haya hecho (incluso más allá de los que hizo Tim Burton en la década de los 90). En ese sentido, la película fluye y su ritmo mejora ostensiblemente sostenida básicamente en el buen manejo del montaje cinematográfico, la fotografía y por supuesto un argumento en dónde cada personaje establece sus matices, que enriquecen la historia.
Los villanos una vez más logran una resonancia importante, como es el caso del ya muy comentado Heath Ledger y su “Guasón”, que en verdad logra momentos notables, para crear un personaje que muchos pusieron en duda ante la genialidad del Guasón de Jack Nicolson por allá por 1989, en “Batman” de Tim Burton. Lo cierto es que la actuación de Ledger es sobresaliente, llena de humor y sicopatía, de maldad y locura, apoyado en un maquillaje tétrico, pero alejado de cualquier atisbo de ridiculez y es que el mérito está en que la maldad del Guasón es creíble, lo mismo que su locura.
Lo mismo ocurre con los otros personajes como Harvey Dent, Rachel o los que se perfilan en las futuras entregas, que de seguro vendrán. Batman-Bruce en tanto, revela acá muchas de sus obsesiones, como el placer por el poder, la venganza, soberbia y por sobre todo sus debilidades.
En suma, esta nueva entrega de Batman, es junto a la última versión de X-Men y la segunda parte de El Hombre Araña, una de las mejores películas basadas en superhéroes que nos haya entregado Hollywood. Cargada de violencia (por lo que no es recomendada para niños pequeños), sadismo y oscuridad, “El Caballero de la Noche”, representa a una sociedad que con matices cada ve se parece más a la que tenemos, llena de intolerancia y locura. Una película disfrutable de principio fin y recomendable. Sin dudas, MUY BUENA.

TITULO: Batman: El caballero de la noche

TITULO ORIGINAL: The dark knight

GENERO: Acción

DIRECCION: Christopher Nolan

GUION: Christopher Nolan, Jonathan Nolan

INTERPRETES: Christian Bale, Michael Caine, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Maggie Gyllenhaal, Gary Oldman

FOTOGRAFIA: Wally Pfister

MUSICA: James Newton Howard, Hans Zimmer

MONTAJE: Lee Smith

ORIGEN: Estados Unidos (2008)

DURACION: 150 minutos
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=NHwS7gi2EXI http://www.youtube.com/watch?v=mV6mTer-lh4&feature=related

CALIFICACIÓN: Mayores de 14 años (niños y niñas pueden ir acompañados de sus padres, aunque no es recomendable para menores de 7 años por su alta violencia)

“Wena Natty” y “Subteniente hot”: Como la educación y el ejército siguen con el machismo

2008-07-22T20:54:00.000-07:00

Podemos tener una mujer presidenta, podemos jactarnos de un avance social importante, disminuir los niveles de pobreza, aumentar los niveles de alfabetismo, pero aún somos un país “pechoño”, pacato, ultraconservador y odiosamente machista. Hay que reconocerlo. Somos básicos y hasta estúpidos.
Y es que el país avanza en varias materias, el Gobierno se jacta de la importante disminución en los niveles de pobreza (dónde la Región de Atacama lleva la delantera) y del aumento sostenido del alfabetismo (cercano al 100%), pero en situaciones puntuales, es donde demostramos que poco es lo hemos avanzado en comportamiento social y me refiero a la actitud que como sociedad tomamos frente a determinados temas, como la igualdad de género, el respeto a las minorías sexuales, los derechos reproductivos, la anticoncepción, etc. Seguimos estando dominados por el machismo insano, la discriminación y el conservadurismo solapado. Lo peor de todo es que estamos sembrando la hipocresía a manos llenas, mientras nuestros jóvenes se liberan, nuestros discursos y acciones siguen siendo débiles y tangentes.

Sexo oral infantil
“Wena Naty”, esa frase que estremeció al país gracias a un video de una adolescente practicándole sexo oral a un compañero de liceo y que escandalizó hasta a los más liberales e hizo poner el grito en el cielo a las señoras de misa. Lo cierto es que los que más celebraban la “gracia” eran los mismos jóvenes. El vídeo de la “Natty” recorrió internet y celulares y la jovencita se transformó en una estrella del porno amateur. Más allá de cualquier análisis basado en la “moral” (para mí lo cuestionable fue la distribución de un material con contenido pornográfico donde los protagonistas eran menores de edad, aunque hay que recalcar que se hizo en circunstancias diferentes a las de una producción deliberadamente pornográfica), lo de la “natty” no fue nada más que la ejemplificación de cómo los jóvenes viven su sexualidad y la avalancha de videos fue importante (desde el wena Carmelo hasta otras osadías con uniformes). Tras el temporal, quién se llevó la peor parte fue precisamente la “Natty”. La joven fue expulsada del liceo y fue estigmatizada. ¿Qué pasó con el joven que recibió el sexo oral? ¿Franco, se llamaba?, lo difícil que resulta recordar su nombre es porque nadie condenó al adolescente. Todas las condenas cayeron sobre la niña. ¿Qué es eso?, Si no es machismo, ¿Qué es? ¿Acaso la responsabilidad de la sexualidad es exclusiva de las mujeres? ¿Es el sexo “honor” para hombres y “deshonra” para las mujeres?. Al menos eso parece.
Una demostración que como sociedad no hemos vanzado ni un milímetro en estos años y que la píldora del día después no fue nada más que un pequeño “veranito de san Juan” para la igualdad de géneros y los derechos sexuales y reproductivos. Acá la arista del “wena natty” no fue la correcta y que hubiera sido una excelente oportunidad para EDUCAR a jóvenes, varones y damas, en torno a su sexualidad y a las relaciones sexuales, pero no, se utilizó una vez más para marcar diferencias y para demostrar lo pachorros que somos.

Subteniente “Hot”
El caso de la ex subteniente, Marisol Vargas, es similar. En vez de un video fueron unas fotos en las que salía en actitudes “eróticas” con su novio, que más tarde se convirtió en su esposo. Más encima las fotos eran privadas y habían sido sacadas a la mala de su PC. Por suerte el Capitán Sergio Valenzuela, quien había sacado las fotos, ahora enfrenta a la justicia.
Pero tras el incidente, ¿Quién resultó más perjudicada?, nuevamente la mujer, que perdió su lugar en el ejército (aunque ellos digan que fueron por otras causas y lo que más surge son dudas a la luz del historial de discriminación y machismo que cubre al ejército y a las fuerzas armadas en general). Además quedó estigmatizada como la “teniente HOT”. ¿Qué pasó con su ahora marido?, sigue en la institución y casi nadie se acuerda de él y su cara. Y es que en este caso, el único que tuvo una conducta reprochable fue quien sacó las fotos desde un ámbito privado. Ella y su novio no. Simplemente porque lo que hacían era parte de su intimidad. El ejército, una vez más se metió en las sábanas de sus integrantes, así como la Iglesia se mete en la cama de sus feligreses y de toda la sociedad y más aún mostrando que su talón de Aquiles sigue siendo el machismo y la discriminación, tal cual lo hace la Iglesia.

¿Dónde Vamos?
El caso de la “natty” y de Marisol, no son más que un pequeño islote, donde debajo se esconde una montaña de lugares comunes, de procesos mal entendidos y de una sociedad que se niega a evolucionar completamente. Hombes y mujeres, seres iguales, tenemos los mismos derechos de sentir placer y tenemos a la vez las mismas responsabilidades frente a la sexualidad. ¡¡Si te lo chupan o los chupas, da lo mismo!!, debes responsabilizarte por ello. Suena vulgar y puede que lo sea, pero es como debiéramos procesar.
Y es que una vez más los avances, de los que nos sentimos tan orgullosos, a veces no son un reflejo de nuestro crecimiento interior y social. El género sigue siendo un diferenciador de responsabilidades, y más si es con respecto al sexo.
Acá, en el machismo y en nuestra intolerancia hacia lo diferente, es donde demostramos que, si bien casi no hay analfabetismo en Chile, nuestro país aún sufre del peor “analfabetismo social” y que va de la mano de muchas de nuestras instituciones. ¿Estamos haciendo algo para que nuestras generaciones futuras dejen atrás esos vicios? Esperemos que sí, pero creo que no podremos esperar que eso lo haga ni la Iglesia, ni el ejército… aunque aún me queda esperanza en que lo hagamos desde la Educación.

Wall-E: Un robot con personalidad y una cinta perfecta

2008-07-09T21:23:00.000-07:00

* La nueva apuesta de Disney y Pixar nos presenta a un robot que cada vez adquiere más rasgos humanos. Una apuesta hermosa, sensible y que demuestra que estos estudios aún no pierden la capacidad para sorprender

Wall-E es un robot que se dedica a limpiar la basura que dejamos los humanos antes de partir a un viaje estelar eterno y que se ha prolongado por cientos de años. Wall-E recorre las ciudades construyendo enormes edificios de basura, pero también guardando recuerdos de los antiguos habitantes del planeta. Una cinta de video con imágenes de la película “Hello, Dolly” lo acerca a los humanos y su pasado, mientras que su único amigo es una cucaracha que lo acompaña a todos lados. Todo hasta que llega “Eva”, un robot explorador que despertará en Wall-E la necesidad de tener a alguien similar más cerca.
Los estudios Pixar y Disney logran lo que parecía imposible. Crear una película casi muda y que lograra mantener la atención durante una hora y media y que estuviera dirigida a toda la familia. Cuando ya creíamos que habían llegado a la cúspide con cintas como “Buscando a Nemo” o “Ratatoulle” (ambas excelentes obras de animación), entregan esta película que roza en la perfección y que se transforma en una obra maestra del cine y de seguro en un clásico instantáneo.
Wall-E dirigida por Andrew Stanton (“Buscando a Nemo”) y escrita en conjunto con Jim Capobianco (“Ratatouille”) es un prodigio no sólo en su género, ya que logra crear un personaje entrañable, adorable y lleno de guiños a lo humanos. Wall-E es capaz de desarrollar una personalidad propia y lo mismo logra provocar en “Eva”, en una sintonía de silencios, risas, muecas, miradas y situaciones que son simplemente un ejemplo de buen cine y de mejor oficio. Los primeros minutos, sin diálogos, son una muestra perfecta de narración, se nos presenta el personaje, el problema y una serie de situaciones sin necesidad de mediar palabras para explicarlo. Todo salpicado de un humor que da ritmo y que cruza toda la película, además de guiños a escenas del cine y a otras cintas de ciencia ficción (“2001, odisea en el espacio” tiene su merecido reconocimiento, al igual que “Alien”) que hacen aún más agradable esta película.
En suma, una cinta imprescindible. Hermosa en todos los sentidos y fundamental para entender el cine como arte que es capaz de equilibrar la delgada línea entre la entretención y la calidad. “Wall-E” a todas luces es una OBRA MAESTRA. Imperdible para toda la familia.

“Wall-E”. Disney-Pixar. Todo Espectador

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=lBfWNBY-QcY

Trailer extendido: http://www.youtube.com/watch?v=3Fr3 At5id0s&feature=related

Transexual Embarazado y transexual obligado a “masculinarse”: Transfobia al máximo

2008-06-09T20:35:00.000-07:00

Cuando uno mira las fotos de Thomas Beatie, sin duda impactan. Un hombre con un pronunciado embarazo no es lo más cercano a lo que estamos acostumbrados, a lo que llamamos “normalidad”. Pero para entender mejor el concepto, hay que partir por el principio. Transexualidad, ¿qué es? Según la RAE, transexual es “Dicho de una persona: Que se siente del otro sexo, y adopta sus atuendos y comportamientos o Dicho de una persona: Que mediante tratamiento hormonal e intervención quirúrgica adquiere los caracteres sexuales del sexo opuesto”. Es decir, una persona que nació con el sexo masculino, pero que tiene sentidos y deseos femeninos o viceversa. No hay que confundir con otros términos como Travesti (que se viste con ropas del sexo opuesto), transformista ( que se viste de ropa del género opuesto en forma ocasional ya sea como espectáculo o como forma de vida) transgénero (que adopta una forma de vida del sexo opuesto) y menos con homosexual (que siente atracción sexual por personas de su mismo sexo).
Por ignorancia muchas personas tienden a generalizar los términos, a confundirlos y mezclarlos. Aunque hay que decir que todas las personas con estas características comparten una situación y es la discriminación, que nace de la fobia. Homofobia es el término más conocido, pero no por ello el más brutal. Todas las fobias que se refieren a los sexual o a lo racial/cultural son brutales y signos de una sociedad enferma. Mientras más fobias tengamos más necesitamos sanarnos.
Ahora muchos podrían decir que el caso de Thomas Beatie, el transexual embarazado, tiene otras aristas y lo que es cierto, pero que en fondo no hace poner a prueba nuestra tolerancia y nuestra ignorancia. ¿Quién se arroga el derecho de decidir lo que hago sobre mi cuerpo? ¿Es lícito obligar a alguien a negar su derecho a concebir vida? ¿Si “Dios” permite que nazcan trasexuales, porque yo voy a negarlo?.
Es un tema fuerte, pero que amerita una profunda reflexión. Quizás mi única preocupación en torno al tema está dada por el niño o niña que nacerá. Medicamente al parecer no hay problemas, pero que pasará cuando ese niño o niña ingrese a un colegio. ¿Tendrá que “pagar” por la condición de sus padres?, esperemos que no. Así como en alguna época los hijos o hijas de madres solteras eran discriminados, es muy probable que en el caso de este niño o niña (Como también de los hijos/as de padres del mismo sexo) la discriminación se haga presente. Y es ahí donde la sociedad se muestra más aberrante, sucia y enferma. Descarga su ira en un niño o niña y sólo por tener un lazo con lo diferente. ¡Qué vergüenza me dan aquellos padres o madres que discriminan a los pequeños!, que falta de rasgos de humanidad le quedan y ojo que muchos de ellos se hacen llamar “cristianos”.
Bueno retomando el tema de los transexuales, otro caso me llama la atención. En Chile, más específicamente en la comuna de Independencia en Santiago, el alcalde Antonio Garrido, simplemente demostró su intolerancia al exigirle a una mujer transexual que se “masculinizara” y de lo contrario no le daría un permiso para ser comerciante. El argumento del edil es que las personas transexuales son un “mal ejemplo”. Es ahí cuando nace mi reflexión. ¿Cómo una autoridad puede expresar ese nivel de falta de humanidad, de estrechez mental, de ignorancia? Y no es sólo el único, ya han demostrado su rigidez y su ignorancia numerosos alcaldes a lo largo del país, como el de Las Condes, Vitacura y Providencia, por solo nombrar a algunos, con casos más recientes.
Sorprende, más aún cuando hace poco fue el propio Gobierno quien lanzó una campaña contra la transfobia. Al parecer hay algunas autoridades que necesitan una clase magistral de tolerancia y respeto por la diversidad. Entender que el ser humano es HUMANO, sin importar su condición sexual, de género ni raza. Que el o la transexual es además ciudadano (a) que tiene los mismos derechos que cualquier persona y más aún que también tienen derecho a votar. Quizás al hacerles entender que detrás de cada persona que ellos discriminan hay una red de sufragios y votos que necesitan para ser electos, les haga cambiar de parecer. Porque es más que sabido que las personas cuando más reaccionan es cuando le tocan sus puntos débiles y en el caso de estos alcaldes sin duda, las elecciones y los votos serán su talón de Aquiles. ¿Acaso creen que alguna persona transexual deseará votar por alguien que discrimina?... Así que señores alcaldes que van a la reelección sean más humanos o por último háganlo por los votos que van a perder.

Retomando el BLOG (o explicando la línea del mismo)

2008-06-06T09:21:00.000-07:00

Debido a una serie de ocupaciones el blog pasó a segundo termino. Pero desde hoy me comprometo a una actualización semanal. Así que para los que me preguntaban ahi está la explicación. Hoy empezaré con una pequeña reflexión sobre este BLOG. ¿Que es?... para mi hasta ahora era un espacio para comentar cine, eso mayormente. Bueno un Blog, o al menos este blog desde hoy será más que eso. El cine no abandonará por completo sus páginas, pero tampoco será lo único que llene sus espacios. Este blog se liberará... se revolucionará y será un espacio para la opinión, de todo tipo. Expondré algunas reflexiones en torno a como veo yo a nuestra sociedad (cerrada, distorcionada, opresiva, desinformada, estrecha, pacata, repulsiva, pero con pequeños destellos de esperanza), a la iglesia (mal social, inútil, retrograda, anacrónica, castradora, aburrida, mentirosa, hipócrita, doble estandar, imperialista, manipuladora), a la política (mal necesario), a las instituciones, etc.
Habrá espacio para todo. Cada semana.

“El Amor en los tiempos del Cólera”: García Márquez en imágenes

2008-02-12T19:49:00.000-08:00

El escritor colombiano escribió en 1985 esta novela y que fue adaptada a la pantalla grande con un resultado que demuestra que la gran película basada en una obra de García Márquez está pendiente

Respeto, eso es lo que se huele a cada segundo que avanza “El Amor en los tiempos del Cólera” en su versión cinematográfica. Un respeto al autor de la novela original que por momentos parece miedo, falta de osadía e identidad. Esos son los principales puntos en contra de una película que pudo ser la gran cinta sobre una novela de Gabriel García Márquez.
La película, al igual que la novela, se centra en Florentino Ariza, un joven que trabaja en el telégrafo de Cartagena de Indias, Colombia, y que se enamora perdidamente de Fermina Daza y la corteja, mientras su padre rechaza la relación y la lleva lejos hasta que logra que se case con un reconocido médico que atiende una epidemia de cólera que asola a la región. Florentino jura amar toda la vida a Fermina y mientras tanto vive su vida entre la soledad, los amores fugaces y sexuales (llega atener más de 600 amantes) y la espera.
Un argumento épico de amor imposible y que en la novela se entrelaza con una narración compleja pero hermosa. Aunque son odiosas las comparaciones, es imposible abstraerse del libro y a pesar de analizar la película en su contexto, el autor en este caso supera a la adaptación en si. García Márquez como marca es muy fuerte y se nota.
Mike Newell (director irregular autor de la exquisita “Cuatro Bodas y un Funeral”) toma con mucho respeto la obra y los principales problemas están en precisamente respetar “al máximo” la obra literaria, haciendo encajar todo en la película, lo que a la final, lejos de lograr identificación, hace perder identidad y estira el relato más allá de lo recomendable, dejando a sus personajes en una posición no muy favorable y en una incomoda posición a sus actores, que no logran dar en el punto exacto de sus interpretaciones. Javier Bardem, imprescindible actor español, entrega un personaje indefinido como Florentino, entre la estupidez y el amor y que por momentos esa suerte de desvío lo hace menos identificable y querible, algo fatal en una historia donde es el sostén y el final. Lo mismo pasa con el persona de Fermina, interpretada por la italiana Giovanna Mezzogiorno, que por momentos esconde demasiado su interior, en parte debido a la dirección y al guión.
Son los personajes secundarios los que en parte dejan fluir el relato, aunque el guión desperdicie a muchos de ellos, como el de la madre de Florentino (la siempre sólida Fernanda Montenegro).
La constelación de estrellas latinas le da frescura y cercanía, pero el guión excesivo la hace tambalear, aunque hay que reconocer que por momentos logra traspasar esa sensibilidad potente que hay en el relato del autor colombiano. Si obviamos algunos pasajes repetitivos y que con un guión más inteligente hubieran sido tratados en forma menos obvia, la cinta fluye a saltos, con altibajos, con ciertos toques de humor (en especial en el principio) y que termina con unos 20 minutos finales que están llenos de lo que falto en el resto de la cinta, sensibilidad, silencios y ahorro de explicaciones.
Dónde no hay reparos es en lo técnico. Una fotografía sublime salva muchos de los baches y hace avanzar el relato, lo mismo la ambientación, la dirección de arte y el vestuario. Mención aparte merece la Banda Sonora, con tres canciones de Shakira incluidas, que es un deleite y un acierto que hace golpear justo cuando la cinta decae. Los mejores momentos estan de la mano precisamente de esos elementos y de versos literales de la novela que en si golpean y provocan.
En suma, un guión débil para una historia potente. A pesar de eso la película consigue su cometido, emocionar, aunque esta lejos de ser la gran película basada en una novela de Gabriel García Marquez. Recomendable especialmente para quienes adoran la novela. INTERESANTE.

Dirección: Mike Newell. País: USA. Año: 2007. Duración: 139 min. Género: Drama. Interpretación: Javier Bardem (Florentino Ariza), Giovanna Mezzogiorno (Fermina Daza), Benjamin Bratt (Juvenal Urbino), Catalina Sandino Moreno (Hildebranda Sánchez), Hector Elizondo (don Leo), Liev Schreiber (Lotario Thurgot), Fernanda Montenegro (Tránsito Ariza), Laura Harring (Sara Noriega), John Leguizamo (Lorenzo Daza), Unax Ugalde (Florentino Ariza joven). Guión: Ronald Harwood; basado en la novela "El amor en los tiempos del cólera" de Gabriel García Márquez. Producción: Scott Steindorff. Música: Antonio Pinto. Fotografía: Affonso Beato. Montaje: Mick Audsley. Diseño de producción: Wolf Kroeger. Vestuario: Marit Allen. Calificación: Todo Espectador (mayores de 7 años, por algún contenido sexual)

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=ut49aOMAMVo&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=CejGSNwikaU
http://www.youtube.com/watch?v=H5VMJiyd1Mk

1408: Miedo Profundo

2008-01-12T23:52:00.000-08:00

Basada en un cuento de Stephen King, esta debe ser la mejor película resultante de un relato del escritor en mucho tiempo.

Un escritor frustrado (John Cusack), tras la muerte de su pequeña hija, se dedica a visitar hoteles embrujados y tratar de sentir algo de paranormal en ello. Es así como desbarata numerosos fraudes y deja al descubierto que no hay nada de sobrenatural en las construcciones. Eso hasta que recibe la extraña invitación de hospedarse en la habitación 1408 del Hotel Dolphin en Nueva York, sin saber que ese lugar encontrara un verdadero pasadizo al terror. Sin escuchar las advertencias del administrador (Samuel L. Jackson) que le asegura que en esa habitación han muerto 56 personas. Lo que sigue es un carnaval de emociones extremas y supervivencia al interior de la hermética habitación.
“1408” está dirigida por Mike Hafstrom, quien logra impregnar de un atmósfera aterradora a la película y trasformar a la cinta en la mejor adaptación de una obra de Stephen King en varios años y que recuerda a aciertos como “Cuenta Conmigo” (Rob Reiner), “Sueños de Fuga” (Frank Daranbont) y “El resplandor” (Stanley Kubrick), siendo está última la más cercana en cuanto a personajes y ambientación.
Llama la atención que el director haya optado por trabajar una narración más bien convencional donde los movimientos de cámara son más pausados y que se acercan más bien a la narración tradicional que a los nuevos elementos del cine de horror, donde muchas veces la cámara es casi un personaje esquizofrénico. Lo que se agradece ya que es precisamente la narración la que permite que el relato se sostenga en una atmósfera opresiva, asfixiante que aumenta a medida que avanza el relato, en especial cuando el escritor está atrapado en la habitación.
Lo mismo sucede con las actuaciones, John Cusack como Mike Eslin, que logra sostener una buena parte del relato con cambios impresionantes en su registro. Con esta película Cusack demuestra que es un intérprete excepcional, que es capaz de tener en sus hombros la responsabilidad completa de una producción. Son particularmente logrados sus quiebres del estado de espanto al de horror, que en cualquier otro caso hubiese resultado plano y con ello poco creíble. Y resulta particularmente expresiva la secuencia, que se transforma en un duelo de personajes y de actuaciones, cuando es interpelado por el personaje que interpreta Samuel L. Jackson, quien lo incita a no visitar la habitación. Esa secuencia impregna todo el suspenso necesario para que lo que viene después sea efectivo y aterrador.
Quizás exagerada en algunas situaciones y cruel en otras, la película peca de algunas resoluciones convencionales y de algunos baches propios de un relato unipersonal, pero que son sorteados en forma airosa. Particularmente intensa es la relación que se establece entre el escritor y la muerte de su hija, que además de ser dramática es utilizada como un elemento aterrador.
En suma, intenso, entretenido y asfixiante relato que demuestra que el horror puede sostenerse en un personaje y una situación, que de paso da clases de narración tradicional y con varios “catch” (momentos que hacen saltar de la butaca), que son el deleite de los amantes del género. Muy Recomendable. MUY BUENA.

Título: 1408
Dirección: Mikael Håfström
País: Estados Unidos
Año: 2007
Duración: 94 min.
Género: Terror
Reparto: Samuel L. Jackson, John Cusack, Tony Shalhoub, Isiah Whitlock Jr., Mary McCormack, Jasmine Jessica Anthony, Len Cariou, Paul Birchard, Margot Leicester, Walter Lewis
Guión: Scott Alexander, Larry Karaszewski, Matt Greenberg
Web: www.1408-themovie.com
Distribuidora: New World Films International S.A.
Productora: Dimension Films, Di Bonaventura Pictures
Dirección artística: Doug J. Meerdink, Eric Sundahl, Mark Raggett, Stuart Kearns
Director de fotografía: Benoît Delhomme
Diseño de Producción: Andrew Laws
Montaje: Peter Boyle
Música: Gabriel Yared
Productor: Lorenzo di Bonaventura
Productor asociado: Antonia Kalmacoff, Jeremy Steckler, Kelly Dennis
Productor ejecutivo: Bob Weinstein, Harvey Weinstein, Jake Myers
Vestuario: Natalie Ward

El cine que no veremos en el cine….

2007-12-13T19:26:00.000-08:00

Llega la navidad y con ello un cúmulo de estrenos cinematográficos que lamentablemente son ajenos para los copiapinos. Y a pesar de que la mayoría son películas para niños, hay otras opciones que también pasan de largo en la ciudad. Una lástima que esperemos se subsane pronto con la instalación de cines en la capital de Atacama, aunque de seguro tampoco subsanarán la ausencia de estrenos menos comerciales. Lo único que queda es esperar a que salgan en DVD.

The Host: Monstruo coreano
Fue la revelación de este año en cine extranjero. Un cinta de monstruos en apariencia convencional, pero que esconde todo una serie de criticas al sistema y a la globalización.
Un monstruo crece en un río que cruza la ciudad de Seúl en Corea del Sur y de pronto sale a la superficie a devorarse todo lo que se cruza. Es así como en uno de los ataques, la criatura rapta a una pequeña, por lo que toda su familia decide ir tras el monstruo para encontrar a la niña. Una familia disfuncional donde el padre es un perdedor despistado, el tío tiene problemas de alcohol, la tía es deportista con problemas de decisión y el abuelo es un patriarca que trata de mantener unida a la familia. Mientras tanto el gobierno cerca el lugar y Estados Unidos manda un ejército al lugar asegurando que la nación sufre de un virus.
Una película llena de un humor sarcástico, con una mezcla de géneros ya que la cinta deambula entre la comedia, el drama y el terror. Tiene momentos hilarantes (ojo con la escena del funeral) y otros simplemente aterradores. Una película que esconde una fuerte crítica al manejo de crisis de los gobiernos y a la fuerte intervención norteamericana en el mundo, pero que además sirve de ejercicio para conocer un poco el sobreexagerado histrionismo de los asiáticos.

En suma recomendable, aunque algo esquizofrénica película de monstruos. BUENA.

Título original: The host, 2005

Reparto: A-sung Ko, Doo-na Bae, Hae-il Park, Hee-bong Byun, Kang-ho Song

Dirección: Bong Joon-Ho
Calificación: Todo Espectador

Acuérdate de mí: Una familia de verdad disfuncional
Una cinta coral italiana que recuerda las mejores técnicas de engranaje y montaje para este tipo de películas. Una familia de clase media vive una crisis tras casi 20 años de matrimonio. Dos hijos, con problemas cada uno y una infidelidad que desencadena un drama y desnuda varias verdades sobre la convivencia.
Gabriel Muccino (director de la simple “El último beso”) afina su narración con esta compleja estructura que se deja llevar a cada instante por el tono desesperanzado de sus personajes. La mujer es una actriz con crisis de identidad que busca un papel que la revitalice, el marido está cansado de su matrimonio y encuentra en una amante (la espectacular Monica Belluci) toda la magia perdida, el hijo está enamorado y se siente un marginado de los jóvenes de su edad, la hija busca en la promiscuidad el camino para llegar a la televisión.
Son personajes definidos y estructurados que solo tiene algunos aires de los convencionalismos esperados, pero que arrastran motivaciones que son identificables en más de un caso. La fuerza de la cinta esta en eso y en su desarrollo, en el uso correcto de las técnicas que el cine ofrece para narrar. Secuencias como el debut de la hija en la televisión, están logradas al máximo. Quizás la narración pierde fluidez al tratar de encontrar un final para cada uno, siendo que a veces lo inconcluso es más atractivo. Aún así esta película italiana es un deleite narrativo y una película que tiene una extraña sensibilidad. MUY BUENA

Titulo Original: Ricordati di Me

Reparto: Fabrizio Bentivoglio, Monica Bellucci, Laura Morante, Silvio Muccino, Nicoletta Romanoff, Gabriele Lavia.

Pais y Año de Producción: Italia - Francia - Inglaterra. 2003

Director: Gabrieel Muccino.

Género: Drama Romántico

Duración: 125 minutos

Calificación: Mayores de 14

Resident Evil 3: Más muertos, con menos sesos
Es la tercera entrega de los muertos vivos salidos de Umbrela. Se repite el plano Milla Jovovich como la exquisita Alice, que extermina a los zombies y es la esperanza de la humanidad. Esta vez la plaga ha consumido al mundo y unos pocos sobrevivientes se refugian en el desierto y en los vestigios de las ciudades. Alice decide estar solo porque supone que ella provoca la muerte de quienes la rodean. Eso hasta que logra ayudar a un puñado de sobrevivientes del ataque de unos cuervos zombies y los ayuda a encontrar una esperanza.
Una cinta entretenida, donde los efectos especiales transforman a Las Vegas en un desierto y donde los muertos vivos son cada vez más horribles. La película más que apelar al horror conceptual (como lo hubiera hecho George Romero), se va por el camino de la acción trepidante, la violencia extrema y las muertes espectaculares. Si bien recupera el nivel tras la horripilante segunda parte (Resident Evil 2, la Aniquilación), pero aún así se siente falta de pasión y de ideas propias. No hay nada nuevo en esta lucha contra la corporación y los muertos vivos, sin embargo, la falta de creatividad se suple con la correcta vocación del director para entretener. Sin duda un deleite para los fanáticos. ENTRETENIDA.

Titulo Original: Resident Evil 3: La Extiction

Reparto: Milla Jovovich, Oded Fehr, Mike Epps, Ali Larter, Chris Egan, Ashanti, Iain Glen, Sienna Guillory, Jason O'Mara.

Pais y Año de Producción: USA. 2007

Director: Russell Mulcahy.

Género: Acción - Terror

Duración: 93 minutos

Calificación: Todo Espectador (+7) (ojo que es bastante violenta)

¿Hasta donde llega la estupidez?

2007-11-15T18:33:00.000-08:00

Hay personas que legitimamente pueden expresar su opinión y es respetable en el contexto cuando esa opinión es lógica. Puede haber personas que por su oscura y retrograda formación moral sean incapaces de comprender las variantes del amor humano. Ese sentimiento tan amplio y general que puede servir para describir la aprehensión de una madre con su hijo, así como también para entender porque dos personas del mismo sexo se meten juntos a la cama y no precisamente para dormir. El amor tan difícil de definir, tan manoseado, tan adorado, tan incomprendido y tan estudiado. ¿Quiénes somos nosotros para juzgar al amor? o para darnos de catedráticos de las relaciones amorosas de las personas. Para entender el amor como concepto lo primero es tener la virtud de la tolerancia.

Hace días el almirante (R) Miguel Ángel Vergara, en el canal de todos, lazó una artillería de guerra en contra de los homosexuales, diciendo que su condición sexual era un impedimento para que tomarán las armas. Me pregunto si alguien le hubiera dicho eso a Gabriela Mistral, "Por tu condición no puedes escribr poemas de amor", quizás hoy no tendríamos a la nobel poetisa inscrita en los libros del mundo.

Es fácil querer opinar, es fácil construir muros de intolerancia. Pero es difícil comprender que a veces el amor es más complejo de lo que queremos.

Ahora me gustaría compartir una opinión, en tono sarcático, que hace Ricarte Soto, sobre lo expresado por el almirante (r). Entre líneas demuestra que a veces caemos en la más básica de las estupideces solo por la insana posición que nos deja la intolerancia.

La nación, domingo 4 de noviembre de 2007

D-GENERACIONES

Escrito por Ricarte Soto

Doctor Sexo La opinión del almirante (R) nos permitió descubrir que este lobo de mar tiene un gran futuro como consejero sexual. Sin rodeos asegura que la tendencia homosexual “es controlable mediante la abstinencia y el cultivo paciente, esforzado y hasta heroico de las virtudes de la templanza y la castidad”.mi entender, la injerencia de los militares en los asuntos de los civiles no es bienvenida. Con la misma lógica, me abstengo de opinar sobre los reglamentos que rigen la vida de los cuarteles.Por eso, cuando el almirante (R) Miguel Ángel Vergara manifiesta su rechazo absoluto a la presencia de homosexuales en las Fuerzas Armadas, concedo que un "paisano" como yo no tiene mucho que decir. En la trayectoria que lo empinó hasta la Comandancia en Jefe de la Armada debe haber estudiado y reflexionado más de una vez sobre el tema, para concluir que es inconcebible que los gays empuñen las armas. En su arenga no precisa si las lesbianas también deben ser desalojadas del mundo militar.El asunto cambia cuando su reflexión aborda la homosexualidad como una conducta desviada. Sin ánimo de revivir antiguas pesadillas, me parece que este marino tiene algunas lagunas, por no decir océanos, en su memoria. En los años 70 varios militares heterosexuales quizás también participaron bisexuales violaron y torturaron sexualmente a sus detenidas. En caso de que Vergara lo ignore, esto recibe el nombre de sadismo, porque el placer sexual se obtiene causando dolor y la humillación de la víctima. A lo mejor el almirante en retiro piensa que estas conductas de supuestos machos-recios no merecen mayores observaciones.Pero, en fin, dejemos de lado esa historia porque la opinión del almirante (R) publicada en un diario nos permitió descubrir que este lobo de mar tiene un gran futuro como consejero sexual. Sin rodeos asegura que la tendencia homosexual "es controlable mediante la abstinencia y el cultivo paciente, esforzado y hasta heroico de las virtudes de la templanza y la castidad".Traduzcamos a un lenguaje más vulgar los elegantes consejos del nuevo doctor del sexo, que además de ser válidos para los homosexuales, pueden ser puestos en práctica por bisexuales y heterosexuales.La abstinencia, por ejemplo, se puede lograr viendo ángeles en todas partes, porque éstos supuestamente no tienen sexo. En caso de fracaso hay que optar por la mano dura. Por ejemplo, colocar la ducha-teléfono entre las piernas, de manera que el chorro de agua fría golpee con fuerza hasta que la calentura desaparezca.Como dice Vergara, este es un asunto de de cultivo paciente, por lo tanto la operación se debe repetir cuantas veces sea necesario y a toda hora.En casos más graves no hay tiempo que perder. El método más recomendado es azotarse los genitales y el trasero con una varilla de coihue. Es obvio que se debe morder un pañuelo, para que los vecinos no escuchen los aullidos, aunque no hay que preocuparse por las lágrimas porque éstas no hacen ruido. Cuando se llega a esta instancia hay que sentirse un ser pleno, por haber alcanzado el clímax del heroísmo, como lo aconseja nuestro querido doctor.Todos estos ejercicios pueden parecer terribles e inhumanos, pero tienen su justa recompensa. En su receta de la abstinencia homosexual, Vergara explica que ese esfuerzo merece comprensión, porque sobreponerse a una atracción por el mismo sexo es una pesada cruz.Me han dicho que hay gran interés por conocer la fecha de publicación de los nuevos consejos del Doctor Sexo.

PD: A reflexionar y ampliar un poco nuestra posición...

Mistral lesbiana

2007-10-29T05:28:00.000-07:00

Hay que leer este artículo sobre nuestra Gabriela Mistral. Escrito por Patricia Verdugo, es una reflexión sobre la vida privada de alguien y como ésta afecta su obra. ¿Los Chilenos podremos aceptar que Gabriela tenía una vida privada más allá de la que expresa en sus versos?

Ahi está el Articulo:

por Patricia Verdugo

"Cuando tú vuelvas, si es que vuelves, no te vayas enseguida. Yo quiero acabarme contigo y quiero morirme en tus brazos" (fragmento de carta de Gabriela Mistral a Doris Dana, diciembre de 1948).

La relación de amor entre Gabriela Mistral y Doris Dana comenzó el 1 de octubre de 1948. Y cuando celebraron el séptimo aniversario como pareja, la poetisa le comentó a su amada: "hay que cuidar esto, Doris, es una cosa delicada el amor".

La prueba de que cuidaron su relación está a la vista. Unidas estuvieron hasta la muerte de la gran Gabriela en 1957 y Doris fue su heredera universal. Gozaron de buen amor por ocho años hasta que –cumpliendo su deseo- Gabriela expiró en sus brazos en Nueva York.

Decir en círculos privados que nuestra gran Premio Nóbel fue lesbiana, hasta hace muy poco, era un escándalo. Unos lo rechazaban o callaban. Otros argumentaban que no había pruebas. Y los menos decían que el dato no era relevante para efectos de analizar su obra. La homofobia aparecía por doquier. En 2002, la académica portorriqueña Licia Fiol-Matta escribió el libro "Una madre homosexual para la nación: el Estado y Gabriela Mistral", libro que Chile escondió bajo la alfombra. Y cuando se planteó hacer una película ("La pasajera", Casas y Labarca) hilos invisibles se movieron en México y Chile para impedir el proyecto.

Hoy, gracias a la "desclasificación" de archivos, podemos finalmente tener las pruebas y dar pasos claves hacia la verdad. Y eso permitirá perfilar a nuestra Gabriela como la persona que realmente fue, muy distante de la imagen de tristeza y soledad insondables, imagen que moldeó en fierro el stablishment local para fijarla en la historia como madre literaria de Neruda y tantos otros poetas del siglo XX, como santa madre de la nación, mito asexuado y angelical incluso.

La mujer de carne y hueso eran tan profunda como sensible, amaba con alegría y odiaba con rencor. Fue una persona tan potente que, desde 1945 hasta hoy, detenta el único Nóbel para una mujer en habla castellana. Mérito que ganó por la fuerza de su obra, ya que no contó –como Neruda- con el global apoyo de los intelectuales de izquierda.

Feminista, la Mistral sostenía que la mujer era "prisionera de la ignorancia". Y resumió su vida en Chile diciendo que "viví aislada en una sociedad analfabeta cuyas hijas eduqué y que me despreciaba por mal vestida y mal peinada". Llegó a decir incluso que Chile "no tiene sesos, no tiene madurez".

¿Tienes una gabriela?, se dice popularmente en Chile, ya que su imagen circula en rojos billetes de cinco mil pesos. Su medalla Nóbel descansa en una triste vitrina del mal mantenido museo de la iglesia de San Francisco. Su museo en Vicuña es de una pobreza que busca reafirmar la falsa imagen, antípoda de la poetisa que se codeó con lo mejor de la cultura mundial y disfrutaba de una mansión en Estados Unidos.

Sólo su tumba en Montegrande emociona porque –pese al Chile mediocre y envidioso que no supo acogerla- fue su decisión ser enterrada en el seco suelo del norte que la vio nacer. "El valle lo mientan Elqui / y Montegrande, mi dueño".

¿Será capaz Chile de asumir a la nueva Gabriela? La esperanza dice ojalá y el realismo dice difícil, muy difícil…

PD: Esperemos que de una vez por todas, la condición sexual de una persona sea un simple detalle como lo es tener el pelo negro o los ojos azules. Que nadie sea criticado, juzgado, encasillado, condicionado o estigamtizado por su orientación sexual. Como dice Patricia Verdugo... difícil... difícil...

“Radio Corazón, la Película”: Retrato Sexual de una sociedad conservadora

2007-10-21T19:45:00.000-07:00

* La segunda parte de “El chacotero Sentimental” está dirigida por el propio Rumpy y pasa la difícil y odiosa prueba de la comparación.
* Copiapó queda fuera de la locura que desató la película en la taquilla y todo por no tener un cine. Cuando se estrenan cintas con este nivel de impacto, todos aullamos por una sala comercial en la ciudad.

La estructura es la misma que su predecesora. Tres historias basadas en llamados realizados al popular programa “El Chacotero Sentimental” se entrelazan con las intervenciones de El Rumpy. “Radio Corazón” además es el debut de Roberto Artigoitía, el Rumpy, en la dirección, que en la primera parte estuvo a cargo de Cristián Galaz.
La primera historia, “La iniciación”, está protagonizada por la nueva musa del cine chileno, Manuela Martelli, además de Daniel Muñoz y Daniel Alcaíno. En ella una joven (la sólida Martelli) es la líder del “comando copi”, un grupo de adolescentes que tiene como pacto perder la virginidad antes de los 18 años, pero resulta que todas lo han logrado. Es así como ella empieza a urdir un plan para acostarse con un hombre mayor. En ese contexto su padrastro (Muñoz) conoce a “el dragón”, un cuento sexual que se supone da el mejor chiste de la película y que finalmente desencadena la trama. Aún así “La iniciación” es la historia que tiene el mayor espíritu de comedia en toda la película, con algunos gags que pueden resultar efectivos y unos chistes escatológicos no tan acertados. Si bien hay que reconocer ese elemento, el segmento es realista donde las y los adolescentes están retratados como seres sexualmente activos, lo que toma contingencia después de algunas “performances” protagonizadas por niñas de 12 años que han sido puestas en Internet y de las que hemos sido testigos. Más efectista que original, el segmento es el que presenta los mayores convencionalismos y quizás por eso es también la más divertida.
La segunda historia es “Mi Nuera”, con Claudia Di Girólamo, Nestor Cantillana y Juana Viale. En una ella una joven pareja comienza a organizar su matrimonio y para ello piden la ayuda de la suegra, la que comienza una entrañable y peligrosamente cercana relación con su futura nuera. Una historia marcada por la sutileza y la pulcritud del relato, el lesbianismo tocado con respeto y con la osadía visual necesaria en especial en la dirección de arte y que impacta por el avance sutil de una tragedia. El Rumpy apuesta por la ausencia de los juicios de valor, los que surgen de la fuerza del relato. Es la que quizás contiene las mejores actuaciones de toda la película y en la que apuesta por lo cinematográfico como elemento básico. Acá El Rumpy demuestra su capacidad y quizás el único elemento que faltó fue darle mayor protagonismo a los silencios y las expresiones. “La nuera” es una tragedia, con toques aislados de comedia (un personaje secundario que odia a las mujeres), que funciona, sobrecoge e impacta.
“Cuento de hadas” es la última historia y que es simplemente una historia de amor. Una nana en un mundo de fantasía. Una hacienda viñatera donde el lujo es casi parte del paisaje. Una familia muy acomodada que la acoge como un miembro más de la familia en la medida de lo conveniente, siempre marcando ese sutil límite entre las clases sociales. Tamara Acosta es Valeria, la niñera que cuida a la moribunda dueña de casa (Amparo Noguera), que sufre por la distancia que marca su esposo (Felipe Braun). Todo bien hasta que la dueña de casa le pide algo más que sólo cuidar a su familia. Una historia con tradición romántica, donde los personajes se encuentran, se enamoran y sufren un quiebre, en medio de fuertes diferencias sociales, es decir, una “cenicienta” nacional. Es políticamente correcta y de personajes cercanos al cliché pero que gracias a la sutil y siempre controlada dirección logran sobreponer una historia de lugares comunes, para transformarla en un intenso relato de amor.
En suma “Radio Corazón” pasa con creces la prueba y la siempre odiosa comparación. Si bien es menos divertida que su predecesora, es más osada en el uso del lenguaje cinematográfico como elemento estabilizador de las ideas. El Rumpy se la juega por sus personajes, sin importar si con ello tiene que sacrificar algún chiste o el exceso de risas y además es capaz de filmar quizás la primera historia abiertamente lésbica del cine chileno y lo hace con respeto (a pesar de lo fuerte de la situación) y con la convicción de que sus personajes se dejan llevar por los sentimientos y no por lo genitales. En “Radio Corazón” los personajes son un espejo traslúcido de su interior, lo que es un mérito total. Si bien hay algunos momentos en que se nota la falta de oficio en la dirección de actores, la cinta transcurre sin sobresaltos y con la convicción de ser fiel al programa que le dio origen. Es decir un espacio casi de desahogo, de redención de nuestros deseos sexuales y explosión de nuestra realidad muchas veces encubierta por la insana pacatería a la que estamos acostumbrados. Menos sexual, pero más explícita en los sentidos, “Radio Corazón” es contingente, acertada y una película que logra captar la esencia de los chilenos.

Ficha Técnica
Titulo original: Radio Corazón

Dirección: Roberto Artiagoitía

País: ChileAño: 2007

Género: Comedia/ Drama

Elenco: Daniel Muñoz (Manolo), Manuela Martelli (Nice), Daniel Alcaíno (Darwin), Claudia Di Girolamo (Sandra), Néstor Cantillana (Federico), Juana Viale (Manuela), Amparo Noguera (María Pilar), Tamara Acosta (Valeria), Felipe Braun (Cristian)

Guión: Pablo Illanes y Roberto Artiagoitía

Duración:115 minutos

Calificación: Mayores de 14 años (por algunas situaciones sexuales, nada muy explícito)
VALORACIÓN: MUY BUENA. Imperdible como retrato de nuestras actitudes sexuales.

Trailer: http://br.youtube.com/watch?v=iLqKTDQEgvE

“Exterminio 2”: Regresan los zombies corredores

2007-09-27T10:18:00.000-07:00

* En el 2002, Danny Boyle (“Trainspootting”) reinventó a los zombies transformándolos en rápidos corredores en “Exterminio”. Ahora un director español trae de vuelta a los no muertos londinenses en una secuela que mantiene el nivel de la original.

“Exterminio” (28 Days later) de Danny Boyle y realizada en el 2002, es una de las mejores películas de terror de los últimos años. Su ambiente asfixiante y su destacada trama lograron el beneplácito de la crítica y también de los fanáticos del horror. Un día un joven despierta y descubre que su amado Londres esta desierto y sólo habitados por unos extraños seres que lo atacan. Son personas que se transforman en una especie de zombies tras ser infectados con un virus. Un puñado de protagonistas recorre Inglaterra buscando ayuda. La cinta original fue un ejercicio claustrofóbico (a pesar de que el encierro era toda Gran Bretaña), de relaciones humanas y su desgracia. Se transformó instantáneamente en una cinta de culto. De ahí que una secuela representara todo un desafío.
“Exterminio 2” nos adentra en un Londres devastado, 28 semanas más tarde de la cinta original (por eso su nombre en Inglés “28 weeks later”), donde el ejército de Estados Unidos (era que no) mantiene controlada la isla, sus acceso y donde los infectados fueron exterminados o simplemente murieron de hambre. Ahí comienza la repoblación muy controlada del país. Empiezan a ingresar los refugiados como regresando a un país devastado por una guerra. Todo va bien hasta que dos hermanos (Imagen Poots y Mackintosh Muggleton), que regresan a Gran Bretaña para reencontrarse con su padre (Robert Carlyle), salen fuera de las zonas de seguridad y encuentran a su madre sobreviviente (Catherine McCormak), la que supuestamente había muerto, pero sólo había sido abandonada por su esposo, quien la dejó para sobrevivir al ataque de los zombies. Lo que no saben es que ella tiene una característica genética que la hace inmune al virus, pero que mantiene la capacidad para infectar a otros. Entonces la devastación resurge entre los refugiados. Los niños deben sobrevivir a los ataques de los zombies y a los bombardeos de los militares que planean matar a todos quienes están en Londres.
El encargado de esta secuela es el español Juan Carlos Fresnadillo, quien pasó de dirigir una cinta inédita en Chile a ser autor y director de esta secuela y la verdad es que el resultado es más que satisfactorio. Si bien las comparaciones son odiosas, “Exterminio 2” carga con la presión de mantener al menos la sensación que provocó su antecesora. En ese sentido esta secuela es más relajada y la opresión se cambia por acción y quizás por elementos más convencionales en el género de horror. A diferencia de la primera parte donde los protagonistas se desarrollaban, crecían y morían, acá las personalidades están con líneas más brutas y más cercanas al estereotipo (la doctora humanitaria, el militar arrepentido, el hombre de color buena onda, la familia disfuncional), pero que son suprimidas con el ritmo y otros elementos como el uso de la luz, la cámara y la excelente banda sonora.
“Exterminio 2” es la respuesta propia de las secuelas de horror y en cierta medida recuerda a otra serie de terror clásico como “Alien”, donde la primera parte (“Alien, el Octavo Pasajero” de Ridley Scott) era un ejercicio de claustrofobia y miedo profundo y la segunda (“Aliens, el regreso” de James Cameron) era un carnaval de acción donde la parafernalia mandaba y resultaba igual de efectiva. Es decir, esta secuela, sostiene la historia y la amolda, la hace más rápida y logra una relectura propia de la cinta original. A pesar de sus superficialidades o convencionalismos, satisface a los fanáticos y lo que es mejor, no falta a la idea básica de la cinta original, aunque acá los zombies son mayores en cantidad, violencia y sangre. Todo coronado con secuencias donde el nivel de gore es extremo y el líquido rojo salta a raudales. En suma, entretenida, tensa, original, donde la velocidad de la historia la hace algo superflua, pero que en si responde con creces a lo habitual de una secuela. Es decir, una digna sucesora de un clásico.

Titulo: “Exterminio 2”.
TITULO ORIGINAL: 28 weeks later
GENERO: Terror
DIRECCION: Juan Carlos Fresnadillo
GUION: Juan Carlos Fresnadillo, Rowan Joffe
INTERPRETES: Robert Carlyle, Rose Byrne, Jeremy Renner, Harold Perrineau, Catherine McCormack
FOTOGRAFIA: Enrique Chediak
MUSICA: John Murphy
MONTAJE: Chris Gill
ORIGEN: Inglaterra (2007)
DURACION: 100 minutos CALIFICACIÓN: Mayores de 14 años (por la violencia extrema)
VALORACIÓN: BUENA (Superior a cualquier secuela y muy entretenida)

Trailer:
http://www.youtube.com/watch?v=DTgFhF_RGOY
http://www.youtube.com/watch?v=Y0oSdqQuzdU&mode=related&search=

“Los Simpson, la película”: la Familia disfuncional llega a la pantalla grande

2007-09-04T09:54:00.000-07:00

La película lleva a la familia más disfuncional del mundo a la pantalla grande, donde se mantiene el tono irreverente de la serie original.

Es la familia americana más popular del momento y quizás la menos funcional. “Los Simpson” luego de 400 capítulos en la televisión saltan a la pantalla grande en una esperada película de 87 minutos, donde Homero, March, Bart y Lisa enfrentan una serie de aventuras. Todo comienza cuando las autoridades decretan estado de emergencia luego de que el lago de Springfield sufriera una grave contaminación. Prohíben lanzar cualquier basura al lago, prohibición que Homero no toma en cuenta, lo que provoca una hecatombe que obliga al gobierno a aislar al pueblo. Y tras averiguar la causa de la contaminación, Homero y su familia son perseguidos por sus antiguos vecinos.
“Los Simpson, la película” parte como cualquier capítulo de la serie e incluso Homero bromea sobre lo estúpido que es ir al cine, cuando puedes ver lo mismo en la televisión. Una primera broma que mucho tiene de real, ya que la película parece un capítulo larga duración de la serie, lo que no es totalmente malo, ya que quiere decir que mantiene el tono que ha hecho a “Los Simpson”, una serie particular y que ha permitido que miles de personas adoren las aventuras de sus integrantes. Pero esto también puede ser un punto en contra para quienes querían encontrar algo diferente. Incluso la irreverencia no esta desatada del todo y el tono de la cinta esta medido, incluso en la misma serie de televisión hay chistes más duros que en la película, donde destacan algunas alusiones al partido republicado, al matrimonio homosexual, a la política ambiental de Estados Unidos y a la posible candidatura presidencial de Hilary Clinton. Pero nada que moleste o sorprenda de sobremanera, aun así “Los Simpson, la Película” resulta entretenida para los fanáticos y una sorpresa para quienes tienen su primer acercamiento al mundo de Homero y su familia.
Una animación simple, en un guión complejo (fueron 15 guionistas encargados de la historia) y con algunos gags más logrados que otros, esta película sirve para dar un avance en la serie, pero que no pasa de ser una aventura más de la familia más disfuncional de la Televisión gringa. Una familia que se ríe de ellos mismos y de todo lo que tiene que ver con los estadounidenses y sus tonteras. Ojo con algunas sorpresas para los fanáticos, en especial los cameos de Tom Hanks y Green Day y el nuevo amigo de Lisa, la que sigue siendo el mejor personaje de la serie, aún si es en un capítulo larga duración en la pantalla grande.

“Los Simpson, la Película”
Dirección: David Silverman.

País: USA.Año: 2007.

Duración: 87 min.

Género: Animación, comedia.

Doblaje original: Dan Castellaneta (Homer Simpson), Julie Kavner (Marge Simpson), Nancy Cartwright (Bart Simpson), Yeardley Smith (Lisa Simpson), Harry Shearer (Sr. Burns), Hank Azaria (Moe), Marcia Wallace (Edna).

Guión: James L. Brooks, Matt Groening, Mike Reiss, George Meyer, Ian Maxtone-Graham, John Swartzwelder, Matt Selman, David Mirkin, Al Jean, Mike Scully y Jon Vitti; basado en los personajes creados por Matt Groening.

Producción: James L. Brooks, Matt Groening, Al Jean, Richard Sakai y Mike Scully.

Música: Hans Zimmer.

Dirección artística: Dima Malanitchev.
Calificación: Todo Espectador
Valoración: Buena (con reparos, pero recomendable)

Trailer en español: http://www.youtube.com/watch?v=b0RcZU1CTEc

http://www.youtube.com/watch?v=3ywroReM9rI

"Transformers": Pura nostalgia

2007-08-02T13:31:00.000-07:00

* Está basada en la popular serie de los 80, donde seres robóticos luchan en la tierra luego de que su planeta fuera destruido.

Es la primera cinta con actores reales que se realiza basada en la popular serie de la década de los 80 y que se transformó en un clásico de los dibujos animados de la época. La película comienza desde el principio, casi idénticamente como lo hacía la serie, aunque por supuesto con matices.
Sam (Shia LeBeouf) es un joven que quiere que su padre le regale un auto nuevo, pero su progenitor solo accede a comprarle un viejo camaro. En eso conoce a la más sexy joven del barrio y que tiene un pasado reñido con la ley. Sin saber ellos quedan en medio de una batalla de proporciones extra galácticas, ya que el auto nuevo resulta ser “Bumblebee”, un robot miembro de los “Autobots” que vienen a la tierra a impedir que “Megatron”, el líder de los “Decepticons”, encuentre un prisma que es la clave de la vida en su extinto planeta. Suena un tanto exagerada, pero la premisa es la misma que dio origen a la serie, que hoy es de culto entre todos quienes vivieron en la década de los 80 su infancia y en ese sentido se agradece tal nivel de apego a la historia original, incluso hasta el protagonista recuerda mucho al despistado conductor “humano” en la serie original.
La cinta en sí no da respiro. En sus más de 150 minutos de duración es una seguidilla de secuencias de peleas, explosiones, batallas y persecuciones que incluso por momentos hasta marean de lo rápido que salta la cámara de un lado hacia otro. Todo esto gracias a la mano esquizofrénica de Michael Bay, que es responsable de lamentables producciones (“Pearl Harbor”, “Armagedón”), que en sí son un cúmulo de lugares comunes y mucha, pero mucha acción. “Transformer” no es la excepción, aún así la película tiene más fluidez y es la más coherente de todas las de este director. Y es que está conciente que está frente a un material en el que miles de jóvenes adultos tendrán puestos los ojos y a pesar de algunos cambios que pueden llegar a molestar (por ejemplo Bumblebee ya no es un escarabajo, sino que un “Camaro” y Megatrón ya no es una pistola, sino una nave extraterrestre), la cinta sale airosa de la estricta mirada de quienes alucinamos con las aventuras del líder Optimus Prime y de su lucha a favor de los humanos. El personaje sigue siendo tan complaciente (hasta mamón si se quiere), pero es un referente que no pensamos cambiar todos aquellos que soñábamos con ser parte del equipo “humano” de los autobots. El mayor reproche, que esperemos se solucione en la segura segunda parte, son las pocas escenas de transformaciones, aunque las que hay son espectaculares.
En suma, más que resistir un análisis cinematográfico, “Los Transformers” enfrenta un análisis de nostalgia y en ese sentido sale airosa y hasta se podría olvidar que está dirigida por un hombre que filma con la sensibilidad de una máquina. INTERESANTE.

Titulo Original: Transformers

Dirección: Michael Bay

Año: 2007

País: USA

Elenco: Shia LaBeouf (Sam Witwicky), Josh Duhamel (Capitán Lennox), Megan Fox (Mikaela Banes), Jon Voight (John Kéller), John Turturro (Agente Simmons), Tyrese Gibson (Sargento Epps), Rachel Taylor (Maggie Madsen)

Guión: Roberto Orci, Alex KUrtzman

Duración: 151 minutos

Calificación: Todo espectador (No recomendable menores de 7 años, la cinta tiene algo de violencia y un chiste sexual, nada grave en todo caso)

Trailers:

http://www.youtube.com/watch?v=iratX8KkY90

http://www.youtube.com/watch?v=pmB9EbyfM9o

“Mi vida sin mi”: Cosas que hacer antes de Morir

2007-07-24T06:30:00.000-07:00

· A pesar de ser una película sobre la muerte, “Mi vida sin mí” es la mejor inyección de ánimo y vida. Aunque no es recomendable para depresivos. Una paradoja que se explica en la solidez de la cinta.

Ann (la excelente Sara Polley) tiene veintitrés años, dos hijas, un marido que pasa más tiempo cesante que trabajando, una madre que odia al mundo, un padre que lleva diez años en la cárcel, un trabajo como limpiadora nocturna en una universidad a la que nunca podrá asistir durante el día. Vive en un remolque en el jardín de la casa de su madre, a las afueras de Vancouver, Canadá. Cuando cree que nada podría ser peor, un reporte médico le anuncia que su vida miserable se extinguirá. Comienza un depresivo testimonio, donde se vuelca en dos semanas a hacer lo que nunca hizo en su vida y su prioridad es sentirse amada.
"Mi vida sin mi" es una cinta a prueba de depresivos, pero que gracias a la dirección de Isabel Coixet, no se cae en los excesos ni en el melodramatismo exagerado, pero que logra emocionar con simples momentos llenos de una sensibilidad especial. Son especialmente logrados el encuentro en la casa vacía con su amante o cuando friega pisos queriendo estar estudiando o cuando se da cuenta que el amor es más que un revolcón desapasionado en un colchón hediondo.
Esta película es un profundo viaje al valor de lo que tenemos. Es vida, es depresión, es como a veces nos sentimos, es como a veces queremos que todo acabe. Cinematográficamente posee una fotografía oscura, plagada de colores azules casi tanto como en interior de la protagonista y las actuaciones merecen reconocimiento a parte, en especial Sarah Polley (“El amanecer de los muertos”, donde también estuvo excepcional), que construye un personaje potente y lleno de gestos y expresiones únicas. "Mi vida Sin Mi" es una película hermosa, llena de poesía, sensibilidad y honestidad. Ideal para los que creen en la perspectiva de géneros, en especial en los que se refiere a que morir no distingue nada y más aun para quienes ven la vida con dolor y desesperanza. Excelente, aunque si anda sensible quizás no es la mejor inyección ánimo, pero si es un canto a vivir la vida de la mejor manera.

Ficha:
Dirección: Isabel Coixet.

Países: España y Canadá.

Año: 2002.

Duración: 100 min.

Interpretación: Sarah Polley (Ann), Amanda Plummer (Laurie), Scott Speedman (Don), Leonor Watling (Vecina), Deborah Harry (Madre), Mark Ruffalo (Lee), Sonja Bennett (Sarah), Alfred Molina (Padre), Jessica Amlee (Penny), Kenya Jo Kennedy (Patsy), María de Medeiros, Deanne Henry.

Guión: Isabel Coixet; basado en el relato 'Pretending the bed is a raft' de Nanci Kincaid.

Producción: Esther García y Gordon McLennan.

Música: Alfonso de Vilallonga.

Fotografía: Jean-Claude Larrieu.

Montaje: Lisa Jane Robinson.

Diseño de producción: Carol Lavallee.

Dirección artística: Shelley Bolton.

Vestuario: Katia Sano.

Calificación: Todo Espectador (No recomendable menores de 7 años)

Trailers:

http://www.youtube.com/watch?v=muNv7P9cyC8

http://www.youtube.com/watch?v=Z0ZDYejqdnk

“Cell”: Cuando el terror te llama directo al celular

2007-07-19T14:55:00.000-07:00

* Es la penúltima novela del escritor Stephen King que en Estados Unidos desbancó las listas de los más vendidos. Un libro entretenido, a ratos excesivo, pero que confirma que Sthephen King es el rey de los libros de “matiné”.

El maestro del horror moderno, como lo llaman sus fans, apareció en las librerías chilenas hace unos meses con una historia dedicada a George A. Romero, considerado el padre de los “muertos vivos”. Y es que “Cell”, (que puede ser traducida como “Celular”) su novela publicada en el 2006 en Estados Unidos y a comienzos de año en Chile, toma prestada claras referencias a la cinta que en 1968 dirigió George A. Romero y que es considerada hasta hoy una pieza de culto y la primera que dio origen a los zombies como hoy los concebimos, es decir, seres sedientos de carne humana fresca.
“Cell” comienza tan vigorosamente que sus primeras 40 páginas parecen transcurrir sin pausa, entre sangre a raudales y acción trepidante. Y su historia es simple. Una tarde Clayton Riddell, un dibujante de comics que busca desesperadamente una oportunidad, está en Boston por una entrevista de trabajo. Allí en medio de la pasividad de un primero de octubre ve como una mujer que compra helados ataca al heladero y le desgarra la garganta con los dientes y de pronto todo el mundo a su alrededor se transforma en un caos. Todos parecen transformarse en seres sedientos de violencia y donde la sangre no se demora en cubrir las calles de toda la ciudad. El culpable de tal caos parece ser la señal que emanan los celulares. Entonces se refugia junto a un grupo de sobrevivientes, entre los que se encuentra un gay con agallas, una chica sensible y niño con su abuelo adoptivo. Clayton tiene una sola cosa en mente, llegar hasta donde su hijo y su esposa pero a cada instante no puede olvidar que alguna vez le regaló a su hijo un celular rojo.
“Cell” desde el comienzo se lee como “cine en letras”, no en vano las novelas de Stephen King son adaptadas a la pantalla grande casi en forma inmediata (de hecho Eli Roth, director de las sangrientas “Hostal”, ya anunció que prepara la adaptación de este libro) y sus primeras páginas parecen ser parte de una larga secuencia de acción y sangre que está escrita para ser llevada al cine. Es que Stephen King posee un innegable talento y oficio para las descripciones y es capaz de imprimir rapidez a las letras cuando se lo propone. Igualmente sus personajes son creíbles y por momentos hasta logran crear alguna empatía con el lector, en especial Alice y Tom, que son los compinches inseparables de Clayton. Tom es gay (aunque no se hace mucha referencia a eso) y se nota que siente una fuerte atracción por Clayton, quien llega a estimarlo de sobremanera. Alice es casi como una niña huérfana que sólo quiere estar acompañada. Es un trío que lucha contra esta especie de “zombies” que matan a todo lo que se cruza por su camino, luego de ser “reprogramados” por el “El pulso”, como llaman al fenómeno que se propagó gracias a los teléfonos celulares.
Llena de referencias a las películas de zombies de George Romero (de ahí la dedicatoria), en especial en lo que respecta a como los “humanos” a veces nos transformamos en zombies gracias al consumismo (Romero hizo esa referencia en la cinta “El Amanecer de los Muertos” de 1978, la que tuvo un excelente Remake en el 2004). Aunque King agrega algunos puntos importantes en la historia reciente de Estados Unidos, como el hecho de la psicosis terrorista generada luego de los atentados a “Las Torres Gemelas” y la elección de Bush (incluso los personajes no lo nombran, pero hacen referencia a su gobierno diciendo. “el infierno en Estados Unidos llegó hace bastante antes que llegara El Pulso”).
El problema de “Cell” es que su historia ya no suena original. Los “rayados” como llaman a los zombies tecnológicos se parecen a los contaminados que ya salieron en cintas como “Exterminio” (28 days Later) y en varias novelas con referencias a virus exterminadores. Además a medio camino la novela pisa el freno para dedicarse a entender a los “rayados” y es ahí donde los personajes se estacan y la novela toma ribetes innecesarios, oníricos que se alejan del tono original donde lo más sabroso era leer como los personajes trataban de no ser masacrados por los zombies. El viaje al norte aun lugar que no se sabe si es una salvación o una condena, tampoco está del todo logrado y sólo se entiende la motivación de Clayton de ver a su familia.
“Cell” es entretenida gracias a que Stephen King tiene el oficio para crear historias de “matine” sangriento, con momentos rápidos y personajes bien delineados, pero en su desarrollo estructural es donde “Cell” decae. Aún así los fanáticos no quedarán decepcionados y seguramente esta novela se transformará en una sangrienta película de zombies que tendrá solo la mitad de la historia y la mitad de los personajes, aunque esperamos que Tom y Alice sobrevivan a la adaptación cinematográfica.

Ratatouille: Pixar lo hizo de nuevo

2007-07-11T14:49:00.000-07:00

* La nueva película Disney, bajo el alero de Pixar, presenta el que podría ser uno de sus más entrañables personajes animados. Remy, la rata que quiere ser cocinero.

Remy es una rata de alcantarilla que posee un súper desarrollado olfato, por lo que se niega a comer cualquier porquería sacada de la basura, como lo hacen sus parientes y amigos. Por eso que prefiere hurguetear en las cocinas de los humanos para conocer los misterios de la alta cocina. Es así como tras un pequeño incidente termina viviendo en uno de los restaurantes más respetado de Paris. Ahí conoce a Linguini, el recién llegado lavaplatos que tiene cero sentido del gusto, pero que gracias a la ayuda de Remy, puede cambiar su suerte.
“Ratatouille”, que toma su nombre de un tradicional plato francés que es usado sólo como acompañamiento, es una película extraña en la tradición de Disney, dónde el gran protagonista es un ratón (parlachín con ganas de ser Chef y que se siente fuera de lugar en su mundo), que más encima logra interactuar con los humanos. Un reto para la credibilidad de la cinta que mezcla dos mundos, pero que más allá de las licencias que se puedan aceptar en las películas animadas, sale bastante airosa. Y eso gracias a que Remy, el pequeño protagonista, logra un nivel de llegada haciéndose cada vez más entrañable en el espectador, el que es capaz de entender su dinámica y su cruce de experiencia con los “humanos”.
Remy como personaje es un triunfo, totalmente adorable y que provoca empatía y una extraña complicidad en el público. Remy encarna a quienes con esfuerzo logran sus objetivos por más descabellados que suenen.
El mérito de esta nueva aventura de Disney está precisamente en eso, en sus personajes. Donde cada uno es capaz de tener motivaciones propias sin importar si son ratones o humanos. Linguini sólo quiere trabajar, Colette (la ayudante de cocina) sólo quiere subsistir en un “mundo de hombres” como ella llama a la alta cocina y Skinner (el malvado) sólo quiere apoderarse del restaurante.
Una película entretenida que viene de la mano de los creadores de “Los Increíbles” y que demuestra que la animación no se deja engolosinar sólo por el virtuosismo de las técnicas de creación, si no que pone énfasis también en sus personajes.
Brad Bird, el director, crea un producto sobresaliente que simplemente logra sorprender, incluso más allá que sus predecesoras y que entrega un mensaje potentísimo, con una doble lectura deliciosa sobre la tolerancia y el poder de la perseverancia. Ideal para quienes piensan que el cine para niños sólo es diversión, ya que acá la entretención da paso a la reflexión y en ese sentido “Ratatouille” es una delicia.
Además es potente en las imágenes, lo que queda demostrado en la secuencia donde Remy escapa por los recovecos de un edificio en Paris, para luego contemplar la ciudad luz desde lo alto de un tejado. Simplemente una secuencia magistral en el campo de la animación.
Es decir, “Ratatouille” conjuga todos los elementos cinematográficos a la perfección y se transforma en la película ideal para la familia y en una de las más logradas cintas de animación de los últimos años. Entretenida, irónica, deliciosa como sus platos y hermosa. IMPERDIBLE ESTRENO INFANTIL.

FICHA TÉCNICA
TITULO: Ratatouille

TITULO ORIGINAL: Ratatouille

GENERO: Animación computarizada

DIRECCION: Brad Bird

GUION: Brad Bird

VOCES ORIGINALES DE LA VERSION SUBTITULADA: Patton Oswalt, Ian Holm, Lou Romano, Brian Dennehy, Peter Sohn, Peter O`Toole

MUSICA: Michael Giacchino

MONTAJE: Darren Holmes

ORIGEN: Estados Unidos (2007)

DURACION: 110 minutos

CALIFICACION: Todo Espectador

RECOMENDACIÓN: EXCELENTE. MAXIMA RECOMENDACIÓN

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=YyrhfVspN3Y

Trailer en Español: http://www.youtube.com/watch?v=KcKOG2MjEsk&NR=1

Trailer en Español2: http://www.youtube.com/watch?v=hS8d4d429Ok&mode=related&search=

Pamela Jiles: ¿Quién odia a la rubia de la lengua voraz?

2007-07-06T07:13:00.000-07:00

* Es la lengua más poderosa de la actual farándula chilena. Sus comentarios son sabrosos, mordaces y llenos de un humor que se lo quisiera Coco Legrand… además de eso tiene un rostro que se lo envidia cualquier modelo… es decir, Pamela Jiles es una delicia en todo sentido… ¿Quién podría atreverse a odiarla?

Son los ojos más hermosos y expresivos que alguna vez haya visto la farándula chilena. Son los gestos y las expresiones más intensas que tenga un espacio en la televisión. Todo unido a una inteligencia que, a veces a uno lo hace sentir un ser limítrofe, incapaz de racionalizar con la claridad que ella lo hace. Es Pamela Jiles la conjunción perfecta entre inteligencia y belleza.
Hablar de su trayectoria es gastar letras, porque “la Jiles” es de esas que uno terminaría páginas y aún así no alcanzaría a enumerar todo sus aciertos o sus características. Yo la primera imagen que tengo de ella es en un reportaje de “Informe Especial”, es tan potente su imagen que casi me cuesta recordar claramente de que se trataba el reportaje (sumando que yo aún era un niño que a esa hora veía televisión entre bostezos), pero ahí estaba ella inundando la pantalla y trasmitiendo su voz profunda a través del aire para adentrarse a mis oídos.
Es ella, esa figura que uno escucha (sé que hay algunos que no gustan de sus comentarios), que seduce con las palabras y que al fin y al cabo provoca reacciones. Desde la época de la dictadura, Pamela Jiles se ha dado el lujo de decir las cosas casi sin freno aparente, sin medida y con una certeza admirable o mejor dicho, con una concordancia en sus ideas con las mías. Pero nada de eso sería tan potente a no ser por lo atrayente de su personalidad. Pamela Jiles es todo, es pensamiento, cuerpo y palabras.

Cuerpo: Mujer que haces para mantenerte así. Capaz de ser la imagen que tienen los adolescentes cuando se masturban. Capaz de ser la fantasía sexual de un niño de 12 años, hasta la de un abuelo de 90. Imagino que es caliente a morir, que no tiene reparos para envolverse como una serpiente en los cuerpos afortunados que te acompañan. Cuerpo hecho a mano, escultural por donde se le miré y aunque Italo Pasalacqua le diga cada vez que pueda que es una “veterana”, ella se mantiene como quiere. Miles de modelos, las que ella misma critica desde su tribuna de SQP, desearían su figura o mejor aún, de seguro no se verán ni un tercio de lo bien de lo que se ve Pamela Jiles a su edad. Punto. Es rica y nadie puede negarlo.

Pensamiento consecuente (una consecuencia que uno siente desde dentro. Se puede ser de Izquierda, pero se puede ser burgués, pero ella es ambos y en ambos se siente consecuente… ¿como lo hace? Ni idea), ideales profundos y correctos, sólo me falta escuchar sobre temas valóricos, aunque a juzgar por sus libros (que reconozco comencé a leer hace poco, pero que desde hoy serán mis libros de cabecera) ella debe ser liberal (así lo espero).

Palabras: Que lengua más mordaz, pero llena de una ironía que en realidad provoca envidia. Sus estruendos y versos que salen de esa boca caliente se elevan por entre las voces inmundas de la farándula chilena para caer sigilosas en los oídos y para retumbar en los cinco sentidos. Pamela Jiles habla y muchos se ponen como toros a punto de empalarse unos a otros, como caballos con el falo duro. Para mi Pamela Jiles es esperar una sonrisa espontánea… Pamela Jiles es un afrodisíaco para el humor inteligente.
¿Quién podría odiar tal perfección? Un envidioso simplemente. Qué importa si a veces raya en la crueldad… ella es auténtica. VIVA Pamela Jiles. No te mueras nunca.

Me gusta la farándula ¿y qué?

2007-06-26T11:23:00.000-07:00

* Que la “cote” López le puso los cuernos o no al Mago Jiménez, que si Marlen vuelve con Roberto Dueñas o si la princesa de la farándula “Kena” triunfa en Perú, son temas que por supuesto no cambiarán el curso del país, pero son sabrosos, fomentan el morbo y me encanta… reconozco que adoraría ser panelista de “SQP”, “MQH”, “IETV” y cuanto programa se dedique a hablar de los demás….

Farándula es, según la RAE, la “profesión y ambiente de los actores” o el “mundillo de la vida nocturna formado por figuras de los negocios, el deporte, la política y el espectáculo”. Una acepción que llama la atención, la RAE considera a la farándula como “mundillo”, un término despectivo si se quiere, o relativo a la “vida nocturna”, con todo lo que ello puede significar. Lo cierto es que hoy la farándula se tomó las luces y no sólo las de neón, si no la de las cámaras de TV y la del día. Está en todas partes, en todos los canales, en cada rincón. Se comenta en el almuerzo, en la oficina y en la calle.

La farándula es más popular de lo que uno cree y es simple… son pocos los que se resisten a esta fuerza que se basa en el “otro”. Ya no es la típica vecina que conoce la vida privada del barrio… ahora son los periodistas y opinólogos quienes se dedican a husmear en la vida de las celebridades y de “seudo” famosillos. Y de ello no faltan las que ven (y LOS que ven) la oportunidad de ganar unos cuantos milloncitos en programas para contar sus aventuras románticas, sexuales y poco le importa si son personas casadas o solteras.

Cahuineo de barrio pero llevado a la Tv y a los diarios. Y hay algo que reconocer, todos sentimos el morbo (en poca o gran medida) de conocer los oscuros detalles de la vida de los otros… que si la vecina se acostó con el vecino de al lado… que si a la vecina de enfrente le gustan las copas de más, que si al hijo del vecino del fondo le gustan los hombres, que si el dueño del negocio se acuesta con la clientas… y cuanto otro sórdido cahuín de barrio que se esparce como virus en el aire… y todo alimentado por el interés de las personas. Si la gente no se interesara en esos detalles… no se esparciría… entonces, la farándula es una situación necesaria… necesaria por una cuestión social y que queda demostrada en el simple hecho de que todos en alguna medida, prestamos oídos para conocer un poco de la vida de los otros.

Yo lo reconozco… gozo con la farándula. Así que “SQP”, acá estoy para hablar de los demás…

Saltando diferencias

2007-06-12T08:24:00.000-07:00

Dónde dejamos el placer escondido,
Dónde ocultamos los valores acordados.
Son los sollozos dolientes que recuerdan lo vivido
Son las formas en que todos me han mirado.
Déjame en paz con mis ojos,
No me aprietes el rostro con tu voz.
No me entierres en la penumbra de tu odio.
Somos dos.
Del mismo cáliz. Del mismo amor.
Dime que estas entre las carpas del campo minado,
O que estoy en la filas de los enemigos,
Sólo por mi dolor… por mi pasado.
Por mi sangre y por mí.
Púdrete en tus malolientes deseos
En tu insana capacidad para despreciar…
Hermano, hermano ¿Dónde estás?
Sacúdete el pasado y entra en la vida
Aviéntame con tus palabras, recupérame con tus actos.
Perdónate del interior
De no sentir como me enseñaron
De no gozar como tú quieres.
Hermano, perdóname por lo diferente que soy.

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En un país donde ser diferente es condenable, siempre es bueno recordar que la tolerancia es un valor. Mirar al lado y reconocer nuestras diferencias, partiendo por el género, pero ver que somos iguales en el fondo. Iguales derechos, Iguales condiciones, pero reconociendo lo rico de la diversidad.

Una sociedad homogenea es una sociedad involutiva. Una sociedad heterogénea nos da la capacidad de ser mejores. No importa las diferencias de raza, color, tamaño, condición social o sexual... Somos "Humanos", Hombres y Mujeres... somos todos. Viva la diferencia... viva lo diverso y miremos al lado sin escandalizarnos y siendo capaces de entendernos unos a otros.... sólo así seremos mejores seres humanos y una mejor sociedad.

La Ruta de mis películas favoritas...

2007-06-10T19:39:00.000-07:00

A través de nuestros gustos, podemos conocer un poco a las personas. Sentir su interior... vivir sus momentos... Ahí van algunos de mis "momentos".Advertencia: Ni por mucho son las mejores películas que he visto (hay varias que pueden ser incluso discutibles), pero representan un momento, un lugar, un estado... Y bueno representan casí una línea de vida... es cine... es sentimiento. Son Películas que simplemente me gustaron... nada más...Empezaré con mi película favorita:

"Los Puentes de Madison": Un amor infiel, pero eterno

* Clint Eastwood dirigió en 1995 este verdadero canto al amor. Una cinta llena de sensibilidad que demuestra porqué el cine es considerado un arte.

La cinta es "Los Puente de Madison", su titulo original es "The BRIDGES of Madison County" y está protagonizada por Meryl Streep (una heroína romántica que demostró que esta actriz es un verdadero prodigio) y Clint Eastwood, quien además dirigió la película por allá por 1995 y que se transformó en un clásico romántico instantáneo, que fue reconocido más en el mundo que en su país de origen (sólo fue nominada al Oscar Mejor Actriz, pero ganó una serie de premios internacionales entre los que se cuenta la nominación al César francés como mejor Película extranjera, lo mismo que en japón y otros países).

La Historia es simple, un fotógrafo de la National Goegraphic, Robert Kindkaid, va al condado de Madison a retratar los puentes techados. Allí conoce a Francesa, una italiana que lleva años viviendo en el lugar y que se quedó sola luego de que su familia fuera a una feria de rodeo. Entre ellos nace un amor intenso, maduro y sutilmente erótico, donde sus sentidos se exaltan más allá de la pasión. Son sólo cuatro días, pero que para ellos es toda una vida... Y es que el amor que nace entre ambos es tan intenso y doloroso que los hace replantearse toda su vida. ¿Es legítimo dejar todo por amor?.

Una cinta que exuda sentimiento, destreza y pulcritud narrativa. Me pregunto si los señores que nominan al oscar vieron más sensibilidad en la horrenda "Corazón valiente" (BraveHeart), hoy considerado uno de los más grandes BLUFFF del Oscar. Una sola secuencia de Los Puentes de Madison es más que toda esa película junta. La escena de la camioneta es un ejemplo. Esa secuencia tiene más sensibilidad que todos los gritos sobreactuados de Mel Gibson).

"Los Puentes de Madison" es un triunfo por donde se miré, basta ver la escena de la camioneta que es cine en su máxima expresión, casi sin dialogos, pero que demuestran la escencia del séptimo arte y que nos hace entender porqué el cine es considerado una expresión artistica, que impulsa a los sentidos y que logra emocionar. Eatwood con esta película se transformó en un referente y "Los Puentes de Madison" es sinónimo de cómo hacer una película romántica. Imperdible para quienes aún tienen un poco de sangre en las venas y de latidos en el corazón.

Trailer:
http://www.starpulse.com/Movies/Bridges_of_Madison_County,_The/Trailers/

Retomando el Blog...

2007-06-07T07:39:00.000-07:00

Lo mantuve en silencio... mezcla de flojera... mezcla de degano. Esta de regreso, quizás no tendré actualizaciones diarias... pero si una regularidad al menos semanal. Eso como compromiso. Como siempre habrá de todo... y para muestra un nuevo Seudopoema... ahí va.

Torturas

Mientras el pelo les roza las rodillas
El alma le suplica que no siga
El dolor se controla con recuerdos,
La pasión con sosiego.

Las manos apretadas ya no tiemblan
Ante el golpe del verdugo prisionero.
Quiero hablar con tus palabras, aplicar tus inflexiones,
Si con eso perdonas, no creer en tus versiones.

Suelta el látigo un centímetro, siento el grito de mis cercanos,
Casi corto la conciencia de querer a mi pasado
Cuanto vale el recuerdo de mis palabras que he pronunciado,
Si ahora siento que cierro los ojos sin provocar ni un pecado.

Toman los cuerpos mutilados y los lanzan como un torrente
Donde fluyen las palabras, la verborrea de los que sienten.
Hoy están acallados, bajo el lodo de su nueva verdad.
Mientras ahora hay quienes dicen que ya nunca más.

Comentario de cine: "El Laberinto del Fauno", cuando la realidad convive con la Magia

2007-02-27T07:04:00.000-08:00

*Ambientada durante la dictadura de Franco en España, esta cinta de Guillermo del Toro revitaliza la inocencia y lo mezcla con un entorno de crueldad.

Ofelia (la sorprendente Ivana Baquero) es una niña que devora libros de duendes y encantos. Se traslada junto a su madre (Ariadna Gil) a vivir al campo donde el General Vidal (Sergi López), nuevo esposo de su madre, controla a los insurrectos que se oponen al Gobierno de Franco. Es la España del 1944, una época donde la polarización esta marcada y queda reflejada en el trato que el general tiene con los lugareños y con sus empleados. Ofelia al llegar al lugar y aborrece a su padrastro, estrecha sus lazos con su enferma madre que soporta un complicado y avanzado estado de gravidez y conoce a Mercedes (la sólida Maribel Verdú), una ama de casa que esconde más de un secreto. En ese mundo donde el ambiente de guerra se respira, Ofelia descubre un laberinto, donde conoce a hadas y a un extraño Fauno (Doug Jones) que le asegura que su vida no es tan simple como ella creía.
“El laberinto del fauno” es una película que cuenta dos planos diferentes. Es como dos películas en una y que funcionan a la perfección en su reflejo de los mundos a los que está destinado. Por un lado esta Ofelia y su mágica visión donde las hadas, faunos y demonios salen para obligarla a cumplir una misión, mientras que en el mundo de los adultos están los guerrilleros que se enfrentan a la tiranía de Vidal y a su crueldad.
Guillermo del Toro regresa a la fantasía, su género favorito, donde destaca con títulos tan variados como la excelente “Cronos” y la incomprendida, pero efectiva, “Mimic”. Del toro con esta cinta se acerca al trabajo que realizó en “El Espinazo del Diablo”, donde también mezclo la inocencia con la Guerra Civil Española.
“El laberinto del Fauno” a juzgar por sus seis nominaciones al Oscar (aunque haya obtenido solo tres y haya perdido en Mejor Película Extranjera), demuestra que cumplió con su objetivo de retratar y mezclar la fantasía y la realidad, apoyándose en una efectiva dirección de arte, un maquillaje espectacular y un ritmo trepidante, donde los únicos estancamientos corren por parte de algunos personajes y situaciones, pero que en el fondo integran la narración sin dar opción al espectador a abandonar el estado que logra en cada una de las fases de la película.
Una cinta hermosa, fantástica y que logra adentrarnos en el corazón de sus personajes. Una joya donde la inocencia está marcada por la belleza. (Ya se quisiera Roberto Benigni en su horrorosa película “La Vida es Bella”, una pizca de la honestidad que demuestra “El Laberinto del Fauno”, donde ambas solo comparten el hecho de tener como protagonista a un niño en medio de un conflicto bélico). EXCELENTE E IMPERDIBLE.

“El laberinto del Fauno”. Dir: Guillermo del Toro. Prot: Ivana Baquero, Maribel Verdú, Sergi López, Ariadna Gil, Doug Jones, Alex Angulo. Mayores de 14 años (básicamente por la violencia, aunque niños pueden verla junto a sus padres). Vea el Trailer de "El laberinto del Fauno"

Iglesia y estado: ¿Cuándo se separan o divorcian?

2007-01-06T09:51:00.000-08:00

• Con sus recientes opiniones la iglesia católica ya parece más un partido político que una religión.

Eutanasia, aborto, matrimonio homosexual, píldora del día después, uso del condón, campaña VIH SIDA, son sólo algunos de los puntos en que el estado parece cada vez más lejos de la Iglesia, al menos en temas y percepciones, pero que hace que la institución se aleje cada vez más de los ámbitos que le compete directamente: Sus fieles y la Fe, y se adentre en aspectos políticos. ¿Es la Iglesia Católica omnipresente como lo es el mismo Dios que reza en su fe? ¿Son tan imponentes que sobrepasan sus límites e imposiciones para llegar hasta el más secular del habitante del planeta? Buena fe, buena honra… todo matizado con desafortunadas opiniones vistiendo los ropajes de la fe. Antes de decir “conviene la alternancia”, habría que decirle al Cardenal Francisco Javier Errázuriz que se saque los ropajes y el escudo que supone su cargo ECLESIASTICO (no se olvide de eso) y que definitivamente se inscriba en un partido político y desde allí haga sus extensas declaraciones a favor de una alternativa de gobierno. No es que opinar sea imposible, pero es ético y de acuerdo a la FE abanderar una alternativa más allá de sus conceptos morales. ¿Es un error no reconocido? ¿O es simplemente que la Iglesia por fin esta desenmascarando sus líderes?
Podemos el resto de lo ciudadanos de este país tener visiones propias de la vida más allá de la religión… al parecer a Don Francisco Javier no le interesa la opinión ni la libertad de los demás y remite sus “declaraciones” como conceptos obligados de aprobación y conducta. Molesta su postura… nadie le dice a la Iglesia que hay gente que no tiene sus mismas convicciones y que puede pensar diferente… por su DIOS, practiquen la tolerancia no sólo de palabra, si no de hechos, acciones y pensamientos. Y emitan opinión pero no cohesión ni amenazas… Una sociedad libre estamos todos, quienes quieren vivir sus códigos morales y quienes creemos en otras formas de llevar la moral. Una sociedad donde ni el estado, ni la iglesia, ni la política impongan a quien amar y con quien compartir tu vida… una sociedad donde el color, el origen y la condición sexual no sean más que meras características que nos hacen ricamente diversos. Amar sin importar… dejar fluir, dejar avanzar sin que eso signifique la condena. La iglesia se olvida a veces de eso… y me gustaría que lo recuerden.

Volver: El múltiple regreso de Almodóvar

2006-12-21T04:32:00.000-08:00

Para Almodóvar esta cinta es un regreso múltiple. No solo regresa a su universo femenino, después de transitar por el odio en “La Mala Educación”, si no también es el regreso a la luz, a las cintas festivas y colorinches llenas de luminosidad. Es también múltiple, porque implica el regreso a su musa de siempre, Carmen Maura y retorno de Penélope Cruz a los grandes roles.
“Volver” es una cinta de mujeres y de una saga familiar marcada por las tragedias. Reymunda (Penélope Cruz) es una mujer que le ha tocado duro y que hace de todo para mantener a su hija, además debe lidiar con un esposo cesante y que muestra ninguna preocupación por cambiar esa realidad. Sole (Lola Dueñas) es hermana de Raimunda y es peluquera. Ambas están unidas por la muerte de su madre (Carmen Maura) y por el ritual que significa ir a limpiar su tumba cada semana y luchar contra el viento que cada jornada amenaza con llevárselas. Es ese contexto donde Almodóvar nos hace ver la vida como un ritual casi monótono que es interrumpido por la tragedia, el dolor y la violencia. Reymunda sufre con su familia que amenaza con repetir el pasado, con un esposo que mira demasiado a su hija. En una tarde la tragedia se cierne sobre ellas, una tragedia que rompe e irrumpe sobre ambas.
Sole, como su nombre, está sola, pero tras asistir al funeral de su tía, se trae consigo desde la vieja casa al “fantasma” de su madre. Hecho que da nombre a la película y que funciona como un elemento redentor, que sirve para expiar las culpas del pasado y que permite a todos avanzar sin dejar atrás las heridas. En ese sentido “Volver” funciona casi a la perfección y es que Almodóvar sabe perfectamente meterse en sus personajes, indagar en sus miedos, rencores, temores y deseos. Y si bien acá su universo son las mujeres, ellas están marcadas por su relación con los hombres, por el desamor. Cada una ha vivido una experiencia dolorosa desde un engaño, una violación hasta un abandono. Los hombres son los grandes antagonistas de esta historia, así como también el pasado.
“Volver” nos trae a un Pedro Almodóvar que regresa a sus mujeres, con frescura, gracia y maestría. Donde la fuerza del relato está en las emociones y no en las imágenes. Un Almodóvar menos visceral, pero más emotivo y que no deja a nadie indiferente.
En resumen una película intensa, con actuaciones notables y que demuestra que Almodóvar es el gran director del cine contemporáneo. Imperdible.

“Volver”. Dir: Pedro Almodóvar. Pro: Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas. Todo Espectador (No recomendable para menores de 7 años). Excelente.

Vea el Trailer de "Volver"

Día Mundial del SIDA: SIEMPRE CONDÓN

2006-12-01T10:58:00.000-08:00

El primero de diciembre es el Día Mundial del SIDA, quería compartir la Carta que el Secretario General de la ONU envió con este motivo. Aquí esta completa:

Mensaje del Secretario General con ocasión del Día Mundial de la Lucha contra el SIDA

1° de diciembre de 2006

En los 25 años transcurridos desde que se declaró el primer caso de SIDA, esta enfermedad ha cambiado el mundo: ha provocado la muerte de 25 millones de personas e infectado a otros 40 millones, y se ha convertido en la principal causa de muerte tanto de hombres como de mujeres de entre 15 y 59 años de edad. El SIDA ha ocasionado el más grande retroceso en la historia de desarrollo humano. En otras palabras, ha pasado a ser el mayor reto que se plantea a nuestra generación.
Durante demasiado tiempo, el mundo se negó a reconocer la situación, pero en los últimos 10 años la actitud ha cambiado. El mundo ha comenzado a asumir la lucha contra el SIDA con toda la seriedad que merece.
Hoy como nunca se están destinando grandes cantidades de recursos financieros a esa lucha, los enfermos tienen más acceso al tratamiento antirretroviral y varios países han logrado contener la propagación de la enfermedad. Sin embargo, el número de infecciones no ha disminuido y por ello tenemos que movilizar más que nunca la voluntad política.
El establecimiento hace 10 años del Programa conjunto de las Naciones Unidas sobre el virus de la inmunodeficiencia humana y el síndrome de inmunodeficiencia adquirida (ONUSIDA) permitió unir los esfuerzos y recursos de diversas partes integrantes del sistema de las Naciones Unidas, y fue un hito que transformó la reacción al SIDA en el mundo entero. Hace cinco años, todos los Estados Miembros de las Naciones Unidas consiguieron un nuevo hito al aprobar la Declaración de compromiso, que establece una serie de metas concretas, de amplio alcance y con plazos fijos, para combatir la epidemia.
Ese mismo año, habiendo decidido asignar al VIH/SIDA un lugar prioritario en mi labor como Secretario General, hice un llamamiento para que se creara un fondo de reserva de otros 7.000 a 10.000 millones de dólares anuales. Hoy es para mi un gran orgullo ser patrocinador el Fondo Mundial de Lucha contra el SIDA, la Tuberculosis y la Malaria, mediante el cual se han distribuido casi 3.000 millones de dólares a distintos programas en todo el mundo. Últimamente hemos recibido una gran cantidad de financiación adicional de los donantes bilaterales, la hacienda pública de los países, la sociedad civil y otras fuentes. Las inversiones anuales para hacer frente a la amenaza del SIDA en los países de ingresos bajos y medianos es actualmente de más de 8.000 millones de dólares. Desde luego, se necesita mucho más: para 2010, el monto que se precisará para responder debidamente a la epidemia superará los 20.000 millones de dólares al año. Pero al menos hemos comenzado a recaudar recursos y establecer las estrategias necesarias.
La reacción ante el SIDA ha comenzado a cobrar impulso y por ello lo que está en juego reviste aún más importancia. No podemos permitir que se malogren los adelantos ya alcanzados ni que se frustren los enormes esfuerzos de tantas personas. La tarea consiste ahora en conseguir que se cumplan todos los compromisos, incluido el de alcanzar el objetivo de desarrollo del Milenio de detener y comenzar a reducir la propagación del VIH para el año 2015, como convinieron todos los gobiernos del mundo. Los dirigentes de todos los niveles deben reconocer que detener la propagación del SIDA es también un requisito para la consecución de casi todos los otros objetivos, que constituyen, en conjunto, el plan convenido de la comunidad internacional para construir un mundo mejor en el siglo XXI. Los dirigentes deben responder por sus compromisos ante sí mismos y ante todos nosotros.
Esa responsabilidad, esa rendición de cuentas que es el tema de este Día Mundial de la Lucha contra el SIDA, exige que cada presidente y primer ministro, cada parlamentario y cada político, declare su firme decisión de poner fin al SIDA. Para ello deberán ofrecer más protección a todos los grupos vulnerables, ya sean las personas que viven con el VIH, los jóvenes, los trabajadores del sexo, los usuarios de drogas inyectables o los hombres que tienen relaciones sexuales con otros hombres. Deberán trabajar lado a lado con las agrupaciones de la sociedad civil, que son decisivas en esta lucha. Y también deberán tratar de efectuar auténticos cambios positivos para infundir más poder y confianza a las mujeres y las niñas y transformar las relaciones entre las mujeres y los hombres de todos los sectores de la sociedad.
Pero no sólo debe exigirse responsabilidad a quienes ocupan posiciones de autoridad sino también a todos nosotros. La responsabilidad supone, por ejemplo, que los empresarios contribuyan a prevenir el VIH en los lugares de trabajo y en las comunidades en general y que cuiden de los trabajadores enfermos y sus familias. Supone que los trabajadores de la salud, los dirigentes comunitarios y los grupos religiosos escuchen y se interesen, sin emitir juicios. Supone que los padres, los esposos, los hijos y los hermanos defiendan y protejan los derechos de las mujeres. Supone que los maestros alimenten los sueños y respondan a las aspiraciones de las niñas. Supone también que los hombres velen por que sus congéneres asuman su responsabilidad y comprendan que la verdadera hombría está en proteger a otros del peligro. Supone que cada uno de nosotros ayude a sacar el SIDA de las sombras y a difundir el mensaje de que el silencio equivale a la muerte.
Aunque pronto dejaré el cargo de Secretario General de las Naciones Unidas, seguiré difundiendo este mensaje mientras me queden fuerzas. Este Día Mundial de la Lucha contra el SIDA siempre será para mi un día especial. Comprometámonos hoy a persistir en nuestro empeño, no sólo este día, o este año, o el entrante, sino todos los días, hasta acabar con la epidemia.

Kofi A. Annan

Una reflexión sobre como a veces, nuestros mesquinos pensamientos morales no nos dejan ver una realidad. En especial a la Iglesia Católica y a los canales que no exhiben los SPOTS del SIDA que realizó el Ministerio de Salud y que amparados en su doctrina se hacen complices de la muerte. En cuanto al VIH hay que saber y reconocer que el CONDÓN es una forma viable y segura de prevenir la enfermedad y pensar que los jóvenes o los adultos dejarán de tener sexo sólo porque el PAPA lo dice, es una estupidez. Bien por los que optan por la abstinencia y bien por los que optan por una pareja REALMENTE única (aunque creo que esta opción esta el peligro, basta con preguntarle a las miles de dueñas de casa infectadas y que sólo tenían sexo con sus maridos). Lo importante es tomar conciencia.... por eso SIEMPRE CONDÓN.

Comentario de Cine: “Padre Nuestro”: Bendito Seas

2006-10-16T13:36:00.000-07:00

• Es el último estreno nacional que deja un sabor agridulce y que al menos provoca sensaciones.

Es una apuesta que viaja entre la delgada línea del melodrama y la comedia. “Padre Nuestro” es una cinta agridulce con momentos hilarantes y otros que buscan conmover.
Caco (Jaime Vadell) está moribundo y lo único que pide es reunirse con su familia. Sus tres hijos (Luis Gnecco, Amparo Noguera y Francisco Pérez Bannen) viajan desde Santiago a Valparaíso para visitarlo, no sin antes analizar su propia existencia, ya que lejos de ser un padre ejemplar, Caco arrastra la carga de haber quebrado a la familia cuando decidió abandonarlos por otra mujer (Coca Guazzini).
Ese es el argumento que da inicio a “Padre Nuestro” y que suena a un intenso melodrama familiar, pero que el director Rodrigo Sepúlveda (“Un Ladrón y su mujer”) opta por relajar, desviándolo por momentos a la comedia desenfadada. Y todo gracias al sentido del humor de Caco y su negativa para aceptar su destino.
A pesar de la ambigüedad, la cinta funciona en su complemento y no se siente inconexa al mezclar tan violentamente el drama con la comedia, al contrario ambos deambulan, se ayudan e incluso se sustentan. Quizás donde la película pierde coherencia no es en el juego de géneros, si nomás bien en los momentos en que se torna más obvia, en especial cuando el personaje principal inicia un recorrido por la noche porteña junto a su hijo menor (Francisco Perez-Bannen). Si bien es obvia, Jaime Vadell y su personaje sustentan esa parte de la película.

Y es que “Padre Nuestro” está dividida en dos. La primera parte es el viaje de los hermanos (acompañados por la esposa de uno de ellos interpretada por Cecilia Roth) que se intercalan con recuerdos familiares. Y la segunda es el viaje del Padre a la diversión. Todo está separado y marcado por un plano secuencia en un restaurant que resulta un acierto por su riesgo, intensidad y manejo. Esto a pesar de algunos baches en las actuaciones, pero que aún así es un logro estilístico. Son nueve minutos en donde la familia saca lo peor de sí y donde los hermanos revelan su verdadera naturaleza.
En suma “Padre Nuestro” es una apuesta arriesgada, con olor a pasado, donde está la figura del padre machista como personaje central y que se sirve de un relato con cambios narrativos, que lo llevan a un viaje entre el dolor y la risa. Un buen retrato familiar que cumple con provocar emociones, algunas risas y también llantos. Emociones que lamentablemente en Copiapó tendrán que esperar hasta que no contemos con un cine. Es una pena.

“Padre Nuestro”. Chile, 2006. Prot: Jaime Vadell, Luis Gnecco, Amparo Noguera, Francisco Pérez Bannen, Cecilia Roth, Coca Guazzini, Gloria Munchmayer y Gaby Hernández. Mayores de 14 años (recomendable hasta para mayores de 10 años)BUENA.